Ray Harryhausen: Sindbads gefährliche Abenteuer
The Golden Voyage of Sinbad (USA 1973)
Regie: Gordon Hessler
Freitag 30. März 2012 • 19 Uhr

Star Crash – Sterne im Duell
Star Crash – Oltre la terza Dimensione (Italien 1979)
Regie: Luigi Cozzi
Freitag 30. März 2012 • 22 Uhr

Gigant des Grauens
War of the Colossal Beast (USA 1958)
Regie: Bert I. Gordon
Freitag 30. März 2012 • 23.59 Uhr

Gamera gegen Gaos
Daikaijû kûchûsen: Gamera tai Gyaosu (Japan 1967)
Regie: Noriaki Yuasa
Samstag 31. März 2012 • 15.30 Uhr

Die Folterkammer des Hexenjägers
The Haunted Palace (USA 1963)
Regie: Roger Corman
Samstag 31. März 2012 • 18 Uhr

Draculas Tochter und Professor Satanas
La mujer murciélago (Mexiko 1968)
Regie: René Cardona
Samstag 31. März 2012 • 21 Uhr

Infra-Superman – Invasion aus dem Inneren der Erde
Jung-Gwok Chiu-Yan (HongKong 1975)
Regie: Shan Hua
Samstag 31. März 2012 • 23.15 Uhr

Der Mann ohne Körper
The Man Without a Body (England 1957)
Regie: Charles Saunders, W. Lee Wilder
Sonntag 1. April 2012 • 11.30 Uhr

2071 – Mutan-Bestien gegen Roboter
The Time Travelers (USA 1964)
Regie: Regie: Ib Melchior
Sonntag 1. April 2012 • 13.30 Uhr

Der Film handelt von dem Coming Out des transsexuellen Lukas und dessen Transformation von einer Frau zu einem Mann. Als Zivildienstleistender in Köln, der im Mädchentrakt des Zivi-Wohnheims untergebracht ist und von seiner besten Freundin Ine von Party zu Party „geschleift“ wird, muss er verschiedene Situationen meistern. In Köln weis außer seiner Freundin, der Leiterin des Wohnheims und deren Chef keiner von Lukas‘ Coming Out. Das bereitet ihm im Umgang mit den anderen Jugendlichen Schwierigkeiten und so manche peinliche Situation, in der er in Erklärungsnot gerät. Lukas verliebt sich in Fabio, der nicht unterschiedlicher zu ihm sein könnte. Fabio erwidert dieses Gefühl. Durch Lukas kleine Schwester erfährt Fabio allerdings, dass Lukas eigentlich ein Mädchen ist. Fabio kehrt Lukas den Rücken und fängt eine Liebelei mit einem Mädchen an. Doch Lukas gibt nicht auf und kämpft auf seine Art um Fabios Liebe. Der Film zeigt einen leidenden jungen Menschen, der auf seinem Weg der Geschlechtsumwandlung mit seinem Umfeld, mit Spott und Vorurteilen zu kämpfen hat. Damit behandelt der Film ein schwieriges Thema, welches für die Jüngsten der beantragten Altersgruppe, die sich in diesem Alter in ihrer sexuellen Orientierungsphase befinden, sehr belastbar sein könnte. Das Thema selbst ist schon schwierig für 12- bis 13-Jährige und die Schilderung einer völlig einseitigen Welt von Homosexualität im Film könnte hier zu einer Desorientierung in der sexuellen Selbstfindung führen. Die explizite Darstellung von schwulen und lesbischen Jugendlichen und deren häufige Partnerwechsel können verwirrend auf junge Zuschauer wirken, auch wenn der Film auf Bildebene nicht schamverletzend ist und niemanden diffamiert. Der Film spiegelt eine verzerrte Realität wider, die Kinder aufgrund keiner oder zu geringer Erfahrungen nicht erkennen können. Der Film bedient sich keiner zotigen Sprache und diskriminiert Homosexuelle nicht, so dass er für ältere Altersgruppen nicht als problematisch beurteilt wird. Für ältere Rezipienten ist die Filmgeschichte einordbar und verkraftbar.

Nachruf und mehr.

Empfehlungen – 15 sehenswerte (teils exzellente) aktuelle Filme:

Aitá / Father (José Maria de Orbe)
Book chon bang hyang / The Day He Arrives (Hong Sang-Soo)
Eine Serie von Gedanken / A Series of Thoughts (Heinz Emigholz)
Führung (René Frölke)
Koi no tsumi / Guilty of Romance (Sion Sono)
Le Gamin au vélo / Der Junge auf dem Fahrrad (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
Le Havre (Aki Kaurismäki)
Let Each One Go Where He May (Ben Russell)
Musan il-gy / The Journals of Musan (Park Jung-bum)
Os residentes / The Residents (Tiago Mata Machado)
Schlafkrankheit (Ulrich Köhler)
Slow Action (Ben Rivers)
Sonnensystem / Solar System (Thomas Heise)
The Big Eden (Peter Dörfler)
Unter Kontrolle (Volker Sattel)

