Film and book (#15): Marco Siedelmann – Good Hot Stuff: The Life and Times of Gay Film Pioneer Jack Deveau (2019)

Our films are live Disney movies, if we hold them out of circulation for 5 to 6 years, they’re PINOCCHIO all over again – playing to a brand-new audience. The number of people interested in porno is probably fixed in relation to the population. This is literature of a kind – I don’t know how it’s recognized today, but we’ve created a large body of it – maybe it’s the Mickey Mouse of the year 2000!

(Jack Deveau)

100 deutsche Lieblingsfilme #68: Walzerkrieg (1933)

Entkörperlichte Hände wirken in rasanter Schnittfolge auf diverse Instrumente ein, oben, unten, rechts, dann links, während die Credits wie stramm durchgespielte Notenblätter in und aus der Kadragenmitte flattern. Der erste Walzerkrieg ist in Ludwig Bergers gleichnamiger Tonfilmoperette bereits entfacht, bevor wir überhaupt erfahren, wer hier wen bekämpft. Entsprechend angespannt dominieren zuvorderst Geigen sie von vorne bis hinten. Musik gibt den Ton an und sie nimmt ihn auch wieder weg. Ein beinahe 180°-Schwenk eröffnet den Reigen durch die Gesamtheit eines vereinsamten Biergartens hindurch, entlang am schleppenden Gang des diesen durchstreifenden Wirtes, dem untermalt von forschen Klängen eine fast unerträgliche Ruhe innewohnt, am Tisch des einsamen Gastes angelangt folgt endlich ein Schnitt. Auf der anderen Seite des Zaunes steppt der Bär. Blickdrehungen und Schnitte begreift “Walzerkrieg” vor allem als Gegenüberstellungsmittel, zwischen Feiern, Kontrahenten am Instrument, ganzen Kapellen, den Druckstufen, die die Finger des jeweils anderen ins Spiel des so auf Gedeih und Verderb zum Partner Erklärten legen. Was Musik im Menschen anrichtet, davon handelt dieser Film. Den größten Spaß haben dabei jene, die ihren eigenen Takt bereits als seelisches Uhrwerk verinnerlicht haben – diebisch schleicht sich Willy Fritsch für ein Busserl von der Trommel fort und zählt über die Einwürfe seiner Liebsten hinweg die Takte bis zum nächsten Einsatz laut mit.

Rotationen verwundeter Seelen: L’ultima orgia del III Reich (1977)

Lise!
Trockne deine Tränen
Und weine nicht

“L’ultimo orgia del III Reich”, der einzige Nazisploitationfilm des nicht bloß im Bezug auf seine präferierten Genres schwer festnagelbaren Cesare Canevari eröffnet mit einem Titelsong, dem, man merkt es im Laufe des sich anschließenden Films recht schnell, eine Aufgabe zufällt, der sich die verrätselten Bildeindrücke schlicht verweigern. Fremdbestimmend, immerzu im Imperativ oder Tone auktorialer Einsicht gehalten, pflanzt er bereits spekulative Empfindungen fremden Geistes in eine Frau, bevor wir diese überhaupt kennenlernen dürfen. Einzig an Lise Cohen (Daniela Poggi) gerichtet gewinnt der insistierende Klang der deutschen Erzählstimme vor mit eisernen Kreuzen verzierten Credits retroaktiv in Relation zu den folgenden Barbareien deutscher Nazischergen einen fast hämischen Unterton. Als Alpha und Omega des Filmes wirkt dieser Rahmen wie eine Aufforderung zum Vergessen des gerade Gesehenen, nicht von Canevari angestimmt, sondern schlicht im Stile einer 1977 zumindest unter Deutschen weit verbreiteten Haltung im ungut paternalistischen Ton (“Lise! Kleine Lise!”) – ein Monolog ohne Raum für Antwort. Doch was gilt es überhaupt zu vergessen? Der Inhalt zwischen dieser Klammer verweigert eine druckreife, in schnöde Worte übersetzte Antwort.

