Ray Harryhausen: Sindbads gefährliche Abenteuer
The Golden Voyage of Sinbad (USA 1973)
Regie: Gordon Hessler
Freitag 30. März 2012 • 19 Uhr

Star Crash – Sterne im Duell
Star Crash – Oltre la terza Dimensione (Italien 1979)
Regie: Luigi Cozzi
Freitag 30. März 2012 • 22 Uhr

Gigant des Grauens
War of the Colossal Beast (USA 1958)
Regie: Bert I. Gordon
Freitag 30. März 2012 • 23.59 Uhr

Gamera gegen Gaos
Daikaijû kûchûsen: Gamera tai Gyaosu (Japan 1967)
Regie: Noriaki Yuasa
Samstag 31. März 2012 • 15.30 Uhr

Die Folterkammer des Hexenjägers
The Haunted Palace (USA 1963)
Regie: Roger Corman
Samstag 31. März 2012 • 18 Uhr

Draculas Tochter und Professor Satanas
La mujer murciélago (Mexiko 1968)
Regie: René Cardona
Samstag 31. März 2012 • 21 Uhr

Infra-Superman – Invasion aus dem Inneren der Erde
Jung-Gwok Chiu-Yan (HongKong 1975)
Regie: Shan Hua
Samstag 31. März 2012 • 23.15 Uhr

Der Mann ohne Körper
The Man Without a Body (England 1957)
Regie: Charles Saunders, W. Lee Wilder
Sonntag 1. April 2012 • 11.30 Uhr

2071 – Mutan-Bestien gegen Roboter
The Time Travelers (USA 1964)
Regie: Regie: Ib Melchior
Sonntag 1. April 2012 • 13.30 Uhr

Empfehlungen – 15 sehenswerte (teils exzellente) aktuelle Filme:

Aitá / Father (José Maria de Orbe)
Book chon bang hyang / The Day He Arrives (Hong Sang-Soo)
Eine Serie von Gedanken / A Series of Thoughts (Heinz Emigholz)
Führung (René Frölke)
Koi no tsumi / Guilty of Romance (Sion Sono)
Le Gamin au vélo / Der Junge auf dem Fahrrad (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
Le Havre (Aki Kaurismäki)
Let Each One Go Where He May (Ben Russell)
Musan il-gy / The Journals of Musan (Park Jung-bum)
Os residentes / The Residents (Tiago Mata Machado)
Schlafkrankheit (Ulrich Köhler)
Slow Action (Ben Rivers)
Sonnensystem / Solar System (Thomas Heise)
The Big Eden (Peter Dörfler)
Unter Kontrolle (Volker Sattel)

Ganz besonders sei dabei Let Each One Go Where He May (Ben Russell) ans Herz gelegt, der von allen obigen Empfehlungen am dringlichsten nach einer Kinosichtung verlangt und vielleicht nach dem Festival in hiesigen Breitengraden nie wieder als 16mm-Kopie (die zumindest letztes Jahr noch wirklich wunderschön aussah) zu sehen sein wird. Auch wenn es verwunderlich ist, dass er jetzt nach zweijähriger Festivaltour plötzlich doch noch in Wien auftaucht und Russells jüngster, ergänzender Kurzfilm River Rites leider fehlt, ist es natürlich eine tolle Sache für alle, die ihn noch nicht kennen und sich für diese Art Kino interessieren. Über die oben Genannten hinaus kann man zumindest wegen der Filmausschnitte und ein paar Anekdoten auch auf Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel (Alex Stapleton) einen Blick werfen, wenn sich nichts anderes anbietet, und den meines Erachtens zwar leicht überschätzten, aber dennoch sehenswerten Jodaeiye Nader az Simin / Nader und Simin – Eine Trennung (Asghar Farhadi) habe ich raus gelassen, weil er in Deutschland längst und Österreich auch kurz nach dem Festival seinen regulären Kinostart hat. Auffällig noch, dass von Guilty of Romance nur die Exportfassung läuft, die gegenüber der Cannes/München-Langfassung um rund eine halbe Stunde kürzer ist, was bei diesem lustvoll überbordenden Werk erst einmal skeptisch stimmt.
Apropos verspätetet Auftauchendes: Eine etwas befremdliche Erscheinung im Programm ist der selbst beim Fantasy Filmfest bereits letztes Jahr gelaufene und generell meist eher verrissene La casa muda / The Silent House (Gustavo Hernández), auch über Filme wie Habemus Papam (Nanni Moretti), Hesher (Spencer Susser), The Future (Miranda July), Margin Call (JC Chandor), die Miniserie Mildred Pierce (Todd Haynes), Submarine (Richard Ayoade) oder Melancholia (Lars von Trier), von denen die meisten ohnehin bald anlaufen (in Deutschland tun sie es teilweise bereits), bin ich persönlich nicht gerade begeistert, auch wenn als Mischkalkulation ihre Platzierung offensichtliche Gründe und Legitimationen hat. In der Summe gleicht sich sowas dann zumindest in Wien ohnehin schnell wieder aus, wenn man sich ansieht, was darüber hinaus eben alles angeboten wird. Nachfolgend nur eine kleine subjektive Auswahl:

Vorfreude – 25 Filme, auf die ich besonders gespannt bin:

3 Kreuze für einen Bestseller (Klaus Lemke)
Abrir puertas y ventanas / Back to Stay (Milagros Mumenthaler)
Alpis / Alps (Yorgos Lanthimos)
American Falls (Phil Solomon)
Bir zamanlar Anadolu’da / Once Upon a Time in Anatolia (Nuri Bilge Ceylan)
Color perro que huye / Color Runaway Dog (Andrés Duque)
Crazy Horse (Frederick Wiseman)
Cut (Amir Naderi)
Duo mingjin / Life Without Principle (Johnnie To)
É na terra não é na lua / It’s the Earth Not the Moon (Gonçalo Tocha)
Els noms de Crist / The Names of Christ (Albert Serra)
In film nist / This Is Not a Film (Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahmasb)
L’Apollonide (Souvenirs de la maison close) / House of Tolerance (Bertrand Bonello)
La Folie Almayer / Almayer’s Folly (Chantal Akerman)
La vida útil / A Useful Life (Federico Veiroj)
Les Chants de Mandrin / Smugglers’ Songs (Rabah Ameur-Zaïmeche)
L’estate di Giacomo / Summer of Giacomo (Alessandro Comodin)
Miss Bala (Gerardo Naranjo)
Nana (Valérie Massadian)
Siglo ng Pagluluwal / Century of Birthing (Lav Diaz)
Tao jie / A Simple Life (Ann Hu)
The Color Wheel (Alex Ross Perry)
The Pettifogger (Lewis Klahr)
Totem (Jessica Krummacher)
Two Years at Sea (Ben Rivers)