Ganz besonders sei dabei Let Each One Go Where He May (Ben Russell) ans Herz gelegt, der von allen obigen Empfehlungen am dringlichsten nach einer Kinosichtung verlangt und vielleicht nach dem Festival in hiesigen Breitengraden nie wieder als 16mm-Kopie (die zumindest letztes Jahr noch wirklich wunderschön aussah) zu sehen sein wird. Auch wenn es verwunderlich ist, dass er jetzt nach zweijähriger Festivaltour plötzlich doch noch in Wien auftaucht und Russells jüngster, ergänzender Kurzfilm River Rites leider fehlt, ist es natürlich eine tolle Sache für alle, die ihn noch nicht kennen und sich für diese Art Kino interessieren. Über die oben Genannten hinaus kann man zumindest wegen der Filmausschnitte und ein paar Anekdoten auch auf Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel (Alex Stapleton) einen Blick werfen, wenn sich nichts anderes anbietet, und den meines Erachtens zwar leicht überschätzten, aber dennoch sehenswerten Jodaeiye Nader az Simin / Nader und Simin – Eine Trennung (Asghar Farhadi) habe ich raus gelassen, weil er in Deutschland längst und Österreich auch kurz nach dem Festival seinen regulären Kinostart hat. Auffällig noch, dass von Guilty of Romance nur die Exportfassung läuft, die gegenüber der Cannes/München-Langfassung um rund eine halbe Stunde kürzer ist, was bei diesem lustvoll überbordenden Werk erst einmal skeptisch stimmt.
Apropos verspätetet Auftauchendes: Eine etwas befremdliche Erscheinung im Programm ist der selbst beim Fantasy Filmfest bereits letztes Jahr gelaufene und generell meist eher verrissene La casa muda / The Silent House (Gustavo Hernández), auch über Filme wie Habemus Papam (Nanni Moretti), Hesher (Spencer Susser), The Future (Miranda July), Margin Call (JC Chandor), die Miniserie Mildred Pierce (Todd Haynes), Submarine (Richard Ayoade) oder Melancholia (Lars von Trier), von denen die meisten ohnehin bald anlaufen (in Deutschland tun sie es teilweise bereits), bin ich persönlich nicht gerade begeistert, auch wenn als Mischkalkulation ihre Platzierung offensichtliche Gründe und Legitimationen hat. In der Summe gleicht sich sowas dann zumindest in Wien ohnehin schnell wieder aus, wenn man sich ansieht, was darüber hinaus eben alles angeboten wird. Nachfolgend nur eine kleine subjektive Auswahl:

Vorfreude – 25 Filme, auf die ich besonders gespannt bin:

3 Kreuze für einen Bestseller (Klaus Lemke)
Abrir puertas y ventanas / Back to Stay (Milagros Mumenthaler)
Alpis / Alps (Yorgos Lanthimos)
American Falls (Phil Solomon)
Bir zamanlar Anadolu’da / Once Upon a Time in Anatolia (Nuri Bilge Ceylan)
Color perro que huye / Color Runaway Dog (Andrés Duque)
Crazy Horse (Frederick Wiseman)
Cut (Amir Naderi)
Duo mingjin / Life Without Principle (Johnnie To)
É na terra não é na lua / It’s the Earth Not the Moon (Gonçalo Tocha)
Els noms de Crist / The Names of Christ (Albert Serra)
In film nist / This Is Not a Film (Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahmasb)
L’Apollonide (Souvenirs de la maison close) / House of Tolerance (Bertrand Bonello)
La Folie Almayer / Almayer’s Folly (Chantal Akerman)
La vida útil / A Useful Life (Federico Veiroj)
Les Chants de Mandrin / Smugglers’ Songs (Rabah Ameur-Zaïmeche)
L’estate di Giacomo / Summer of Giacomo (Alessandro Comodin)
Miss Bala (Gerardo Naranjo)
Nana (Valérie Massadian)
Siglo ng Pagluluwal / Century of Birthing (Lav Diaz)
Tao jie / A Simple Life (Ann Hu)
The Color Wheel (Alex Ross Perry)
The Pettifogger (Lewis Klahr)
Totem (Jessica Krummacher)
Two Years at Sea (Ben Rivers)

Und das nur mal ein Auszug, der sich bewusst eher auf außergewöhnliches versprechende Filme konzentriert, die gleichzeitig nicht so schnell wieder im Kino zu sehen sein werden (Filme mit fixem Kinostart daher ausgeklammert). Zudem stammen sie überwiegend aus dem Spielfilm- und Dokumentarfilm-Angebot, daneben reizen im Kurzfilmsegment etwa Werke von Robert Fenz, Linda Christanell, Siegfried A. Fruhauf, Jean-Marie Straub, Martin Arnold oder Norbert Pfaffenbichler, sowie die Retrospektive und einzelne ältere Filme im regulären Programm wie Gingakei von Adachi Masao oder The Tomb of Ligeia von Roger Corman. Dazu schöne Special-Programs etwa zu Lee Anne Schmitt, zum Kahn-Leiner-Kollektiv, über “Leuchtende Filmkader” der Friedl-Kubelka-Schule und nicht zuletzt als wichtiges und tolles Genre-Gegengewicht das Soi-Cheang-Tribute (sehr schade allerdings, dass sein jüngstes Werk Motorway offenbar nicht rechtzeitig fertig wurde, um das Tribute krönend zu ergänzen). Und darüber hinaus wird es sicher unter den weniger bekannten Titeln die ein oder andere Überraschung geben. Um trotz dieser Fülle allerdings den Selbstanspruch der Viennale als verdichtender Ort für einen Überblicksversuch über das aktuelle Kino- und Festivalgeschehen (was alles in allem ja meist doch ziemlich fabelhaft gelingt, auch wenn größere Lücken und ein unterschiedliche Auffassungen im Detail natürlich unvermeidlich sind angesichts der nicht einmal näherungsweise zu überschauenden jährlichen weltweiten Filmproduktion) etwas zu kontrastieren, hier auch noch eine Liste mit Filmen, auf die ich vergeblich im Viennale-Programm gehofft hatte, weil man sie vor allem im Kino so schnell wohl nicht zu sehen bekommt…

Vermisstes – 25 Filme, die ich gerne im Programm gesehen hätte:

