Mächtige Bäume – weiche, saftige Früchte

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Joshua Tree: ein Film über die kalifornische Wüste und ihre mächtigen Bäume. Die Joshua Trees gehören zur Gattung der Palmlilien und sind emblematische Symbole der nordamerikanischen Wüstenflora. Sie gedeihen in der trockenen Einsamkeit und Abgeschiedenheit der Wüste, auf mineralischem Untergrund, fernab vom Lärm und regen Treiben der kalifornischen Megapolis Los Angeles. Die unablässige Glut der Sonne kann ihnen nichts anhaben: Sie ragen stark und entschieden aus dem Boden heraus, erreichen Wuchshöhen von bis zu 15 Metern und Alter von über 900 Jahren. Joshua Trees sind Monumente der Ewigkeit und des Lebens in einer unwirtlichen Umgebung, spritziges grün in monotonem gelb.
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Atemlos (1983)

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Ein Gegenpart zu Ouroboros, der sich selbst in den Schwanz beißenden und fressenden Schlange, ist mir nicht bekannt. Wenn es diesen gibt, dann wäre dieser das perfekte Sinnbild für BREATHLESS. Statt Selbstverzehrung ist es Selbsteskalation. Ein perpetuum mobile von Selbstreferenzen und Spiegelungen. Eine Wundertüte, die sich selbst speist und die Außenstehenden mit Sinn und Irrsinn bombardiert. Nicht John Malkovich, der in seinen Kopf steigt, sondern die beiden Metropolen im Südwesten der USA. Hollywood, Los Angeles und Las Vegas durch die Augen von Hollywood, Los Angeles und Las Vegas. Wollte Jean-Paul Belmondos Michel Poiccard noch Humphrey Bogart im fremden Land sein, da hält sich Jesse Lujack (Richard Gere in der Form seines Lebens) für den Silver Surfer, Jerry Lee Lewis und jeden Pistolen schwingenden Leinwandrebellen unterhalb der Hollywood Hills. Im Zentrum von glitzernder Oberfläche, Traumfabriken und Illusionskultur ist er ihr Produkt im doppelten Sinne. Weiterlesen…

100 Deutsche Lieblingsfilme #48: Laß jucken, Kumpel 5 (1975)

Lass jucken, Kunpel 5

Für Alex P.

Wenn ein Film einen in die eigene Kindheit zurückversetzt und unschuldige Erinnerungen an unbeschwerte Freuden weckt, die sich damals wie selbstverständlich von einem Tag in den anderen ergossen, dann muss er schon etwas ganz Besonderes besitzen, dieses “gewisse Etwas”, welches frei von der Filmhandlung und ihren spezifischen Gegebenheiten eine Assoziationskette der Vertrautheit auszulösen vermag, während der man sich in jeder Situation des Films zu Hause fühlt, ohne sie je (mit)erlebt haben zu müssen. Ein bezaubernder Film ist das, ein Film voll reinem Wohlgefallen, in dem jeder Konflikt ein fröhliches Ende findet, sodass auch die Schurken, liebevoll gezeichnet und voller Verständnis betrachtet, als intergrierte Außenseiter eines harmonischen Ganzen, in ihrer Funktion als Katalysatoren selbst zum kleinen Glück der kleinen Leute beitragen können. Magische Filme sind das, Filme für einen Sonntagnachmittag, zu Hause oder im Dorfkino um die Ecke, mit Kakao und Keksen, Filme wie Pippi Langstrumpf (1969), oder “Der Zauberer von Oz” (1939), Filme wie Laß jucken, Kumpel 5. Weiterlesen…

100 Deutsche Lieblingsfilme #47: Verspieltes Leben (1949)

Wo kommen sie nur her, fragen einige von uns bei Eskalierende Träume sich immer noch und immer wieder, diese vielen unbekannten deutschen Filme, diese bizarren Meisterwerke, die uns jedes Mal von Neuem erstaunt auf die Leinwand blicken lassen, und denen es so einfach gelingt uns zu überrollen und in ekstatische Schwärmerei zu versetzen (und ab und an auch dazu zu bewegen, einen Text für diese Reihe zu verfassen)? Wie die meisten ihrer Filme über die Jahrzehnte verloren und verschütt gegangen, erscheint uns die deutsche Filmgeschichte (vor allem in ihrer eigenen Geschichte, den zahlreichen Erzählungen von sich selbst), als ein nicht versiegen wollendes Füllhorn, dessen Faszination für uns bevorzugt von den unzähligen, teilweise unerforschten Neben- und Seitensträngen augeht, und deren enorme Vielfalt bis heute bevorzugt unterdrückt, missachtet oder verkannt worden ist. Wer hat sie schon gesehen und wer interessiert sich überhaupt für die hunderte von Filmen, die in Deutschland jedes Jahr entstanden sind und immer noch entstehen? Die FFA benennt allein für 2012 die Zahl der in den deutschen Kinos gestarteten Spielfilme(!) mit 149 (man sollte sich diese Zahl einmal auf der Zunge zergehen lassen…) und rein quantitativ gehörte Deutschland, auch über die politischen Veränderungen hinweg, zu allen Zeiten zu den produktivsten Filmländern der Welt. Deutschland, eine filmverrückte Nation? Es bleibt wohl weiterhin eines der großen ungelösten Rätsel, warum bis auf die beliebten Schlagwörter Expressionismus und Neuer Deutscher Film generell immer noch gerne ein qualitatives Dahinvegetieren des heimischen Filmschaffens perpetuiert wird. Weiterlesen…