100 deutsche Lieblingsfilme #67: Freddy, die Gitarre und das Meer (1959)

Ein bisschen der neorealistische “Grosse Freiheit Nr. 7”. Helles, natürliches Licht, Schatten, die niemandem einen Schrecken einjagen, die geheimnislosen Kontraste der Wirklichkeit in ungewohnt schmucklosem Schwarz-Weiß. Die geschäftige Ruhe der 1950er Jahre dehnt sich aus auf Märkten, den Mündern der Schausteller, in Kneipen, einem Zeitenbild, dessen Lokalkolorit wie unsimuliert erscheint. Wenn Käutners Ode auf die Individualität Wunschbild aus dunklen Zeiten ist, drängt sich hier das Wort Abbild auf. Eine von oben herab den Pfad statt den Rhythmus des Gehetzwerdens zwischen Fischbuden nachmessende – eben nüchtern abbildende – Verfolgungsjagd wirft Ausschmückung dazu. Filmische Bewegung, Kranfahrten, die glanzvolle Raffinesse alter Meister. “Freddy, die Gitarre und das Meer” ist ein Film der Gegensätze. Des Titelhelden gedrungener Körperbau und seine sanftmütigen Züge vor dem fürsorglichen Seelenleben – schon ganz für sich ein wunderbarer Kontrast. Alle löst Wolfgang Schleif sie gleich auf, Minus mal Plus ergibt bei ihm doch immer nur Plus – nicht Naivität, schiere Warmherzigkeit. Die ist eine Bulette auf die Faust und bloß maskiert hinter Peter Carstens schnoddrigem Seemannsgebell, der distinguierten Schmierigkeit Harry Meyens. Wirklich jedem zaubert sie früher oder später ein Lächeln ins Gesicht, die Musik, biegt sie die Minen alarmierter Nachtwächter und Kommissare kraft ihrer animierenden Wirkung ins Gegenteil.

Dietrich Schubert – Die Stilistik des Erinnerns: Nachforschungen über die Edelweißpiraten (1980)

“Köln-Ehrenfeld, Hüttenstraße”, proklamiert Dietrich Schubert, das künstlich verlängerte Auge auf den Tunnel unterhalb einer Bahnbrücke gewandt. Ein Auto durchfährt das Schwarz inmitten des hellen Tageslichtes – nun setzt sich auch die Kamera in Bewegung, während auf der Tonspur die ersten Takte Víctor Jaras “Cai Cai Vilú” aufklingen, aus der Gitarre eines Toten Leben in die wohl mittägliche Ruhe der Großstadt tragen. Vorbei an stillstehenden PKWs, Werkstätten außerhalb jeder Betriebsamkeit und einer Ampel, die keinen Verkehr zu kennen scheint, folgen wir dem Verlauf dieser prägnanten baulichen Erhöhung. Der Rhythmus Lateinamerikas wird infektiöser, überbordender, bis ihn ein rascher Schnitt vorzeitig zum Erliegen bringt. Stille über einer rahmenlos eingebetteten, vermehrt ihrer eigenwilligen Textur wegen erkennbaren Fotografie. Nationalsozialistische Uniformträger hochoben hinter dem Geländer ebenjener just erkundeten Brücke, das filmische Auge vermisst auch sie betulich weiter rechtswärts wandernd – ganz als hätte es diesen jähen Bruch der Zeitebenen nie gegeben. Dann setzt sie wieder ein und wieder aus, die Musik. Menschentrauben, das berühmt gewordene und später doch als gar nicht zu derer der Ehrenfelder Gruppe gehörig erkannte Portrait einer Massenhinrichtung. Aus, an, immer schneller, einer ureigenen Taktung der Bilder folgend – bis Jaras Komposition nur mehr in Form zahlreicher, zunehmend zusammenhangloser Fragmente zwischen Bildeinheiten exsitiert, die Trommel für längst verhallte, auf dem Fotopapier jedoch auf ewig im Marsche begriffene Stiefel einspringt, ihnen so zu neuem Leben verhilft wie die ihre Schneise nachziehende Kamera.

‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Psychogeographic coping on Fire Island

I’ll find a place somewhere in the corner
I’m gonna waste the rest of my days
Just watching patiently from the window
Just waiting, seasons change

BRIAN ENO – I’ll Come Running

Just keep on like I do and pay no attention. You’ll find that people always will complain about the atmosphere, either too hot or too cold too bright or too dark, days too short or too long.