4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara)
Bellflower (Evan Glodell)
Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos)
Buenas noches, España (Raya Martin)
Chatrak / Mushrooms (Vimukthi Jayasundra)
Damsels in Distress (Whit Stillman)
Die Herde des Herrn (Romuald Karmakar)
Himizu (Sion Sono)
Hors Satan (Bruno Dumont)
Imagens de uma cidade perdida (Jon Jost)
Into the Abyss (Werner Herzog)
Killer Joe (William Friedkin)
Kiseki / I Wish (Hirokazu Kore-eda)
Kotoko (Shinya Tsukamoto)
Mishen / Target (Alexander Zeldovich)
O Abismo prateado / The Silver Cliff (Karim Aïnouz)
River Rites (Ben Russell)
Seeking the Monkey King (Ken Jacobs)
Sibérie (Joana Preiss)
The Invader (Nicholas Provost)
The Return (Nathaniel Dorsky)
Tokyo Koen / Tokyo Park (Shinji Aoyama)
Un amour de jeunesse / Goodbye First Love (Mia Hansen-Løve)
Un été brulant / A Burning Hot Summer (Philippe Garrel)
Verano (José Luis Torres Leiva)

Auch das natürlich nur ein kleiner Auszug, der zwangsläufig eher an eigenen Erwartungen sowie Berichten anderer orientiert ist, und von daher allzu abseitiges ohnehin noch gar nicht berücksichtigt. Voraussichtlich bald regulär zu sehende Filme sind auch hier ausgeklammert. Ein wenig verwundert bin ich mit Blick auf diese Liste schon über das Fehlen einiger Viennale-more-or-less-Regulars wie Ferrara, Martin, Karmakar, Kore-eda, Jacobs oder Garrel. Ebenfalls wahnsinnig gerne gesehen hätte ich Serbuan maut / The Raid (Gareth Huw Evans) und O Barão / The Baron (Edgar Pêra), stellte aber nun beim Erstellen dieses Beitrages fest, dass sie offenbar erst kürzlich Ende September bereits beim Wiener Slash-Filmfestival liefen und damit wohl von vornherein nicht in Frage kamen. Die zuletzt noch verbliebene Hoffnung auf The Raid als Viennale-Überraschungsfilm (als solcher lief er beim Slash-Festival) dürfte damit auch dahin sein. Spaßeshalber wage ich unabhängig davon mal eine wild guess auf den Überraschungsfilm, den ich diesmal wohl besuchen werde, und tippe auf Dark Horse von Todd Solondz, vielleicht einfach nur, weil der Titel irgendwie genau dazu passen würde. Einer der oben genannte “Vermissten” wäre mir zwar lieber, aber reichlich unwahrscheinlich. Hauptsache, es ist kein ohnehin kurz darauf anlaufender Semi-Blockbuster oder gar etwas bereits Gesehenes.

Vielleicht noch kurz zu ein paar kleineren Negativpunkten, wozu vor allem der aus meiner Sicht sehr unglücklich zerrissene Timetable zählt, aber da kann man es natürlich sowieso nie allen recht machen. Dennoch halte ich zumindest die Platzierung des sechsstündigen Lav-Diaz-Mammutblocks ganz am Ende des Festivals aus verschiedenen Gründen für ziemlich unglücklich. Wirklich enttäuschend ist allerdings hinsichtlich der sich über den ganzen Monat erstreckenden Chantal-Akerman-Retrospektive (bei der fast alle Filme zur Viennale-Zeit zumindest als Wiederholung zu sehen sind), dass die ohnehin geradezu erschreckend einfallslose Carte Blanche für Chantal Akerman obendrein terminlich sehr unglücklich programmiert wurde: mit Le bonheur (Agnès Varda) und La région centrale (Michael Snow) laufen ausgerechnet zwei der wenigen zumindest im Kino selten zu sehenden Filme gar nicht zur Festivalzeit, sondern ohne Wiederholung bereits vorab, während unnötigerweise andererseits ein erst vor ein paar Jahren regulär im Kino gelaufener Film wie Last Days (Gus van Sant) zur Festivalzeit gezeigt wird sowie einige ohnehin regelmäßig in Programmkinos zu sehende Filme wie Angst essen Seele auf (Rainer Werner Fassbinder) oder Mamma Roma (Pier Paolo Pasolini) sogar wiederholt laufen. Das muss einem nun natürlich nicht die Laune verderben, aber es ist schlichtweg beim besten Willen schwer nachvollziehbar.
Interessant ansonsten, dass diesmal doch eine Reihe bemerkswerter Berlinale-Filme nicht dabei sind. Das Fehlen von Béla Tarrs The Turin Horse hat dabei sicher nicht nur bei mir für einiges Erstaunen gesorgt, aber auch Filme wie Vampire, The Terrorists, Heaven’s Story, Viva Riva!, Eighty Letters, Sleepless Nights Stories (um nur mal bei denen zu bleiben, die ich gesehen habe) hätte ich zumindest zum Teil erwartet. Mir soll’s insofern recht sein, als dass dadurch mehr Platz für noch unbekanntes bleibt und sich damit der Berlinale-Abstecher auch unter diesem Gesichtspunkt mehr als üblich gelohnt hat, während sich die Viennale-Auswahl diesmal offenbar stattdessen deutlich stärker auf den insgesamt sehr gut weggekommenen Locarno-Jahrgang konzentriert hat. Egal aus welcher Perspektive man es sieht: Alles kann man sowieso nicht haben, aber soweit es sich vorab sagen lässt, gibt es im reichhaltig und vielfältig anmutenden Angebot viele Gelegenheiten für neugierige Streifzüge durchs Programm und daher mehr als genug berechtigten Anlass zur Vorfreude!