Und das nur mal ein Auszug, der sich bewusst eher auf außergewöhnliches versprechende Filme konzentriert, die gleichzeitig nicht so schnell wieder im Kino zu sehen sein werden (Filme mit fixem Kinostart daher ausgeklammert). Zudem stammen sie überwiegend aus dem Spielfilm- und Dokumentarfilm-Angebot, daneben reizen im Kurzfilmsegment etwa Werke von Robert Fenz, Linda Christanell, Siegfried A. Fruhauf, Jean-Marie Straub, Martin Arnold oder Norbert Pfaffenbichler, sowie die Retrospektive und einzelne ältere Filme im regulären Programm wie Gingakei von Adachi Masao oder The Tomb of Ligeia von Roger Corman. Dazu schöne Special-Programs etwa zu Lee Anne Schmitt, zum Kahn-Leiner-Kollektiv, über “Leuchtende Filmkader” der Friedl-Kubelka-Schule und nicht zuletzt als wichtiges und tolles Genre-Gegengewicht das Soi-Cheang-Tribute (sehr schade allerdings, dass sein jüngstes Werk Motorway offenbar nicht rechtzeitig fertig wurde, um das Tribute krönend zu ergänzen). Und darüber hinaus wird es sicher unter den weniger bekannten Titeln die ein oder andere Überraschung geben. Um trotz dieser Fülle allerdings den Selbstanspruch der Viennale als verdichtender Ort für einen Überblicksversuch über das aktuelle Kino- und Festivalgeschehen (was alles in allem ja meist doch ziemlich fabelhaft gelingt, auch wenn größere Lücken und ein unterschiedliche Auffassungen im Detail natürlich unvermeidlich sind angesichts der nicht einmal näherungsweise zu überschauenden jährlichen weltweiten Filmproduktion) etwas zu kontrastieren, hier auch noch eine Liste mit Filmen, auf die ich vergeblich im Viennale-Programm gehofft hatte, weil man sie vor allem im Kino so schnell wohl nicht zu sehen bekommt…

Vermisstes – 25 Filme, die ich gerne im Programm gesehen hätte:

4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara)
Bellflower (Evan Glodell)
Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos)
Buenas noches, España (Raya Martin)
Chatrak / Mushrooms (Vimukthi Jayasundra)
Damsels in Distress (Whit Stillman)
Die Herde des Herrn (Romuald Karmakar)
Himizu (Sion Sono)
Hors Satan (Bruno Dumont)
Imagens de uma cidade perdida (Jon Jost)
Into the Abyss (Werner Herzog)
Killer Joe (William Friedkin)
Kiseki / I Wish (Hirokazu Kore-eda)
Kotoko (Shinya Tsukamoto)
Mishen / Target (Alexander Zeldovich)
O Abismo prateado / The Silver Cliff (Karim Aïnouz)
River Rites (Ben Russell)
Seeking the Monkey King (Ken Jacobs)
Sibérie (Joana Preiss)
The Invader (Nicholas Provost)
The Return (Nathaniel Dorsky)
Tokyo Koen / Tokyo Park (Shinji Aoyama)
Un amour de jeunesse / Goodbye First Love (Mia Hansen-Løve)
Un été brulant / A Burning Hot Summer (Philippe Garrel)
Verano (José Luis Torres Leiva)

Auch das natürlich nur ein kleiner Auszug, der zwangsläufig eher an eigenen Erwartungen sowie Berichten anderer orientiert ist, und von daher allzu abseitiges ohnehin noch gar nicht berücksichtigt. Voraussichtlich bald regulär zu sehende Filme sind auch hier ausgeklammert. Ein wenig verwundert bin ich mit Blick auf diese Liste schon über das Fehlen einiger Viennale-more-or-less-Regulars wie Ferrara, Martin, Karmakar, Kore-eda, Jacobs oder Garrel. Ebenfalls wahnsinnig gerne gesehen hätte ich Serbuan maut / The Raid (Gareth Huw Evans) und O Barão / The Baron (Edgar Pêra), stellte aber nun beim Erstellen dieses Beitrages fest, dass sie offenbar erst kürzlich Ende September bereits beim Wiener Slash-Filmfestival liefen und damit wohl von vornherein nicht in Frage kamen. Die zuletzt noch verbliebene Hoffnung auf The Raid als Viennale-Überraschungsfilm (als solcher lief er beim Slash-Festival) dürfte damit auch dahin sein. Spaßeshalber wage ich unabhängig davon mal eine wild guess auf den Überraschungsfilm, den ich diesmal wohl besuchen werde, und tippe auf Dark Horse von Todd Solondz, vielleicht einfach nur, weil der Titel irgendwie genau dazu passen würde. Einer der oben genannte “Vermissten” wäre mir zwar lieber, aber reichlich unwahrscheinlich. Hauptsache, es ist kein ohnehin kurz darauf anlaufender Semi-Blockbuster oder gar etwas bereits Gesehenes.