Zoom In: Sex Apartments (1980)

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Das Schöne an roman pornos und pinku eigas ist ja, dass wirklich die ganze restliche Filmwelt darin aufgegangen ist … nur halt mit mehr entblößten Brüsten. Ich bin mir sicher, es gibt bestimmt auch eine Pinkfilmversion eines Spätwesterns. Bei ZOOM IN: SEX APARTMENTS finden wir uns aber in der Welt der Gialli wieder. Ein lederbehandschuhter Psychopath im Trenchcoat zündet Frauen vornehmlich an ihren private parts an und lässt sie elendig verbrennen. Ein Gemälde und die Vergangenheit bieten die Schlüssel zu dem Geheimnis des Mörders. Eine feurige Farbdramaturgie und die obsessive Ausstellung von spitzen metallenen Gegenständen tuen ihren Rest. Kurosawa Naosuke mag Dario Argento, es ist kaum zu übersehen. Weiterlesen…

Ein paar Gedanken zu Zack Snyders neuer Superman-Verfilmung

Was habe ich mich auf den Film gefreut. Ein Actionfeuerwerk, ein rauschhaftes Schnittgewitter ohne Sinn und Verstand, einen digitalen Bilderbogen hatte ich mir vor der Sichtung versprochen. Und die zahlreichen negativen Stimmen aus meinem Bekanntenkreis schienen meine Vermutungen in dieser Hinsicht zu bestätigen. Doch dann kam alles etwas anders.

Man of Steel ist meine erste Begegnung mit Zack Snyders filmischem Universum. Damals als Dawn of the Dead und 300 erschienen sind, hat Snyder mich nicht interessiert, und sein Ruf in cinephilen Zirkeln war auch ziemlich schlecht. Ein Emporkömmling, einer dieser jungen Michael Bay-Epigonen, entsprungen der MTV Generation mit ADHS und keinem aktiven Interesse an Filmgeschichte. So in etwa hatte ich das zunächst, eher negativ konnotiert, abgespeichert. Nachdem einige meiner Freunde und Bekannten dann aber erstaunlicherweise auch ein paar positive Worte für seine Watchmen-Verfilmung übrig hatten, legte sich der einhellig negative Ton ein wenig, und der Mantel des Fanboy-Regisseurs schien von Snyder langsam abzufallen. Die Ausschnitte, die ich aus seinen Filmen danach ab und an zu sehen bekam, weckten jedenfalls meine Lust auf das visuelle Spektakel welches sie zumindest in Aussicht zu stellen schienen. Das waren natürlich alles Beobachtungen aus der Ferne, wie das so ist, wenn man über viele Filme liest und hört, weil man sie unmöglich alle sehen kann, und sich die Gedanken und Eindrücke verselbstständigen. Weiterlesen…

Das Kino des Mamoru Oshii – Teil 1: The Red Spectacles (1987)