Es geht um Sex. Soviel steht fest. Und irgendwie auch um Liebe, Verlangen, Gefühle. Irgendwie. Denn das Interesse an Sex ist zwar da, aber die Abwesenheit von Sex auch, das Interesse an Nähe bei gleichzeitiger Abwesenheit von Nähe, das Erzeugen von Gefühlen bei Abwesenheit von Gefühlen, das Reden über Liebe bei Abwesenheit von Liebe. Es soll hervorgebracht, es soll hergestellt werden, da es herbeigewünscht wird. Das Mittel dazu ist ein Film. Nina ist die Hauptfigur, die diesen Film drehen will. Dazu hat sie Hans und Marie für Probeaufnahmen engagiert. Das Problem ist nur: Nina weiß nicht was sie will. Da hilft auch kein Sex. Denn Nina ist ein gebranntes Kind. Und nicht nur Nina. In Bedways sind alle Figuren unsicher, distanziert, verschlossen, haben sich eine Schutzhülle aufgebaut und tragen ihre Posen vor sich her, da sie Angst vor Verletzungen haben. Keine Jugendlichen mehr, aber auch noch nicht im eigenen Leben angekommen. Zumindest wenn man damit Dinge wie Verantwortung, Bewusstsein, Bestätigung im eigenen Ich und ähnliches assoziiert. Verlorene, ohne ein Bild von sich, ohne Vertrauen, und daher im Außen suchend, mit der Kamera tatsächlich nach diesem Bild suchend, in dem man erblicken könnte, was es ist, das fehlt. Die Kunst hat schließlich schon oft als Weg zur Erkenntnis gedient, als beliebtes Mittel um Selbstreflexion zu befördern. In Bedways geht es dabei aber gar nicht so sehr um Verlust oder Schmerz. Bedways ist keine melodramatische Nabelschau versehrter Persönlichkeiten: Denn die Figuren haben im Grunde ja noch nichts verloren, sondern sind Suchende. Suchende nach sich selbst. Wer sich noch nicht gefunden hat, kann sich schließlich kaum verlieren. Was aber auch ein Problem sein kann. Ein Dilemma.

Bedways ist ein Amateurfilm. Der Begriff Amateur bezeichnete früher einmal jemanden, der eine Sache aus Liebe, aus Interesse, aus Leidenschaft verfolgt. Er war positiv besetzt. Heute wird er meist abwertend benutzt und beim Film nennt man sowas dann gerne „amateurhaft“. Auf Amazon kann man in ein paar Kundenrezensionen nachlesen, wie die Zuschauer heutzutage mit so einem Unterfangen umgehen. Bei den negativen Stimmen heißt es etwa „primitiver schlechter Film“, oder “Wie kann man […] in der heutigen Zeit noch im Format 4:3 drehen“, während bei den positiven Rezensionen die Atmosphäre gelobt, und der Film sogar als der „beste deutsche Film des letzten Jahres“ bezeichnet wird. Keine Frage, Bedways polarisiert. Mich persönlich haben die Charaktere durchgehend nicht interessiert. Ich fand sie grundlegend unsympathisch. Und ich fand den Film zu keinem Zeitpunkt erotisch. Aber ist das ein Problem, muss das ein Problem sein? Muss ein Film interessante Charaktere haben, müssen die Figuren dem Zuschauer sympathisch sein, muss ein Film der als Erotikfilm vermarktet wird auch erotisch sein? Nein, nein, und auch ein drittes Mal nein. Ein Film muss zunächst einmal gar nichts. Auch Bedways nicht. Ich gebe zu: er könnte auf den ersten Blick von einem Debütanten stammen. Auf den zweiten Blick erweist er sich jedoch als durch und durch professionelles Werk. Kahl ist vielleicht nicht Godard, und Bedways ist kein Essayfilm – hat aber deshalb nicht weniger zu sagen.

Vergleicht man Bedways mit Kahls letztem abendfüllenden Spielfilm Angel Express (1998) ist man zunächst erstaunt. Denn eigentlich erwartet man von einer Laufbahn gegenteiliges. Zunächst das Experiment, dann die Perfektion. Zunächst wenig Geld, um mit dem nächsten Projekt etwas Teures realisieren zu können. Und zunächst das Einfache, Reduzierte, um… – ja, ja, schon klar. Aber RP Kahl ist eben kein Wolfgang Petersen oder Roland Emmerich, und jemandem wie Jean-Luc Godard dann eben doch näher. Angel Express hatte eine Vision. Bedways bekundet hingegen sein Desinteresse an einer Vision. Ist Experiment, ist Versuch, ist Idee, ist Spiel, ist alles was seine Figuren und ihre Handlungen – also der vermeintliche Inhalt – nicht sind. Er ist offen, seiner selbst zutiefst bewusst, eigenwillig, und in jeder Hinsicht erwachsen. Und er ist als Zustandsbeschreibung des Berliner Winters dadurch auch um ein vielfaches düsterer und desillusionierter als sein Vorgänger geraten. Wenn man möchte, könnte man sagen, dass die Figuren aus Angel Express in Bedways mit einem gehörigen Kater aus ihrer Partyzeit in der Ausnüchterungszelle erwacht sind. Dem Drang sich verlieren zu wollen, entspricht dann verständlicherweise der Drang zur Selbstfindung. Die 90er und die 2000er. Drogen und Naturkost. Willkommen danach.

