Die neuen Phantome des verrückten Hutmachers Timmy B.

Probable chat of two Disney producers around three years ago:

A: Hey Bob, we should really bring out a totally new version of “Alice in Wonderland”, don’t ye think so? All in 3D, everyone will love it!!!

B: Well, Alan… only thing is..ye know…this book.. “Alice”…it aint got no proper story..

A: Uhah..

B: …and it’s pretty weird…much to weird for the big audience!

A: But…

B: I know what you’re gonna say, but what worked fifty years ago aint gonna work nowadays… People want the straightforward fight of good against evil, they wanna see another “Lord of the Rings”, another “Chronicles of Narnia”, another “Harry Potter” with a niiiice li’l piece of moral advice wrapped into it…

A: I’m afraid you’re right. This Lewis Carroll surely had something, but his ideas are just to strange, to crazy…the whole book does have this… Burton-touch, doesn’t it?

B: Yeah, yeah, you’re right!!! It’s got the Burton-touch,so why not let Burton make a totally crazy version of Alice and…

A: BOB!!! Bob! Come on, you yourself said, it wasn’t gonna work for the big audience, and you were right. If we let Burton make a totally crazed film of an already totally weird book….!!!!…. then we could likewise hire David Lynch for a remake of “Snowwhite”
AHAHAHAH!

(both burst with laughter…)

B: Ok, so we need to find someone to DEburtonize the book..

A: Yeah, on the other hand, “Alice in Wonderland” would surely be the kind of book Burton-fans like… and his name would be ideal to promote the film…

B: Allan, between us… ye know… I have a friend who used to work in Guantanamo… Why not drug Burton first, torture and brainwash him and get BURTON to DEBURTONIZE “Alice”???

A: BRILLIANT!!!!!

Happy birthday, Chucky!

Unser Leben währet 70, und wenn’s hoch kommt, so sind’s 80 Jahre; und was daran köstlich scheint: IST CHUCK NORRIS!
In der Tat, mit 70 Jahren Chuck Norris begeht unsere altgewordene, industrialisierte Konsumgesellschaft nicht irgendein Jubiläum, sondern zelebriert den Tag, an dem sie das traditionelle Ideal integrieren konnte, das im Zeitalter unendlicher Reproduzierbarkeit und Homogenisierung längst obsolet und uneinholbar vergangen erschien: das Ideal absoluter Einfachheit und Schlichtheit.
Lange bevor bis ins kleinste Detail identische Puppen und Spielzeuge über das Fließband liefen, lange bevor Massenmedien unsere Gesellschaft zu einer zwar nicht unmittelbar überschaubaren, aber insgesamt doch abzuzählenden Menge unterschiedlicher Absatzmärkte homogenisierten, drohte man im alten Griechenland im herakliteischen Flusse der ewigen Veränderung, des niemals gleichbleibenden und der absoluten Nichtidentität zu versinken. In diesem großen Meer der Unähnlichkeit träumte man den Traum absoluter Identität, Einfachheit oder mindestens Kommensurabilität und rettete sich auf der Planke der in der wahrnehmbaren Welt niemals exakt zu verwirklichenden, dennoch aber wirksamen mathematischen Strukturen, die die Harmonie des Ganzen sowie dessen Rückführung auf einen einheitlichen, symmetriestiftenden Grund garantierten. Die individuellen Abweichungen schienen dabei schlicht als Makel, als Abfall von der reinen, einfachen, ewig mit sich identisch bleibenden Struktur, die „hinter“ den Dingen steht insofern sie deren wahres Wesen ausmacht. Die positive Würdigung solcher Individualität, im großen Stil erreicht wohl erst in der Romantik, wurde durch die industrielle Revolution und deren Folgen jedoch gleich wieder zunichte gemacht, da sie ein Gespenst hervorbrachte, das allen Romantikern damals wie heute die elementare Existenzangst bis in die letzten Knochen fahren ließ: das ewig reproduzierbare, sich immer gleichbleibende und niemals verändernde Individuum, welches sowohl die Individualität als auch die Einfachheit und Identität als ästhetische Leitvorstellungen zu banalisieren und letztlich komplett zu desavouieren drohte.
Als diese Zeit erfüllt war, das Unternehmen Menschheit bereits in akrophobischem Schwindel am Rande des kompletten kulturellen Bankrottes taumelte, tauchte eine Lichtgestalt auf, die es vermochte, ohne Heer oder Kraft, allein mit dem Roundhousekick bewaffnet, die homogenisierte, gleichgeschaltete, sich fast nur noch durch die Strichcodes auf den Industrieprodukten, die ihren aufoktroyierten Schönheitsidealen angepaßten Körper notdürftig bedeckten, unterscheidende Menschheit gleichzeitig in ein neues Zeitalter und zu ihren Wurzeln zurückzuführen: Vor genau siebzig Jahren erstand sie neu, die Einfachheit und Unmittelbarkeit des Troglodyten, aber – incredibile dictu – in einer postindustriellen und massenmedientauglichen Form, die bald all das homogenisierte Elend um sich versammeln und zu einer neuen Wertschätzung der eigenen, reduzierten, dem titanistischen Originalitäts- und Individualitätswahn der Moderne entsagenden Persönlichkeit führen konnte. Was hier auf den Plan trat, war genau derjenige nach Gestik, Mimik und Charakter in jeder Hinsicht stilisierte Prototyp von Menschheit, der dem postmodernen Elend die Befreiung davon bringen konnte, woran der Mensch seit Jahrhunderten vergeblich laborierte: dem titanistischen Wahn, sich von allen anderen, dem Tier, der Welt, oder auch nur einer Gummipuppe qualitativ unterscheiden und damit selbst immer wieder neu schaffen zu müssen. Die beiden Naturen, Mensch und Mattel, in einer Person – dies ist es, was wir heute feiern, dies ist es, was uns heute und immerdar selig macht.