Vielleicht noch kurz zu ein paar kleineren Negativpunkten, wozu vor allem der aus meiner Sicht sehr unglücklich zerrissene Timetable zählt, aber da kann man es natürlich sowieso nie allen recht machen. Dennoch halte ich zumindest die Platzierung des sechsstündigen Lav-Diaz-Mammutblocks ganz am Ende des Festivals aus verschiedenen Gründen für ziemlich unglücklich. Wirklich enttäuschend ist allerdings hinsichtlich der sich über den ganzen Monat erstreckenden Chantal-Akerman-Retrospektive (bei der fast alle Filme zur Viennale-Zeit zumindest als Wiederholung zu sehen sind), dass die ohnehin geradezu erschreckend einfallslose Carte Blanche für Chantal Akerman obendrein terminlich sehr unglücklich programmiert wurde: mit Le bonheur (Agnès Varda) und La région centrale (Michael Snow) laufen ausgerechnet zwei der wenigen zumindest im Kino selten zu sehenden Filme gar nicht zur Festivalzeit, sondern ohne Wiederholung bereits vorab, während unnötigerweise andererseits ein erst vor ein paar Jahren regulär im Kino gelaufener Film wie Last Days (Gus van Sant) zur Festivalzeit gezeigt wird sowie einige ohnehin regelmäßig in Programmkinos zu sehende Filme wie Angst essen Seele auf (Rainer Werner Fassbinder) oder Mamma Roma (Pier Paolo Pasolini) sogar wiederholt laufen. Das muss einem nun natürlich nicht die Laune verderben, aber es ist schlichtweg beim besten Willen schwer nachvollziehbar.
Interessant ansonsten, dass diesmal doch eine Reihe bemerkswerter Berlinale-Filme nicht dabei sind. Das Fehlen von Béla Tarrs The Turin Horse hat dabei sicher nicht nur bei mir für einiges Erstaunen gesorgt, aber auch Filme wie Vampire, The Terrorists, Heaven’s Story, Viva Riva!, Eighty Letters, Sleepless Nights Stories (um nur mal bei denen zu bleiben, die ich gesehen habe) hätte ich zumindest zum Teil erwartet. Mir soll’s insofern recht sein, als dass dadurch mehr Platz für noch unbekanntes bleibt und sich damit der Berlinale-Abstecher auch unter diesem Gesichtspunkt mehr als üblich gelohnt hat, während sich die Viennale-Auswahl diesmal offenbar stattdessen deutlich stärker auf den insgesamt sehr gut weggekommenen Locarno-Jahrgang konzentriert hat. Egal aus welcher Perspektive man es sieht: Alles kann man sowieso nicht haben, aber soweit es sich vorab sagen lässt, gibt es im reichhaltig und vielfältig anmutenden Angebot viele Gelegenheiten für neugierige Streifzüge durchs Programm und daher mehr als genug berechtigten Anlass zur Vorfreude!

COLD FISH war tatsächlich der einzige Film des diesjährigen Fantasy Filmfestes, den alle vier Teilnehmer der ET-Wertungstabelle gesehen haben – und nachdem ihn auch noch alle vier toll fanden, schmückt er nun folgerichtig diesen endlich abgeschlossenen Beitrag, der nach Ende des Festivals und einer obligatorischen Verzögerungspause nun mit einer letztmalig aktualisierten und alphabetisch umsortierten Wertungstabelle sowie einem ausführlichen Fazit von zwei der Wertungsteilnehmer abgerundet wird.