Sano: Die ursprüngliche Idee, die wir beide zunächst hatten, war ja ausgehend von der sogenannten “Cinema Trilogy”, also den 3 Realfilmen “The Red Spectacles” (Jigoku no banken: akai megane / 1987), “Stray Dog” (Jigoku no banken: kerubersu / 1991), und Talking Head (1992), über sein gesamtes Werk – beziehungsweise das, was wir bisher von ihm kennen – und seine Idee von Kino, sowie unsere Faszination für seine Filme, zu schreiben. “Red Spectacles” haben wir jetzt gemeinsam zum zweiten mal gesehen, und ich glaube, wir haben jetzt auch einen besseren Einstiegspunkt gefunden. Beim ersten Sehen war ich persönlich im Grunde noch etwas überfordert. Von dem Film, von seiner Ästhetik – von einem Filmentwurf, der für mich noch einmal anders war, als alles bis dahin von Oshii gekannte. Um mal zunächst etwas Inventur zu führen: Bei mir waren und sind das außer “Red Spectacles” noch “Dallos” (Darosu / 1983), “Angel’s Egg” (Tenshi no tamago / 1985), “Patlabor: The Movie” (Kidô keisatsu patorebâ: Gekijô-ban / 1989), “Ghost in the Shell” (Kôkaku kidôtai / 1995), Avalon (2001), “Innocence” (Inosensu / 2004) und “The Sky Crawlers” (Sukai kurora / 2008).
Das sind fast nur Animes, und es wird ja allgemein auch oft vergessen, dass Oshii nicht nur Animationsfilmer ist, sondern inzwischen auch eine große Anzahl von Realfilmen inszeniert hat. Wobei bei ihm diese Klassifikation aber sowieso etwas hinfällig ist – dazu jedoch lieber später mehr. Jedenfalls hat mich “Red Spectacles” bei der ersten Sichtung sehr überrascht, um nicht zu sagen überrumpelt, da ich trotz davor bereits gesehener Ausschnitte aus dem Film, einfach nicht mit etwas derartigem gerechnet hatte. Ein scheinbar in alle Richtungen ausbrechendes Filmmonstrum das gängige Konventionen mit Füßen tritt. Für mich war es sicherlich eines meiner verstörendsten Filmerlebnisse überhaupt, denn so wirklich fiel mir kein historisches Vorbild innerhalb der Filmgeschichte ein. Ein Unikum, ein Präzedenzfall, sozusagen eine neuartige Filmkonzeption. Das klingt angesichts der 80er und dem endgültigen Durchbruch der Postmoderne im Kino in diesem für mich ungeheuer innovativen Filmjahrzehnt vielleicht arg übertrieben, trifft meine Empfindungen während der ersten Begegnung mit “Red Spectacles” aber ziemlich genau. Beim zweiten Sehen wurde für mich dann vieles klarer, und der ganze Film ist inzwischen nicht nur in seinen Grundzügen nachvollziehbar geworden. Dennoch schien mir auch jetzt noch ein Attribut wie absurd immer noch zu ausdruckslos um den Film zu beschreiben. Bizarr wäre vielleicht der treffendere Ausdruck.

Alex: Ja, bizarr charakterisiert die Grundstimmung des Films recht präzise. Mir ging es nach unserer ersten Sichtung vor fast einem Jahr ganz ähnlich, dass ich nämlich einfach etwas überfordert, ja geradezu geplättet von “Red Spectacles” war, vielleicht auch weil es sich hier trotz vieler ruhiger Momente und obwohl es ja in fast allen anderen Oshii-Filmen auch schnelle Action-Szenen gibt, um Oshiis frenetischstes oder besser fiebrigstes Werk handelt. Das natürlich im Vergleich zu den anderen Werken, die ich kenne, welche da sind: “Angel’s Egg” (Tenshi no tamago / 1985), die Patlabor–Serie (Kidô keisatsu patorebâ / 88), “Patlabor: The Movie” (Kidô keisatsu patorebâ: Gekijô-ban / 1989), “Patlabor 2: The Movie” (Kidô keisatsu patorebâ: The Movie 2 / 1993), “Ghost in the Shell” (Kôkaku kidôtai / 1995), Avalon (2001), “Innocence” (Inosensu / 2004), “Open Your Mind” (Mezame no hakobune / 2005) und “The Sky Crawlers” (Sukai kurora / 2008), also im Wesentlichen die gleichen Werke wie du.
Dass die “Cinema Trilogy”, von der wir ja als Basis ausgehen, so verhältnismäßig unbekannt ist, entbehrt nicht einer gewissen Ironie, da ich mich erinnere, irgendwo gelesen zu haben, dass Oshii die Kerberos-Saga als sein wichtigstes Werk betrachtet. Und diese ist den meisten euopäischen Zuschauern wahrscheinlich eher aus „Jin-Roh“ (Jin-Rô / 1998) bekannt, einem Anime zu dem Oshii ja bekanntlich das Drehbuch geschrieben, bei dem er aber nicht selbst Regie geführt hat. Aber ganz unabhängig davon, welche Stellung der Regisseur seiner “Cinema Trilogy” nun einräumt, waren wir uns ja beide einig, dass “Red Spectacles” sicherlich ein sehr persönlicher Film Oshiis ist. Er arbeitet ja hier mit einer ganz hermetischen, privaten Symbolsprache, wie schon in “Angel’s Egg”. Aber wo dort noch die christliche Ikonographie als Referenzfolie vorlag, löst er sich in “Red Spectacles” fast ganz davon, nur die Fische im Pissoir erinnern dumpf an den nunmehr abgelegten Erlöser.
Vielleicht sollte man hier für Oshii-Unkundige anfügen, dass der Regisseur in “Angel’s Egg” seinen Verlust des katholischen Glaubens, zugleich aber eine Hinwendung zu einer neuartigen Form der Spiritualiät in kryptischen Bildern von unheimlicher Schönheit umgesetzt hat. Das scheint mir als Hintergrund doch sehr hilfreich für das Verständnis von “Red Spectacles”, der im Grunde da ansetzt, wo “Angel’s Egg” aufhört, nämlich, mal salopp gesagt, bei der Frage, was zur Hölle die Realität ist, wenn es keinen Himmel gibt. Weiterlesen…