FRANK O’HARA – A True Account of Talking to The Sun on Fire Island

‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Mascara (1983)

Deep in the heart of a lonely city
I wandered sad and all alone
Then in the heart of a lonely city
I saw the girl that I want for my own

(John Leyton – Lonely City)

Zeitnah gesehen: Un couteau dans le cœur (2018)

Ein sonderbarer Film, so möchte man über den Verlauf seiner gefühlt ersten Hälfte hinweg fast durchweg meinen – so proppevoll mit Referenzen an die große Zeit messerbetriebener Genreentwürfe, ein wenig überfällt von ihnen fast. Der, pardon the pun, fesselnde Auftaktmord aus William Friedkins ohnehin unübersehbar Pate gestanden habendem “Cruising” (1980), die selbst ausgewiesenen Fußfetischisten das Fürchten lehrenden Zehenübergriffe aus “Lo squartatore di New York” (Lucio Fulci, 1982), des Mörders Seelenreise, die an eine bösartig verfremdete Version von Jacques Scandelaris “New York City Inferno” (1978) gemahnt, Zauberweltenschwulenpornos à la Wakefield Poole, Schnapsexzesse hinterm Steuer wie man sie bereits ausgiebigst von Franco Nero kennt – dies alles und noch viel mehr taucht in Yann Gonzalez so hitzig schwülem wie unerschrocken schwulem Neo-Giallo-Entwurf in Form penibelst studierter Pastiches erneut aus den schlammigen Untiefen der filmischen Vergangenheit auf.

Totenkränzchen, Lebenstänzchen – La morte ha sorriso all’assassino (1973)

Take this kiss upon the brow!
And, in parting from you now,
Thus much let me avow —
You are not wrong, who deem
That my days have been a dream;
Yet if hope has flown away
In a night, or in a day,
In a vision, or in none,
Is it therefore the less gone?
All that we see or seem
Is but a dream within a dream.

(Edgar Allan Poe – A Dream Within a Dream)

‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Fantasex (1976)

Is this the real life? Is this just fantasy?
Caught in a landslide, no escape from reality

(Queen – Bohemian Rhapsody)

100 deutsche Lieblingsfilme #66: Marschier oder krepier (1962)

Ein letztes Aufbäumen des deutschen Expressionismus – wie prächtig aufblitzende, allzu bald jedoch schon wieder zu verglimmende Sternschnuppen segeln Stewart Grangers Männer in totenstiller Wüstennacht am Fallschirm dem weichen Boden entgegen. Aufgereiht wie die Glieder einer Kette, einer rigiden Richtschnur vielmehr, gleich einer Übertragung des Wasserballettes in die Lüfte. Fausto Tozzi, der getroffen in Richtung Kamera tänzelt, fällt, sich aufrappelt, den Schmerz aus seinem Gesicht wischt, wieder und wieder von vorn, bis ihm eine letzte Salve unbekannter Hand endlich den Garaus macht. Dem Kampf geht in Frank Wisbars vorletztem Kinofilm jegliche Satisfaktion ab, seine wie in den Kriegsfilmen Sam Fullers zumeist unsichtbaren Feinde sind nie Anlass heroischer Körperverschmelzung im Ringen Mann gegen Mann, stets eine außerhalb der Kadrage wütende, die Menschengeschicke darin indes lenkende Urkraft. Für den die zeitlebens miterlebten Kriege offenkundig müden Wisbar ist der Konflikt nichts als ein Reigen determinierter Ereignisse. Peter Carsten, dem der Enthusiasmus für die Zunkunft die Vorsicht raubt, Riccardo Garrone, der große zweifelnde Gaukler, dem in der Fürsorge für seine ihn im Sterben umringenden Kameraden endlich wieder sein Gott erscheint, bevor die Kugeln ihm den Rücken zerfetzen.