Wie schon letztes Jahr gab es also auch dieses Jahr wieder eine kleine Wertungstabelle zum Fantasy Filmfest, die während das Festival (u.a.) in Nürnberg und München gastierte, von 25.8. bis 7.9., laufend aktualisiert und hinterher abgeschlossen wurde. Diesmal mit vier Teilnehmern: Andreas, Christoph, Marian und Sano. Als kleines Warm-Up gibt es außerdem zunächst noch nachgereichte Wertungen zu den diesjährigen Fantasy Filmfest Nights, und in der Tabelle selbst wird diesmal nicht zwischen “schon auf anderen Festivals gesehen”, “zuhause gesehen” und “tatsächlich beim Fantasy Filmfest gesehen” unterschieden, im Fazit wiederum werden aber zumindest erstere sicherlich ausgeklammert… Und es versteht sich natürlich von selbst und ist recht offensichtlich, dass das Wertungssystem von den Teilnehmern teils sehr unterschiedlich ausgelegt wird, die reinen Zahlen also nicht eins zu eins vergleichbar sind.

Legende:
- = wegen äußerer Umstände (technische Probleme etc.) nicht oder nicht adäquat gesehen
x = wegen eigener Verfassung (Müdigkeit etc.) nicht wirklich zu beurteilen
# = abgebrochen bzw. vorzeitig den Saal verlassen.


Fantasy Filmfest Nights 2011:

Fantasy Filmfest 2011:

Abschließendes Fazit zum Festival:


***


Andreas

Das Fantasy Filmfest 2011 ist vorbei, und wenn man über eine Woche später noch einmal zurück blickt, gab es wie meistens erfreuliche und weniger erfreuliche Seiten. Fangen wir mit den eher enttäuschenden Aspekten an, und gerade mit Blick auf die Programmauswahl insgesamt ist oft natürlich der Frust des Einen die Freude des Anderen und umgekehrt.
Rein nominell fällt erst einmal auf, dass sich – und diese Quote war in den letzten Jahren ohnehin meist nicht sehr hoch, scheint mir aber noch einmal ein wenig gesunken zu sein – nur neun Produktionen ohne deutschen Verleih im rund 65 Langfilme umfassenden Programm des FFF 2011 befinden (AMERICAN TRANSLATION, CHILLERAMA, GRAVE ENCOUNTERS, IN YOUR HANDS, ON THE ICE, RABIES, REPEATERS, THE REVENANT, SUICIDE ROOM). Das ist an sich nicht weiter schlimm, weil die meisten anderen FFF-Filme trotz Verleih dann hierzulande nicht im Kino, sondern direkt im DVD-Regal landen, das Festival also häufig – und natürlich vor den regulären deutschen Veröffentlichungsterminen – die einzige Möglichkeit bietet, sie auf der großen Leinwand zu sehen, wo zwar beileibe nicht alle, aber doch einige auch hingehören. Die weitgehende Orientierung am deutschen Verleiherangebot schmeckt aber doch immer auch ein wenig nach verpassten Chancen, wenn man Festivals eben auch als Orte des Entdeckens jenseits des ohnehin kommerziell Vermarktbaren begreift – was das FFF ursprünglich auch ausdrücklich war (seinerzeit natürlich im Angesicht der ungleich schwereren Zugänglichkeit von internationalen Video-Veröffentlichungen, unzensierten Fassungen und Originalsprache), während es durch diese Tendenz zumindest in Teilen zum verlängerten Arm der Verleiher und zur Preview-Abspielstation von deren Heimvideokatalog zu werden droht. Und gleichzeitig bei den Filmen ohne Verleih in einigen Fällen etwas rätselhaft ist, warum man sich unter den unzähligen Alternativen ausgerechnet für diese entschied – eine so schöne wie unerwartete und durchaus gewagte Überraschung in der Auswahl wie AMERICAN TRANSLATION ausdrücklich ausgenommen.
Grundsätzlich darf aber schon die Frage gestattet sein: Warum nicht mehr ungewöhnliche Filme abseits der ausgetretenen Pfade und Länder, etwa aus der Türkei, Indonesien oder dem Kongo? Es gibt sie, so ist es nicht. Und ich meine gar nicht mal völlige Obskuritäten, sondern durchaus Filme, die auch auf internationalen Festivals und als Import-DVD auftauchen. Und im Gegensatz zu manch größerem Titel z.B. aus dem Cannes-Programm, um den sich das FFF nach eigener Aussage vergeblich bemühte, käme man dort sicherlich auch zum Zuge. Ganz konkret könnte man auch die Frage stellen, warum man aus dem Berlinale-Programm mäßig passende Filme wie THE MORTICIAN 3D, SUICIDE ROOM oder ON THE ICE zeigt, anstatt von dort optimalen und erfrischend umgesetzten Genre-Stoff wie VAMPIRE oder VIVA RIVA (da gäbe es sogar schon eine deutsch untertitelte Kopie!) oder auch die mir zwar noch unbekannten, aber zumindest Geschmacklosigkeiten versprechenden THE DEVIL’S DOUBLE oder GANDU auszuwählen? Und natürlich HEAVEN’S STORY, dessen 5-stündige Laufzeit sowohl finanziell als auch logistisch eine Integration ins FFF-Programm zugegebenermaßen natürlich sehr schwer macht.
Überhaupt wirken die Vorstöße in den Arthouse-Bereich immer wieder eher unmotiviert und willkürlich, ein Konzept oder eine kuratorische Handschrift lässt sich dabei kaum erkennen, was gerade im Zusammenspiel mit den ungenutzten Chancen in der Kernkompetenz des Genrekinos bedauerlich ist. Natürlich ist das FFF als kommerzielles Festival nicht mit den gleichen Maßstäben wie ein stark subventioniertes Großstadtfestival zu messen, zudem kämpft es sicherlich auch mit der mangelnden Aufgeschlossenheit von größeren Teilen seines Stammpublikums gegenüber allzu herausfordernden und experimentierfreudigen Filmen, selbst innerhalb von Genre-Strukturen (das zeigt sich ja schon an der Ablehnung, die etwa bereits ein KILL LIST in diesen Kreisen erfahren hat und bezeichnenderweise in keiner einzigen Stadt unter die Top-3 beim „Fresh Blood“-Wettbewerb kam). Ein bisschen mehr Wagnisse und wirkliche Abseitigkeiten würde man sich gerade in den Slots, die stattdessen oft mit formelhaften Standardthrillern aufgefüllt werden, allerdings dennoch wünschen.