Merry Christmas and Happy Birthday Chucky!!

Rocker sterben nicht so leicht (1971)

Entfremdetes „upper class“-Pärchen fährt ans Meer, um das Wochenende im eigenen Strandhaus zu verbringen. Er (Riccardo Salvino) ein luschiger, pedantischer und dumpfer Spießer wie er im Buche steht, Sie (Mara Maryl) frustriert und apathisch nach Jahren trister bürgerliche Ehe-Routine, die offensichtlich nicht in ihrem Sinne war. Doch just nach einer besonders unromantischen, mechanischen „Liebesnacht“ naht eine Brise, die frischen Wind ins Eheleben bringen wird: Ein Quartett von grimmig dreinschauenden Rockern bzw. Bikern (…) steht vor der Tür und verliert keine Zeit: Noch vor dem Frühstück bekommt der brave Hubby eine Faust in die nüchterne Magengrube und die kratzbürstige Ehefrau einen ganz und gar unerwünschten Besucher in ihr Bett. Doch das Blatt wendet sich schnell, denn Sie entdeckt in Fred (Robert Hoffmann), dem Anführer der Gang, all ihre seit Jahren ungestillten Sehnsüchte nach Freiheit und einem Leben ohne betäubende Gleichmäßigkeit. Das passt ihrem Gatten, der sich bisher ängstlich winselnd in die Ecke hat drängen lassen, natürlich gar nicht und er beginnt nach allen Regeln der Kunst zu intrigieren, um die haltlosen Rauhbeine gegeneinander auszuspielen…

Zwar liest sich das wie ein typischer 70iger-Exploitation-Reißer und ist kommerziellerweise – zumindest dem Drehbuch nach – auch wieder einmal in den USA angesiedelt, doch angesichts des heute vielleicht ein wenig unverhältnismäßig aus dem Ruder laufenden Kultes um die ausgezeichneten, aber sicherlich nicht ungewöhnlich brillianten Gialli von Sergio Martino, für deren Drehbücher er sich verantwortlich zeichnete, wird gerne vergessen: Ernesto Gastaldi war unter den Drehbuchveteranen des italienischen Genrekinos kein wortwörtlicher Schmierfink wie z. B. Piero Regnoli und auch nicht ganz so sehr routinierter Fleißarbeiter wie eine Generation nach ihm Dardano Sacchetti sondern zeigte außerhalb des Giallo-Genres mitunter trotz seiner Solidarität zum Genrefilm erstaunliche Anwandlungen in Richtung jenes trotzigen bis wütenden, antibürgerlichen bis radikal politischen, linken Kinos wie es in Italien Ende der 60iger bis Mitte der 70iger Jahre Hochkonjunktur hatte. Sehr verschieden aber in kongenialer ethischer Verwandtschaft repräsentiert unter anderem durch Regisseure wie Antonio Pietrangeli, Elio Petri (an dessen LA DECIMA VITTIMA Gastaldi mitarbeitete), Mario Monicelli und Damiano Damiani (mit dem Gastaldi in den 80igern PIZZA CONNECTION schrieb). Zu diesen Filmen gehörte unter anderem auch der von Gastaldi geschriebene provokative, grelle „Gesellschaftsschocker“ FANGO BOLLENTE (1975) von Vittorio Salerno – der die Story zum vorliegenden LA LUNGA SPIAGGIA FREDDA („Der lange, kalte Strand“) beisteuerte.