The typography of bidding farewell: Buddies (1985)

“Buddies” – the cinematic swan song of noted gay pornographer Arthur J. Bressan Jr. – is a highly unusual film, less as a result of the obvious notion evoked by a small scale and utterly devoid of explicit sex chamber piece between just two characters of importance, more because of its striking insistence to structure a visual narrative entirely around its main character’s chosen profession. David Bennett (David Schachter) is a timid young typesetter through a voluntary programme assigned as buddy to formerly outspoken gay rights activist Robert Willow (Geoff Edholm), a man inescapably and quite miserably dying from AIDS in the dull confines of his hospital bed. Both men slowly grow accustomed to each other, share sometimes heated, sometimes aperitive discourses on coming out, the pitfalls of publishing ardently anti-gay voices epistles first, then a good laugh watching old holiday videos and lastly the scant intimate moments their surroundings and Robert’s illness permit. Hardly a minute of film is lacking either man and yet almost everything we see stems directly from the eyes of David, or rather his hands – for they create what we absorb. Stories of last breaths sighed in the shadows, of individuals turned into mere numbers by the frightening grip of a cold, non-selective pandemic defying any try at emotional apprehension.

Zeitnah gesehen: Die Angreifbaren (2019)

Ein wenig muss man sich – aller rasch aufziehenden Vignettenhaftigkeit zum Trotze – der szenischen Taktung von “Die Angreifbaren” des Regieduos Kerstin Cmelka und Mario Mentrup beugen, um überhaupt so etwas wie ein auszugweises Verständnis destillieren zu können. Mary Blick (Cmelka) und Zeno Conradi (Mentrup) sind zwei Superhelden oder Darsteller ebensolcher – da lässt sich der Film nie so ganz in die Karten schauen – und wie es sich in klimatischer Zuspitzung gehört, begegnen wir ihnen zuallererst dort, wo sie am gewöhnlichsten erscheinen. Auf der Fahrt zur Arbeit – inklusive Blicks Sohnemann und einem etwas zu gesprächigen Kollegen im Familienkleinwagen. Die eröffnende Episode malt unsere Helden als chronische Zuschauer, in ihrer Welt, sogar allerdings in der eigenen Existenz. Leben außerhalb des Autos, einer gallertartigen, das Äußere ausbremsenden Blase findet für das Gros des Weges allein als PKW im Gegenverkehr statt, sicher abgegrenzt durch die eine weitere Ebene zwischen Leinwand und Bildhintergrund schiebende Frontscheibe, schlimmer noch: als flüchtig reflektierte Impression auf dem Seitenfenster vor den staunenden Augen des Kindes.

Film und Buch (#14): Robert Zion – Die Rebellion des Unmittelbaren (2018)

Verdichtungen – man weiß es mittlerweile – das sind die Filmbücher des zum Filmanalytiker mutierten Essener Ex-Politikers Robert Zion. Ein schwerer Ast, auf dem der Löwenanteil seiner Diskurse ruht, von ihm ausgehend sprießen fort: Zwei, drei filigranere Triebe mit für den Hauptbetrachtungswinkel relevanten Nebenbeobachtungen. “Die Rebellion des Unmittelbaren” heißt sein neuer Band zu Roger Corman, dem einflussreichsten Filmproduzenten der zweiten Hälfte des vergangenen Jahrhunderts – und das nicht allein in den Vereinigten Staaten. Der Titel verrät es bereits: Bei Corman ist es die politische Radikalität, ob in bloß finanzierten oder gleich selbst umgesetzten Filmen, die für Zion im Vordergrund steht und als Grundlage auf ihr fußender auteurtheoretischer Überlegungen dienen darf.

‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: The Oracle (1985)