Die Kamera zeichnet dabei alle Stationen dieser Suche faktisch auf, leidenschaftslos, ohne Interesse. Es geht um Beobachtung – aber auch um Behauptung. Passend verweigert sich der Film daher jeglicher Erotik und beharrt auf seiner Sterilität. Der Sterilität der Kamera, der die Sterilität des Blicks ist, welcher nichts will. Aber da es ein Bild gibt, da immer etwas da ist, was gefilmt werden muss, liegt die Annahme nahe, das Interesse der Kamera könnte in der Vergangenheit oder Zukunft liegen. In etwas, das vor der sichtbaren Aufnahme stattfand, sich vor der Szene abgespielt hat oder im beharrlichen Warten in der Hoffnung, dass etwas passiert. Ein bisschen ist das wie bei Bresson mit seinen Schauspielern, die durch zigfache Wiederholung nicht mehr spielen können sollen. Nicht sich selbst, nicht jemand anderen – sondern nur sein. Ein ähnlicher Satz fällt auch im Film, wobei bei Bedways diese Regel auch für die Kamera gilt. Die Kamera soll etwas machen, etwas zeigen, vielleicht also etwas sichtbar machen, was vor ihr nicht existiert, was auch in ihr nicht existiert, was außerhalb ihrer Fähigkeit und vielleicht auch ihrer Möglichkeit liegt. Etwas anderes, als einen Film? Das Zwangsläufige am Filmen, dass das Bild einer Kamera immer einen Film produziert, wird hier aber weder betrauert noch umständlich problematisiert, sondern schlichtweg genutzt und konsequent thematisiert. Das entspräche dann auch unserem Leben. Dass es abläuft und passiert, ob wir wollen oder nicht. Der Film in Bedways, der Film im Film, wird am Ende jedenfalls nicht gedreht. Und die Frage stellt sich auch für RP Kahls Film. Ist Bedways gedreht worden? Die Antwort darauf finden wir wiederum im Film selbst, klar und einfach am siebten Tag ausgesprochen: Nein, der Film wurde nicht gedreht – jedenfalls nicht der Film, auf den man als Zuschauer vielleicht die ganze Zeit gewartet hat. Er müsste noch gedreht werden, und zwar anders als erwartet, denn das Interessante wäre jetzt das Private geworden. Aber am siebten Tag ruhte Gott sich bekanntlich aus, denn er sah, dass seine Schöpfung gut war. Spekulieren wir deshalb einfach, das Bedways der Film wäre, den die Protagonistin gedreht hätte.

Kommen wir aber nochmal aufs Zeitliche zurück. Das Danach wie Davor. Wenn ich zum Beispiel behaupte, dass die Gegenwart in Bedways nicht stattfindet, so spreche ich aus der Perspektive der Figuren, die auf der Suche nach ihr sind. Die Kamera zeichnet die Schauspieler dabei auf, und am Ende des Films wird für den Zuschauer klar, dass das was man zu sehen bekommen hat es wohl war: die Gegenwart. Wenn sie aber dennoch die Leerstelle des Films ist, der Moment als einer der gesucht wird, und damit auf einer gewissen Ebene durch seine Abwesenheit fasziniert, und der Film zwar parallel zu den Figuren, aber auch immer eigenständig eine andere Gegenwart und auch eine anderer Wahrheit sucht, erhalten wir dadurch ständige Verschiebungen und Doppelungen, eine klassische zweite Ebene, und der Film thematisiert sich auf beiden ständig selbst: durch Dialoge, Einstellungen, durch Fragen, die er permanent stellt, ohne sie beantworten zu wollen. Bedways ist dadurch auch eine Reise in den Kopf des Filmemachers geworden, eine Phantasie über das Was-wäre-wenn, und dadurch auch eine Zeitschleife für den Zuschauer: Vor dem Film ist nach dem Film.

Diese Offenheit, die also aus seiner Klarheit und Einfachheit sowie aus der ständigen Befragung seiner Verfangenheit in sich selbst resultiert, führt zu einer Vielzahl von Sichtweisen und Interpretationsmöglichkeiten. Bedways spaltet das Publikum deshalb so sehr (und wird es heute Abend mit Sicherheit wieder tun), weil in seinen Auslassungen, in seiner formalen Verweigerung, und der ängstlichen Verweigerung der Figuren vor sich Selbst, eine Herausforderung liegt, die der Zuschauer annehmen oder verwerfen muss. Die klassische Frage „was mache ich mit dem Film?“, die sich jedem Regisseur stellt und eine generelle Schlüsselposition im Filmemachen einnimmt, leitet RP Kahl dadurch meisterhaft an das Publikum weiter. Was das im Endeffekt bringt? Vielleicht die Beantwortung der Frage durch einen weiteren Film. Indem man versucht ist einen eigenen zu drehen, oder auch nur auf den nächsten von Kahl zu warten. Denn Bedways wirkt wie eine Zwischenstufe, jedoch ein Dazwischen, welches ein Ankommen in eben diesem signalisiert. Man darf gespannt sein. Vielleicht kommt „danach“ also tatsächlich die Realität. Oder nur noch der Film. Der reine Film. Hat er mir nun aber schlussendlich gefallen? Das ist die falsche Frage, der falsche Ansatz. Denn nach Bedways ist es genug der Fragen, kann es keine Fragen mehr geben. Dieser Text ist daher der Versuch einer Antwort.