Ein besonders subtiler oder meditativer Film ist das nicht geworden – aber er ist in zweierlei Hinsicht höchst bemerkenswert: Zum einen erweist sich Gastaldi, der von über hundert Drehbüchern bzw. Drehbuchmitarbeiten nur sechs selbst inszenierte, als begnadeter Filmemacher, der die rohe, erfrischend klare Schlichtheit eines Samuel Fuller mit der für das italienische Genrekino dieser Zeit charakteristischen, sinnlichen Stilisierung und romantizistischen Übertreibung verknüpft und sein Scope-Bild begeistert mit an den Italowestern gemahnenden, extremen Bildkompositionen füllt, ins goldene Licht der am fernen Horizont ins Meer sinkenden Sonne getaucht. Tatsächlich steht Gastaldis filmische Fertigkeit – die Fertigkeit, innerhalb einfacher Genre-Strukturen primär mit der Kamera zu erzählen – jenen Regisseuren, die seinen Namen unter Verehrern des Italokinos im Besonderen bis heute bekannt gemacht haben, Sergio Martino und Umberto Lenzi, in nichts nach. Das alte Klischee vom Drehbuchautoren, der am Set zum mit dem Medium Film überforderten Theaterregisseur mutiert, erweist sich hier als eben solches. Gastaldis Regie ist wunderbar konzentriert, präzise und entspannt, wirkt mitunter auch frischer als die zahlreicher auf Dauer zur Routine verdammten Kollegen, die seine Drehbücher verfilmten.

So konzentriert, dass es ihm geglückt ist, mit seinem grenzwertigen Stoff auf dem schmalen Grat zwischen schmieriger Exploitation und breitem Melodram die Balance zu halten. Die eröffnende, wortkarge Autofahrt von Jane und Jonathan stellt von vornherein klar: Die Charaktere dieses Films werden in erster Linie bildhafte Sammlungen von Neurosen sein, die Gastaldi für exemplarisch, für zeitgemäße Phänomene einer Gesellschaftsschicht hält – nichtsdestotrotz kippt der maritime Mikrokosmos des Films nie ins Trashige oder in genuine Kolportage um, nicht einmal in seinen brenzligsten Momenten. Zu jenen zählt zweifelsohne die Vergewaltigung Janes durch Fred, aus der sich eine Liaison der beiden entspinnt. Anstatt daraus genretypischen, chauvinistischen Sleaze zu zimmern, setzt Gastaldi den romantischen Utopien des Pärchens mit rigoroser Konsequenz den wahren Kern ihrer Motivation entgegen: Diese beiden sind so kaputt und ausgezehrt vom jahrelangen Scheitern ihrer Ideale, vom ständigen Schließen verlustreicher Kompromisse und von dem Verlust ihres Selbstbewusstseins an sich, dass sie selbst dieser verqueren, in mehrfacher Hinsicht menschenunwürdigen Situation etwas Ehrenhaftes, etwas Aussichtsreiches, etwas Tröstendes abzugewinnen versuchen – wie das ausgegrenzte, vergewaltigte Mädchen Mouchette in Robert Bressons gleichnamigem Film. Für Jane wird Fred in beinahe grotesker Weise zum strahlenden Symbol des Aufbruchs, der Freiheit während Fred alles daran gelegen ist, die Vergewaltigung als solche vergessen und zu seinen ursprünglich pazifistischen Idealen zurückzufinden, aus dem Teufelskreis der Kriminalität auszubrechen – im Einklang mit Jane und seinen zunehmend unwirschen, eifersüchtigen Kumpanen. Die menschlichen Konstellationen sind hier allesamt jämmerlich, niederträchtig oder, wie im Fall von Freds engstem Freund innerhalb der Bande, Speed (Fabian Cevallos), von verkrüppteltem Vertrauen und Entfremdung geprägt.