Ein Gespräch über Ernst Hofbauers
Maria – Nur die Nacht war Zeuge (1979)

Sano: Das war jetzt mein fünfter Film von Ernst Hofbauer und ich bin jedes Mal erstaunter, was dieser Mann auf die Leinwand bringt. Sein Stil ist ja ungeheuer ökonomisch, da ist nichts zuviel, da gibt es keine Schnörkel, keine Nebenwege, Kamera, Schnitt, Dialoge – alles präzise und immer wieder auf den Punkt gebracht. Seine Filme erscheinen daher oft als eine Aneinanderreihung von Höhepunkten, als atemlos, selbst wenn eigentlich äußerlich nicht viel passiert. Ich bin immer noch überrollt von diesem Film. In seiner Kompromisslosigkeit erinnerte mich das gerade stark an Mario Sicilianos Rolf (1984), den wir vor einiger Zeit ja auch gemeinsam geguckt haben. Natürlich sind die zwei Geschichten unterschiedlich angelegt, aber beide haben für mich diese Unerbittlichkeit seitens des Filmemachers, diesen fast schon nihilistischen Ton der Hilflosigkeit der Menschen im Angesicht von Herausforderungen denen sie nicht gewachsen sein können. Ein Ausweg ist nicht möglich. Das sagt Hofbauer für mich auch. Immer und immer wieder. Es gibt keine Erlösung. Es gibt nur Ausreden. Und Ausreden sind Illusionen, die einem letzten Endes nicht weiterhelfen können. Für einen Filmemacher schon ein sehr nüchterner Standpunkt.

Simon: Auch für mich ist das Universum von Ernst Hofbauer noch relativ neu. Nach zwei Schulmädchen-Report-Filmen und dem appetitanregenden Karate, Küsse, blonde Katzen (1974) hat mich “Maria” nun endgültig anbeißen lassen. Ich spüre in letzter Zeit ohnehin die Lust in mir wachsen, mir vermehrt deutsche Genrefilme anzusehen. “Maria” kam mir direkt so unfassbar vertraut vor, eine krasse Umgewöhnung war gar nicht nötig, ganz im Gegenteil, mit den Gesichtern von Howard Ross (“Der New York Ripper”, 1982), Janet Agren (“Ein Zombie hing am Glockenseil”, 1980) und Werner Pochath (“Horror-Sex im Nachtexpress”, 1979) fiel der Zugang sehr leicht – hier macht sich die Italoaffinität mal nützlich. Der von dir beschriebene Pessimismus ist mir auch sofort aufgefallen, wobei ich an dieser Stelle schon einhaken möchte, um diesen Punkt etwas zuzuschneiden. Hofbauers Protagonisten sind allesamt “Proletarier”, Maria arbeitet als Kellnerin, Panos ist Taxifahrer. Will sagen: Die Hilflosigkeit dieser Menschen scheint auch durch das Milieu bedingt zu werden. Das macht sich schon daran bemerkbar, dass sie sich nach Marias Vergewaltigung recht ungewöhnlich verhalten. Allen voran natürlich Panos, der, anstatt seine Frau zu unterstützen, anfängt sie zu schlagen und ihr Wort in Zweifel zu ziehen. Als Maria mit ihrem zerfetzten Kleid nach ihrer Horror-Nacht wieder nach Hause kommt, sorgt sich Panos zuerst darüber, was die Nachbarn bei diesem Anblick denken könnten. Generell scheint ihn die ganze Situation komplett zu überfordern. Diese Unsicherheit veranlasst ihn schließlich auch dazu, seiner alten Mutter zu schreiben, die in Neapel lebt. Flehend bittet er sie um Rat. Wir sehen hier eine Welt, in der die “Ehre” der Mannes und der Familie über allen anderen Belangen steht – abseits davon gibt es ja nichts, erst recht kein Geld. Als Panos’ Mutter ganz am Anfang des Films ihren Nachbarn stolz verkündet, ihr Sohn habe nun eine deutsche Freundin und dabei mit dem Foto des Paares wild herumfuchtelt, bekommen wir schon einen Eindruck davon, welche Werte hier vorherrschen. Ich finde es äußert interessant, dass das Vergewaltigungsopfer gerade nicht aus der Oberschicht stammt, wie es in italienischen Filmen oftmals der Fall ist, man denke nur an Aldo Lados L’ultimo treno della notte (1975), in dem zwei Studentinnen Opfer sadistischer Peiniger werden oder an Deodatos “Der Schlitzer” (1980), in dem gleich ein ganzes Haus voller Snobs von zwei brutalen Proleten angegriffen wird. Weiterlesen…