Two highly distinct approaches become discernible when taking a closer look at Roberta Findlay’s post-porn career in mainstream filmmaking. The, be they gritty or be they tender in nature, highly personal stories told in the quite straight “Tenement” (1985) and “Lurkers” (1988) as well as the madcap insanity prevelant in in the more tongue in cheek than anything else “Blood Sisters” (1987) and this one, her very first film post transitioning. More in line with the snarky, self-deprecating public persona the introverted directress created for herself than her remaining filmography, they revel in a unique, utterly off-beat understanding of humor while falling somewhat flat in their more traditional conceptions as horror films. In contrast to some of her greatest achievements in Golden Age pornography, they are always two steps away from outright comedy, playing the game straight and yet sabotaging the expecations of a horror crowd with small, intentional but never narrative based acts of directorial transgression. Big guy John Fasano fleeing the scene in the most hilarious fashion imaginable and the way Elizabeth Rose’s glasses seem to prefer viewing directions of their own volition otherwhile – weird flourishes like these place “Blood Sisters” in its own goofy corner equal steps adjacent to completely serious and satirical peers. Even more than Findlay’s sorority girl slasher “The Oracle” utilizes these interfering agents to bridge what would otherwise be considered barren gaps in a drawn out horror narrative – with sound being, as per her unmistakable habit, one of the prime instruments.

Ältere Texte:

• 100 deutsche Lieblingsfilme #66: Marschier oder krepier (1962)
• The typography of bidding farewell: Buddies (1985)
• Zeitnah gesehen: Die Angreifbaren (2019)
• Film und Buch (#14): Robert Zion – Die Rebellion des Unmittelbaren (2018)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: The Oracle (1985)
• 100 deutsche Lieblingsfilme #65: Die Brut des Bösen (1979)
• Zeitnah gesehen: Der Fall Collini (2019)
• Zeitnah gesehen: Der goldene Handschuh (2019)
• Midnight Confessions #03: Taboo II (1982)
• 100 deutsche Lieblingsfilme #64: Nicht verzeichnete Fluchtbewegungen oder: Wie die Juden in der West-Eifel in die Freiheit kamen (1990)
• Kein Tag der Gewalt – Operazione Kappa: sparate a vista (1977)
• The Unexciticist – Upsidedown Cross (2014)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Lurkers (1988)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: From Holly with Love (1978)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Snuff (1976)
• Zeitnah gesehen: The Mule (2018)
• Buio Omega (1979)
• Täglich Underberg und du fühlst dich wohl! – …e per tetto un cielo di stelle (1968)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: The Altar of Lust (1971)
• Public Access (1993)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Tenement (1985)
• ‘The pain of being a woman is too severe!’ – The films of Roberta Findlay: Angel Number 9 (1974)
• Zeitnah gesehen: 100 Dinge (2018)
• Il piacere (1985) und: Joe-D’Amato-Retrospektive beim Filmarchiv Austria!
• Drei Ausprägungen des Allergrößten – Heino zum 80sten Geburtstag
• Zeitnah gesehen: Suspiria (2018)
• Vorwärts, Rückwärts, Einerlei – Non ho sonno (2001)
• Gott wird euch alle strafen – 1000 dollari sul nero (1966)
• Zeitnah gesehen: Luz (2018)
• Blick zurück ohne Zorn
• Erst fang’ se janz dunkel an, aber dann, aber dann…
• Deutschland im Film: Der zweite Frühling (1975)
• Geschlechterkuddelmuddel mit Enzo Girolami: Ammazzali tutti e torna solo (1968)
• Zeitnah gesehen: Grüner wird’s nicht, sagte der Gärtner und flog davon (2018)

RSS-Feeds

Letzte Kommentare

• Manfred Polak bei Auf Wanderschaft in Ausfluchtslandschaften: La corrupción de Chris Miller (1973)
• André Malberg bei Auf Wanderschaft in Ausfluchtslandschaften: La corrupción de Chris Miller (1973)
• Manfred Polak bei Auf Wanderschaft in Ausfluchtslandschaften: La corrupción de Chris Miller (1973)
• Filmforum Bremen » Das Bloggen der Anderen (02-09-19) bei Rotationen verwundeter Seelen: L’ultima orgia del III Reich (1977)
• Ingrid bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #14: Der Fluch (1988)
• Filmforum Bremen » Das Bloggen der Anderen (15-07-19) bei 100 deutsche Lieblingsfilme #66: Marschier oder krepier (1962)
• Filmforum Bremen » Das Bloggen der Anderen (27-05-19) bei 100 deutsche Lieblingsfilme #64: Nicht verzeichnete Fluchtbewegungen oder: Wie die Juden in der West-Eifel in die Freiheit kamen (1990)
• Ansgar bei Midnight Confessions #03: Taboo II (1982)
• André Malberg bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)
• Manfred Polak bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)
• Manfred Polak bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)
• Alexander P., Christoph und Sano bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)
• Filmforum Bremen » Das Bloggen der Anderen (20-05-19) bei Kein Tag der Gewalt – Operazione Kappa: sparate a vista (1977)
• Manfred Polak bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)
• Manfred Polak bei 100 Deutsche Lieblingsfilme #9: Sylvie (1973)