Für alle, die den Film im Fernsehen verpasst und auch vergessen haben sollten den Videorecorder anzuschmeißen, gibt es ihn zurzeit noch Online in der ARTE-Mediathek zu sehen. Anzumerken wäre aber, dass diese Fassung – die auch im Fernsehen ausgestrahlt wurde – nach Angaben der Bedways-Webseite aber vor allem in den Nacktszenen leicht entschärft worden ist. Der Film ist jedoch glücklicherweise – wie auch einige andere von RP Kahl – bereits vor einigen Monaten beim hauseigenen Label Independent Partners Film auf DVD (und zusätzlich auch auf Blu-Ray) erschienen. Auf dem Silberling gibt es neben den obligatorischen Trailern und Untertiteln in Deutsch und Englisch als Zusatz noch ein Musikvideo zum Titelsong „Flesh is the Law“ von Mypark, sowie ein ausführliches Gespräch zwischen Kahl und Hauptdarstellerin Miriam Mayet. Was ich außerdem nicht unerwähnt lassen wollte, da es mich in Bedways besonders überrascht hat, ist Arno Frisch in einer kleinen Nebenrolle als Marquard-Bohm-Verschnitt. Er sieht so aus wie Bohm, bewegt sich wie Bohm, und redet wie Bohm. Zumindest ist es ein schöner Versuch, eine schöne Hommage. RP Kahl wollte einmal ein Remake von Rudolf Thomes Rote Sonne drehen. Schade, dass es aufgrund des Todes von Luggi Waldleitner nicht mehr dazu kam.

Bevor im März 2012 das dritte Hamburger “Monster Machen Mobil“-Festival steigt, findet am Samstag, den 3. September 2011, ab 19 Uhr die zweite Ausgabe des kleinen Ablegers “Monster, Gewalt und gute Laune” statt – dank des zunächst weiterhin vom Metropolis (Kinemathek Hamburg) betriebenen und damit zumindest vorerst geretteten existenzbedrohten Savoy-Filmtheaters nun noch einmal auf der dortigen Riesenleinwand. Auf dem Programm stehen FLASH GORDON, GIGANTEN DER VORZEIT und DIE MUMIE DES PHARAO.

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Am Samstag, den 17. September 2011, ab 20 Uhr ist Exploitation-Legende Fred Williamson persönlich im Geheimnisvollen Filmclub Buio Omega in der Schauburg Gelsenkirchen zu Gast. Neben einem Gespräch mit mutmaßlich dem Filmgelehrten Christian Keßler und weiterem Rahmenprogramm werden wohl auch traditionell ein bis zwei Überraschungsfilme aus der Filmografie von Fred Williamson gezeigt.


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Von 29. September bis 5. Oktober 2011 findet in München im Filmmuseum und im Werkstattkino die sechste Ausgabe des ambitionierten, entdeckungsfreudigen und unbedingt lohnenswerten Underdox-Festivals statt, das sich filmkünstlerischen Grenzgängern zwischen Dokumentar- und Experimentalfilm bis hin zur Videokunst verschrieben hat. Konkrete Titel wurden bislang noch nicht bekannt gegeben, man darf aber auf manche Entdeckung von den Festivals aus Rotterdam, Berlin, Marseille, Wien, Pesaro und Brüssel gespannt sein.

Update: Mittlerweile ist das vollständige Programm des diesjährigen Underdox-Festivals veröffentlicht worden.


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Von 7. bis 9. Oktober 2011 findet das 7. Todd-AO 70mm-Festival in der traditionsreichen Schauburg Karlsruhe statt, die sich vor allem mit ihren Widescreen- und 70mm-Festivals in den letzten Jahren regelmäßig um die Wiederbelebung von nahezu verschwundenen kinohistorischen Aufführungspraxen verdient gemacht hat. Besonders erfreulich, dass der Termin sich diesmal im Gegensatz zu den letzten Jahren nicht mit dem Münchner Underdox-Festival überschneidet. Bislang ist nur etwa die Hälfte des Programms bekannt gegeben worden, zu den Highlights darunter zählen eine Zusammenstellung seltener kanadischer 70mm-Kurzfilme, der von einigen Eskalierenden Träumern schon seit Jahren in Karlsruhe erwartete HAMLET (eine der wenigen auf 70mm gedrehten Kinoproduktionen der letzten Jahrzehnte seit dem Niedergang des Formats Anfang der 70er Jahre) sowie ein Vortrag des Kinohistorikers Kevin Brownlow. Auch ein gegenüber der vielfach kritisierten, offenbar grünstichigen und mangelhaft scharfen Berlinale-Kopie noch einmal neu restaurierter Print von WEST SIDE STORY wurde schon vor längerem angekündigt, auch wenn er noch nicht offiziell bei in70mm.com gelistet ist. Insgesamt ist mit rund 10 Langfilmen/Programmblöcken sowie zusätzlichem Rahmenprogramm (Vorträge, Trailer, sowie im Festivalpass enthaltene gastronomische Verpflegung und Get-Together-Bierausschank) zu rechnen. Nicht nur für Materialfetischisten und Technikfreaks, sondern auch ganz allgemein für filmhistorisch interessierte Kinofreunde ein Pflichttermin, um eine der seltenen adäquaten Gelegenheiten, das Königsformat des Kinos auf der großen gekrümmten Cinerama-Leinwand zu erleben, wahrzunehmen.

Update: Mittlerweile ist das vollständige Programm des diesjährigen 70mm-Festivals veröffentlicht worden.