Ecce homo oder Der nackte, tanzende Mensch –
Hommage an Miklós Jancsó bei goEast 2013

 

Miklós Jancsó, 2009

 

Einer der Höhepunkte für den filmhistorisch interessierten Besucher der diesjährigen Ausgabe des goEast-Festivals, das heute Abend in Wiesbaden feierlich eröffnet wird, ist sicherlich das Symposium, welches sich unter dem Titel BRIGHT BLACK FRAMES – DER NEUE JUGOSLAWISCHE FILM ZWISCHEN SUBVERSION UND KRITIK der sogenannten „Schwarzen Welle“ widmet. Zeitlich eingegrenzt durch die Jahre 1963 und 1973 feiert jenes „Goldene Zeitalter“ des jugoslawischen Films somit dieses Jahr seinen 50. Geburtstag. Doch anstatt, wie es auf der Website des Festivals zu lesen steht, „mit wehmütigem Blick die Pracht des sozialistischen Kinos wieder zu beleben, möchte das Symposium vielmehr die politisch-ästhetischen Besonderheiten dieser sehr heterogenen Filmszene nachzeichnen und das spezifisch ‚Schwarze‘ in der Schwarzen Welle erkunden. […] Das Symposium führt ZeitzeugInnen und WissenschaftlerInnen zusammen, erkundet sowohl die Entstehungsgeschichte als auch persönliche Erinnerungsräume und präsentiert Filmklassiker sowie Neuentdeckungen der jugoslawischen Schwarzen Welle“. Da meine Kenntnisse dieser überaus spannenden Periode des jugoslawischen Kinos leider eher begrenzt sind, möchte ich es hier jedoch bei einem Verweis auf das genaue Programm bewenden lassen und stattdessen mein Augenmerk etwas näher auf einen weiteren Höhepunkt des Festivals richten, sprich: die Hommage, die dieses Jahr dem ungarischen Regisseur Miklós Jancsó gewidmet ist. Weiterlesen…

100 Deutsche Lieblingsfilme #46: Haut für Haut (1961)

“I carry on and never once have even questioned why
I’m innocent
But the weight of the world is on my shoulders
I’m innocent
But the battles started are far from over“  (The Offspring)

Am Anfang: Ein Zug fährt durch eine karge Landschaft, auf ihm bewaffnete Soldaten, sie sind kampfbereit, auf dem Weg, vielleicht an die Front. Der Zug fährt in einen Tunnel, und in der nächsten Szene sind die Soldaten bereits besiegt, bezwungen, tot oder gefangengenommen. Die Kamera fängt scheinbar ikonische Momente ein, die Bilder wirken monumental, erinnern an Kompositionen aus der klassischen Historienmalerei.

Große Ereignisse glänzen jedoch durch ihre Abwesenheit. Wie zu Beginn, werden wir auch bis zum Ende nur das Davor oder Danach erleben, die Auswirkungen von Ereignissen, oder besser gesagt von den Ereignissen die allgemein als wichtig erachtet werden. Der Film ist voller Begegnungen, aber statt Gruppen, begegnen sich Individuen, nachdem der Starre Verbund von Schwarz und Weiß, von „Ihnen“ und „Uns“, sofort nach dem obigen Prolog zu zerfallen beginnt. Beschrieben wird ein Zerfallsprozess, ein Weg der Desillusionierung, das Abfallen aller erlernten Vorstellungen und Ideale, und der Verlust jeglichen Halts; auf Begegnungen folgen immer auch Abschiede und das Epos wird zum Kammerspiel. Konsequent daher das Ende, dass man so oder so interpretieren kann, positiv wie negativ. Für mich war es voller Hoffnungen, ein Anfang, endlich ein Neubeginn, nachdem alle Konventionen über Bord geworfen werden, obwohl sie auf der Oberfläche scheinbar gewahrt worden sind. Weiterlesen…