Dieses Konstrukt, diese im zeitgenössischen europäischen Kino dieser Jahre häufig anzutreffende, dramaturgisch ökonomische Konfrontation von Establishment und modernem Freibeutertum ist durchaus nah am Klischee und was Gastaldi damit anstellt ist, wie bereits erwähnt, ein veritabler Tanz auf Messers Schneide. Doch er übersteht ihn, vor allem dank seiner dichten Inszenierung und der auch in der englischen Fassung bestehen bleibenden Qualität seiner Dialoge unbeschadet bis zu seinem deprimierenden Finale welches noch einmal demonstriert, dass hier bei aller Reminiszenz an amerikanische Muster (Sam Peckinpahs STRAW DOGS erschien übrigens tatsächlich erst einige Monate nach Gastaldis Film) die Macht der eigenen Ästhetik überwiegt: LA LUNGA SPIAGGIA FREDDA beginnt wie ein schrill überzeichneter Antonioni-Film und endet wie ein Italowestern – allerdings einer der trockeneren Spielart, wertend, aber nicht verurteilend. Dem Zuschauer bleibt nur noch ein schaler Beigeschmack, emotional tauber Nachhall. Die Figuren sind am Ende des Films noch leerer und desillusionierter als zuvor. Sie sind uns, den Zuschauern, im Verlauf ihrer angestrebten Selbstfindung vollends fremd geworden. Sie haben erkannt, dass sie füreinander nicht der Ausweg sind – und nicht sein können – den sie sich erhofft hatten. Mit dieser Erkenntnis und ohne jede Perspektive lässt Gastaldi sie auf seinem kalten, langen und – hier trifft es die zusätzliche Ausschmückung des englischen Titels („The Lonely, Violent Beach“) sehr genau – einsamen Strand zurück.

LA LUNGA SPIAGGIA FREDDA – Italien 1971. 85 Min. – Regie: Ernesto Gastaldi – Drehbuch: Ernesto Gastaldi, nach einer Idee von Alberto Cardone und Vittorio Salerno – Produktion: Armando Govoni – Kamera: Benito Romano Frattari – Schnitt: Attilio Vincioni – Musik: Stelvio Cipriani

Berlinale 2010: Zwischenstand

Andreas

Die Tendenz meiner diesjährigen Berlinale-Auswahl geht eindeutig in Richtung alter Filme. Nachdem ich letztes Jahr fast nur auf der 70mm-Retro rumhing, hatte ich mir für diese Berlinale eigentlich vorgenommen, vor allem neue Filme zu sehen. Beim genaueren Blick auf das Programm erübrigte sich dieses Vorhaben dann aber schnell. Auch wenn man der Retro, der Hommage und auch dem Forum-Special mit gutem Recht vorwerfen kann, eine nicht allzu originelle und auch nicht allzu entdeckungsreiche Auswahl aus der Festival-Historie anzubieten, sondern sich zu weiten Teilen eher auf Kanonisches zu konzentrieren, so findet sich angesichts der schieren Quantität an alten Filmen darunter dennoch so manche seltener gezeigte Perle und es ist nebenbei auch eine gute Gelegenheit, den ein oder anderen noch nicht gesehenen Klassiker nachzuholen. Zumal, wenn sich das Angebot an neuen Filmen mal wieder sehr durchwachsen präsentiert und zu weiten Teilen eher wie ein Minenfeld erscheint, bei dem das Risiko eines üblen Fehltritts wohl deutlich höher als die Chance einer unerwarteten Entdeckung ist. So zumindest der zunächst nur oberflächliche Eindruck, der sich beim Gespräch mit anderen Festivalbesuchern und beim gelegentlichen kurzen Blick ins Netz allerdings zu bestätigen scheint, denn unter den Leuten, die vor allem (oder sogar ausschließlich) neue Filme sehen, scheint kaum jemand dabei zu sein, der mit seiner Ausbeute auch nur halbwegs zufrieden ist (Extrembeispiel: Neil Young im Notebook von The Auteurs, der sich bislang offenbar regelrecht durchs Festival quält). Insofern ist es wohl nicht die schlechteste Idee, sich dann im Zweifelsfall lieber für einen eher selten (zumal im Kino) zu sehenden alten Film statt für einen abschreckend klingenden neuen Film zu entscheiden. Natürlich ist man auch bei den alten Filmen nicht vor Fehlentritten gefeit, aber insgesamt doch bei weitem sicherer und vor allem zufriedener unterwegs, auch wenn es ein bisschen bedauerlich ist, dass man sich mit einer solchen Vorgehensweise dann doch etwas um die Möglichkeit bringt, unverhoffte neue Entdeckungen zu machen. Aber der Preis dafür (in Form von ärgerlichen Fehltritten) erscheint mir dieses Jahr einfach zu hoch, vor allem das Programm der Sektion Panorama präsentiert sich 2010 zumindest auf dem Papier durchwachsener denn je (vom Wettbewerb mal ganz zu schweigen, zumal dort einiges auch schon bald regulär im Kino zu sehen ist), und auch weite Teile des Forums lassen echte Vielfalt und Überraschungen vermissen. Insofern beschränkt sich meine Ausbeute an neuen Filmen dieses Mal wohl auf nur eine Handvoll ausgewählter Sachen (und einige Filme, die ich eigentlich sehr gerne gesehen hätte, habe ich dann kurzfristig doch aussortiert, im Falle von Schanelec, Arslan oder Scheffner wegen des ohnehin baldigen Kinostarts, wodurch zumindest eine Sichtungsmöglichkeit im kommunalen Kino des Vertrauens garantiert ist, oder im Falle von Graf, auf den ich mich eigentlich sehr freue, aber keine Lust auf eine dann doch eher Kino-unwürdige DigiBeta-Projektion habe und mir den Zehnteiler dann lieber bei der baldigen TV-Ausstrahlung ansehe), wobei sich durch die Dominanz der alten Filme dann auch ein bisschen erübrigt, hier irgendwelche zeitnahen “Live”-Berichte zu posten, zumal das durch eingeschränkten Internetzugang sowie Zeit- und Motivationsmangel sowieso mal wieder schwierig geworden wären. Zumindest ein kurzer Zwischenstand der bislang – eben auch dank der vielen und überwiegend sehr guten alten Filme – sehr zufriedenstellenden Ausbeute mit den vorläufigen Höhe- und Tiefpunkten in knapp gehaltener Listenform bietet sich jedoch an. Der sieht dann nach 6 von 10 Tagen (den ersten Donnerstag, wo außer den Eröffnungsfilmen nichts zu sehen ist, zähle ich nicht wirklich dazu) ungefähr so aus:

Gesehene Filme: 29 (in 27 Screenings)
davon: 20 alte Filme, 9 neue Filme

Alte Filme
Favoriten (Auswahl): Dust in the Wind, Rio das Mortes, Il Cristo Proibito
Enttäuschung: The Tales of Hoffmann
Gurken: Central Station, Genealogies d’un crime

Neue Filme
Favoriten: Double Tide, Caterpillar, La Pivellina
Enttäuschung: Eastern Drift
Gurken: Waste Land, Vihir – The Well


*****


Sano

Dieses Jahr wollte ich nach langer Zeit wieder die Angewohnheit, aktuell von einem Festival zu berichten, aufnehmen. Das letzte Mal ist inzwischen schon 4 Jahre her – passenderweise die Berlinale 2006. Filmtagebuch, jeden Abend ein kurzer Fließtext zu (allen) Erlebnissen. Da ich es aber mal wieder nicht auf die Reihe bekommen habe mein Programm rechtzeitig zum Festivalbeginn fertigzustellen, musste ich bis vorgestern (da ist es mir dann doch gelungen) Abends noch stundenlang daran werkeln. Filmtagebuch gibts also rückblickend nach der Berlinale (erster Tag ist schon geschrieben, die Hälfte einer Filmkritik ebenso). An dieser Stelle aber zumindest eine kleine Rückschau der besherigen 7 Festivaltage. Da in den ersten zwei Tagen wesentlich weniger Filme liefen, ist diese Zwischenbilanz vielleicht auch eine Art Halbzeit. Endstand gibts am Ende natürlich auch. Kurz anzumerken wäre aber an dieser Stelle auf jeden Fall noch, dass die Zwischenbilanz bisher äußerst positiv ausfällt. Fast nur tolle Filme nach 6 Tagen Filmmarathon hatte ich bisher nur selten (und bei der Berlinale schon mal gar nicht), und das Erfreulichste dabei ist, dass ich nach einigen leidvollen Jahren wohl endlich meinen schmerzlich vermissten Riecher für neue Filme wiedererlangt habe. Wenn es bei mir nach dem Ausspruch einer Besucherin ginge, deren nüchternes Fazit lautete, dass es wohl im Schnitt bei acht gesehenen Filmen einen sehenswerten gäbe, hätte ich das Filmeschauen auf der Berlinale schon längst aufgegeben.

Gesehene Filme: 29  (in 25 Screenings)

Neues: 11
Sehenswert: 11
Uninteressant: 0
Bester Film: Der Räuber
                       Benjamin Heisenberg  Österreich, Deutschland  2009

Altes: 18
Sehenswert: 16
Uninteressant: 2
Bester Film: Lian lian feng chen  “Dust in the Wind”
                       Hou Hsiao-hsien  Taiwan  1986