Kategorien

• Aktuelles Kino (112)
• Ältere Texte (274)
• Blog (571)
• Blogautoren (585)
  • Alexander P. (32)
  • Alexander Schmidt (29)
  • André Malberg (63)
  • Andreas (77)
  • Anika Obermann (4)
  • Benjamin (7)
  • Christian (6)
  • Christian Moises (11)
  • Christoph (84)
  • Das Hofbauer-Kommando (83)
  • Die Redaktion (12)
  • Gary Vanisian (7)
  • Marian (7)
  • Robert (13)
  • Sano (203)
  • Scott (4)
  • Sven Safarow (46)
• Deutsche Lieblingsfilme (71)
• Deutschland im Film (8)
• Essays (78)
• Festivals (128)
• Filmbesprechungen (234)
• Filmbücher (14)
• Filmschaffende (122)
• Filmtheorie (16)
• Hinweise (204)
• In eigener Sache (48)
• Interviews (16)
• Listen (46)
• Midnight Confessions (10)
• other languages (19)
  • English (17)
  • Italian (1)
  • Latin (1)
• Trägermedien (25)
• Trailerberichte (10)
• Verschiedenes (34)
• Zeitnah gesehen (9)
• Zitate (34)

Themen

empfohlenes Lesen und Sehen

• For an imperfect cinema – verfasst von Julio García Espinosa, übersetzt von Julianne Burton [Englisch]
• Fuck the Digital World! – Wayward-Cloud-Blog zitiert Dominik Graf und James Gray zu Filmmaterial, Digital, Schauspieler und Action
• http://hardsensations.com/2013/08/filmtagebuch-einer-13-jahrigen-91/
• Ignatiy Vishnevetsky zum 50. Geburtstag von Jean-Claude Van Damme [Englisch]
• Interview mit dem deutschen Kultfilmer Lothar Lambert
• Jay Weissberg berichtet über die 22. Ausgabe des Pordenone Stummfilmfestivals [Englisch]
• Just Another Film Buff schreibt über die Filme von Anand Patwardhan [Englisch]
• Lars Nilsen erinnert sich an Jess Franco und Lina Romay [Englisch]
• Lukas Foerster über Sylvie (1973) von Klaus Lemke
• Max Goldberg spricht mit Elliot Lavine über Film Noir [Englisch]
• Maximilian Linz schreibt über das Filmförderland Deutschland
• Michael Goddard über "The Polish New Wave" [Englisch]
• Michael Goddard über Raúl Ruiz' neo-barocke Filmästhetik
• Michael Idov über Ilya Khrzhanovskys aktuelles Filmprojekt "Dau" [Englisch]
• Neil Sinyard über William Wylers "The Liberation of L.B. Jones [Englisch]
• Nicolas Winding Refn über seine Faszination mit Andy Milligan [Englisch]
• Oliver Nöding zu "Bullitt" (1968) von Peter Yates
• Paolo Cherchi Usai zu David Wark Griffith
• Rainer Knepperges über Marran Gosov
• Rainer Knepperges über Viktor Tourjanskys "Vom Teufel gejagt" (1950)
• Rudolf Thome schreibt über Hong Sang-soo
• Sascha Westphal über "Harlan – Im Schatten von Jud Süss"
• Sieben Berge macht sich Gedanken zu Rudolf Thomes "Berlin Chamissoplatz" (1980)
• Silvia Szymanski über DO ME EVIL (1975) von Toby Ross
• Tom Mes interviewt Kazushi Watanabe [Englisch]
• Über den Filmemacher Michael Rogge [Englisch]

Meta

• Anmelden
• Beitrags-Feed (RSS)
• Kommentare als RSS
• WordPress.org