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Und dann steht von 20. Oktober bis 2. November 2011 natürlich noch die Viennale an, fraglos eines der fachkundigsten, vielseitigsten und experimentierfreudigsten Filmfestivals im deutschsprachigen Raum. Während auf der offiziellen Homepage vorerst nur eine vergleichsweise spärliche Anzahl an bereits bekannten Filmen präsentiert wird, findet sich an dieser Stelle eine schön übersichtlich aufbereitete Auflistung sämtlicher bislang bekannt gegebener Programmbestandteile.
Einige Filme habe ich bereits gesehen und kann – wie sich größtenteils auch den Listen zur Berlinale und zum Filmfest München entnehmen lässt – bislang AITA, LE GAMIN AU VÉLO, LE HAVRE, KOI NO TSUMI (GUILTY OF ROMANCE), MUSAN IL-GY (JOURNALS OF MUSAN), OS RESIDENTES, SCHLAFKRANKHEIT, CAVE OF FORGOTTEN DREAMS, UNTER KONTROLLE und ESEL MIT SCHNEE sehr empfehlen – vor allem für OS RESIDENTES freut es mich, der für mich auf der Berlinale eine völlig überraschende und leider weitreichend ignorierte Entdeckung aus dem Nichts war, die nun auch von Wien gewürdigt wird. Abraten würde ich hingegen von HESHER, der mich ebenso wie Miranda July und Nanni Moretti doch etwas im Programm überrascht, aber fraglos sein Publikum finden wird. Ansonsten bin ich auf ohnehin noch dieses Jahr regulär startende Titel wie MELANCHOLIA (der in Deutschland sogar noch vor der Viennale anläuft) und DRIVE weniger scharf, freue mich aber umso mehr vor allem über einige andere Cannes-Titel wie L’APOLLONIDE und TAKE SHELTER (fehlen beinahe nur noch MISS BALA, HORS SATAN, THE ARTIST und THIS IS NOT A FILM), und außerdem besonders über LA VIDA ÚTIL, bei dem ich – nachdem er letztes Jahr wider Erwarten nicht in Wien lief – schon nicht mehr zu hoffen gewagt hatte, ihn noch im Kino zu sehen (sofern der Timetable keinen Strich durch die Rechnung macht), was in diesem Fall wohl besonders schade gewesen wäre. Ein Fall wie dieser unterstreicht einmal mehr die besondere Qualität der Viennale, bestimmte Filme einfach auch mal mit über einem Jahr Verspätung nachzuspielen (sofern sie nicht zwischenzeitlich von der Konkurrenz aus Linz weggeschnappt wurden, wie etwa Vlado Škafars Meisterwerk OCA), wenn sie im Vorjahr versäumt oder übersehen wurden, nicht zu bekommen oder nicht mehr recht unterzukriegen waren.
Die Tributes an Harry Belafonte und Jeremy Thomas finde ich weniger reizvoll als zuletzt Lino Brocka oder Larry Cohen, dafür versprechen die in oben verlinkter Übersicht nicht erwähnten Special Programs mit den Themen “BETWEEN INNER AND OUTER SPACE: Kunst:Räume – Eine Filmschau in sechs Programmen” und “AWAKE AND SING – Die amerikanische Filmemacherin Lee Anne Schmitt” einiges. Ebenso trotz eher enttäuschender Carte Blanche (über die Hälfte der Filme habe ich tatsächlich sogar schon jenseits von Festivals in regulären Kinoaufführungen gesehen) die Retrospektive zu Chantal Akerman, die mich in Erinnerung der wunderschönen 16mm-Kopie von D’EST bei der letztjährigen Berlinale schon in Aussicht auf die Kinoerlebnisse reizt. Auch ihr neuester Film LA FOLIE ALMAYER läuft in Wien und führt natürlich zu der spannenden Frage, welche Filme insbesondere des Venedig-Programms die Viennale bis zur finalen Programmbekanntgabe noch in die Auswahl aufnehmen wird. Mit Lav Diaz darf man, wie aus gut informierten Kreisen zu vernehmen ist, erfreulicherweise wohl durchaus rechnen (hoffentlich auch mit Raya Martins Locarno-Film). Michael Glawogger und David Cronenberg starten ohnehin bereits vor oder kurz nach dem Festival zumindest hierzulande, interessanter wären da natürlich die sicherlich nicht vergleichbar schnell und schon gar nicht regulär im Kino zu sehenden neuen Langfilme von Abel Ferrara, Tomas Alfredson, William Friedkin, Philippe Garrel, Ann Hui, Yorgos Lanthimos, Aleksander Sokurov, Sion Sono, Johnnie To, Amit Dutta, Romuald Karmakar, Amir Naderi, Shinya Tsukamoto, José Luis Torres Leiva oder Ben Rivers. Auch da darf man auf den ein oder anderen, ebenso wie vielleicht ein paar unverhoffte schöne Orrizonti-Entdeckungen, wohl durchaus hoffen. Das vollständige Viennale-Programm wird allerdings erst am 11. Oktober bekannt gegeben.

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Und dann gäbe es da natürlich noch diverse andere Veranstaltungen, die sich vor allem im Oktober dicht gedrängt ballen, seien es die Hofer Filmtage, das Filmfest Hamburg, das Filmfestival der Menschenrechte Nürnberg, das Pornfilmfestival Berlin oder im November das Exground Wiesbaden, um nur ein paar zu nennen (das Münchner Asiafilmfest wiederum wird leider auch in diesem Jahr gänzlich ausfallen), aber ich wollte mich in dieser Übersicht auf einige wenige beschränken, die mir persönlich wichtig sind und die ich guten Gewissens empfehlen kann – und die zudem zum Teil reine Liebhaberangelegenheiten sind, die nur durch entsprechende Unterstützung von Veranstalter- und von Besucherseite überhaupt existieren können.

Nachdem es uns im Rahmen unserer ET-Prominenzinitiative bereits gelungen ist, einen der größten noch lebenden deutschen Schriftsteller [und heimlichen Drahtzieher des Hofbauer-Kommandos] unter dem zaghaft-ominösen Pseudonym “Marian” beinahe unbemerkt in unsere Jagdgründe hineinzuschmuggeln (sehen Sie seine bisherigen, subversiven Ergüsse hier, hier, hier, – sowie die erste ET-Würdigung des göttlichen Jesus) und wir aus seinen gelehrigen und gelenkigen Schöpferhänden noch die ultimative Offenbarung zum größten deutschen Filmkunstwerk seit den Filmen der Gebrüder Skladanowsky zu empfangen hoffen, haben wir uns nun der sträflich vernachlässigten und der väterlichen Hand bedürfenden Zunft der hiesigen Filmschreiberlinge zugewandt, und gleich das Beste dieser Lande, die Crème de la Crème, die Sahnenkrone, die Schokoglasur des Kritikerolymps, ans verheißungsvolle, anheimelnde und verlockend-ruhmreich-gülden-glänzende ET-Ufer gezogen. Noch können wir unser Glück angesichts des erlauchten Zuwachses kaum fassen, denn es ist nicht zuviel versprochen wenn wir die Sache beim Namen nennen: Meistertexter – ja SIE sind es! Von den kühlen, sturmumtosten deutschen Waldwipfeln hinabgestigen in das urwüchsige Tal des Kinogenusses, von den den Geist erodierenden Höhen der Literatenkunst in die Wärme versprechenden Arme des Volkes, sprich: In das Land wo Milch und Schangel fließen, und sich Trash und Sleaze guten Morgen sagen.

Schon seit ungezähltem Jahr und Tag schielten wir begehrlich hinüber zu den fernen Ufern, von denen sich die deskriptive Ekstase dieser beiden gesegneten Talente in unsere beschaulichen Wiesengründe ergoß, jedoch: Sie schienen stets entrückt, unerreichbar, geradezu ephemer! Wiederholt boten sie ihre Schreibkraft NUR anderen feil!
Schlussendlich haben uns ihre üppigen Reize aber doch so ungestüm überkommen, dass wir mit unserer hymnischen Verehrung nicht länger hinterm Berg halten konnten, und unser jugendliches Begehren mit absoluter Wucht über die beiden Ahnungslosen hereinplatzte. Und wahrhaftig oh du unser aller Cinemenschenoheim: Die volkommene Erfüllung ward uns anheim gegeben! Es ward vollbracht!

Die Rede ist, Sie werden es gewiß längst erraten haben, von Simon Frauendorfer und Sven Safarow, den Siegfried und Roy der Filmkritik! Lange haben wir uns um sie reißen und auszehren müssen, lange zauderten und haderten sie mit der Aussicht, ihr Prestige durch das Auftreten in der zwielichtigen Furche einer Hintertreppen-Postille wie Eskalierende Träume zu gefährden. Doch letztendlich blieb ihnen keine Wahl: Sie konnten dem verführerischen Ruf des Hofbauern nicht länger widerstehen, und begaben sich nun als überschwänglich empfangene Gastautoren auf ihren Siegeszug in Richtung seines idyllischen Gehöfts, um die Felder des Seltenen, Schönen und Verschmähten reichlich zu bestellen.

Ja SIE sind es! Wahrhaftig! Die Götter der Deutschen Filmkritik! Hier auf Eskalierende Träume! Endlich! Fürwahr! So wie Sie SIE noch nie gelesen haben: Ganz privat und ganz persönlich! Kompromisslos, radikal, schonungslos offen. Schon sehr bald geht es los! Genießen nun auch SIE mit uns!

Anlässlich eines Dokumentarfilms, in dem es was zu lachen gibt, lobt die Kritik meist, es sei vermieden worden “zu denunzieren” oder “der Lächerlichkeit preiszugeben”. Mein Gefühl ist, daß sich dahinter eine Angst verbirgt, die wie die meiste Angst ganz überflüssig ist. Es gibt den guten Rat: Dein Film taugt nur dann etwas, wenn er zeigt, was du liebst. Diese Liebe und jene Angst fand ich miteinander versöhnt in einem Satz in Ricarda Huchs Buch über die Romantik: “Tieck bemerkt einmal, daß man einen Gegenstand, den man liebt, erst besitze, wenn man etwas Lächerliches an ihm finde, daß er keinen Freund und keine Geliebte haben möge, über die er niemals lachen oder lächeln könne.”

Kino und Karneval sind lustige Geschwister der Religion. Denn auch das unbequemste Kostüm ist ein bequemes Heraus aus der nicht selbstgewählten Welt. In besonderen Fällen ein an- und ausziehbares Jenseits.

Rainer Knepperges: Die karnevalistische Wissenschaft – über Anja Dreschkes Dokumentarfilm DIE STÄMME VON KÖLN, in: SigiGötz-Entertainment – Die neunzehnte Formel, München, Juli 2011, S. 20.


SigiGötz-Entertainment feiert 10-jähriges Jubiläum. Eskalierende Träume gratuliert zu diesem freudigen Ereignis und verweist auf die soeben erschienene 19. Ausgabe der kleinen, aber umso feineren deutschen Personality-Filmzeitschrift mit Hang zum Glamour des Entlegenen und Verwegenen. SigiGötz-Entertainment – Die neunzehnte Formel “in der Hans Schifferle den letzten Film des Schweizers Kurt Früh einer Revision unterzieht, Rolf Aurich Stimmen über den Schauspieler Hans Timerding sammelt, Rainer Knepperges die STÄMME VON KÖLN begutachtet, Stefan Ertl die SGE-Glamour-Bibliothek eröffnet und Ulrich Mannes einen kurzen Blick auf Teutonen-Western wirft. Als Zugaben erwarten Sie brisante Fundsachen aus dem SGE-Kosmos und eine historische Autogrammkarte.” (so die offizielle Ankündigung) Das druckfrische Heft wurde in den letzten Tagen an die Abonnenten ausgeliefert und kann auf der Homepage jederzeit preisgünstig bestellt werden. Wir raten zu!