Ein wenig verwundern kann zugleich schon, dass ein durch sieben deutsche Städte tourendes Festival, das dementsprechend zumindest in den Primetime-Vorstellungen ein enormes Publikumspotenzial hat, dann offenbar doch immer wieder große Probleme hat, an die namhafteren unter den gewünschten Filmen zu kommen. Ob man hier die eigenen Pfunde nicht ausreichend in die Waagschale wirft, schlicht ein Imageproblem hat oder man sich tatsächlich einfach an befremdlichen Strategien von Vertrieben und Verleihen vergeblich die Zähne ausbeißt, bleibt letztlich Spekulation. Ziemlich beschämend ist es darüber hinaus aber schon, dass es das Festival noch nicht einmal im 25. Jubiläumsjahr für nötig hielt, wenigstens mit einer kleinen Retrospektive der eigenen Historie, der Festivaltradition und dem Genrekino der vergangenen Dekaden Tribut zu zollen. Es müssten ja gar nicht schweineteure restaurierte Import-Kopien sein, es gibt durchaus günstige Alternativen, die gleichzeitig sicherlich nicht weniger publikumsträchtig wären als so manch aktueller Lückenfüller (im Gegenteil erlebt man immer wieder, dass bestimmte Klassiker auf anderen Festivals regelrechte Publikumsmagneten sein können). Und es geht letztlich auch einfach um die Geste, die von einer solchen Retro ausgeht. Aber das ist eben auch eine Frage des Wollens und der Präferenzen, und was auch bei eingeschränktem Rahmen möglich ist, bewies etwa das derzeit auf Eis gelegte Asiafilmfest München in allen fünf Jahren seines Bestehens. Ohnehin nur neidvoll blicken kann man indes aufs Ausland, wo sich nahezu jedes größere Genrefestival umfangreiche und oft auch einfallsreiche Retro-Sektionen leistet.
Aber genug des Gemeckers – denn hat man sich einmal mit oben genannten Abstrichen abgefunden, bereitet das Festival alles in allem doch immer wieder einiges Vergnügen. Zwar waren in meiner Auswahl auch dieses Jahr einige üble Gurken und Enttäuschungen dabei, die insgesamt aber von einer ordentlichen Handvoll wirklich sehenswerter Filme wieder ausgeglichen wurden. Im Gesamten auf jeden Fall eine durchaus zufriedenstellende Ausbeute, vielleicht noch einen Tick stärker als 2010 und auf jeden Fall deutlich vor dem schwachen 2009er-Jahrgang (der mit THE SKY CRAWLERS dafür allerdings den m.E. besten FFF-Film der letzten Jahre zu bieten hatte, und mit dem herrlich humorlos-stumpfen MACABRE das genuinste, ausnahmsweise tatsächlich dem Begriff gerecht werdende guilty pleasure). Wirklich schwach war 2011 allerdings die asiatische Sektion besetzt, zwar mit einzelnen Höhepunkten, aber eben mit mangelnder Breite und Vielfalt – und auch rein zahlenmäßig dürften sechs Filme den einsamen FFF-Negativrekord der einst so blühenden Focus-Asia-Reihe darstellen. Auf der positiven Seite unbedingt hervor zu heben ist wiederum die Festival-Treue zu Regisseuren wie Ti West oder Lucky McKee, deren neue Werke zu meinen Favoriten gehörten.
Erfreulich auch, dass sich mittlerweile ein gewisser Standard bei den früher oft sehr problematischen Digitalprojektionen des FFF etabliert hat, auch wenn einige Pannen und unnötige, selbst verschuldete Schlampigkeiten (siehe Sanos Fazit) den Sorgenkind-Charakter des Technik-Umstiegs noch immer nicht ganz in den Griff bekamen. Überhaupt machte sich fast noch stärker als bereits bei der Berlinale und beim Filmfest München nun beim Fantasy Filmfest die Verlagerung von analoger auf digitale Projektion bemerkbar. Wurden bislang und auch noch jüngst bei den Nights die große Mehrheit der Film von 35mm projiziert (was eigentlich ohnehin verblüffend war und dem entsprechenden Engagement und der Präferenz der Festivalmacher zu verdanken ist – wie auch dieses Interview mit Festivalleiter Rainer Stefan bestätigt -, das muss bei der Gelegenheit auch gesagt werden), sank dieser Anteil schlagartig nun auf nur noch rund die Hälfte der Filme und wird wohl bald die absolute Ausnahme darstellen.
Dementsprechend schwierig gestaltet sich dann auch, um hier gleich auf meine jüngst etablierte Festival-Awards-Vergabe einzuschwenken, die Vergabe des Materialfetischisten-Awards. Letztes Jahr wurden tatsächlich noch fast alle von mir gesehenen Filme von 35mm gezeigt, und selbst bei einem nicht sonderlich gemochten Film wie THE KILLER INSIDE ME war das Kinoerlebnis auch unter diesem Gesichtspunkt ein echter Zugewinn, während ich bei Digitalprojektionen von bereits auf Heimvideo-Medien verfügbaren Filmen dann manchmal eben doch eher überlege, ob sich das auch nicht gerade günstige Eintrittsgeld lohnt, oder es auch eine Sichtung zuhause tut (bei COLD FISH z.B. habe ich mich aber, obwohl der Film bereits zuhause lag, für die digitale Kinosichtung entschieden und es nicht bereut, oft ist es dann halt doch eine Frage des Einzelfalls – und freilich besteht auch für mich das Kinoerlebnis nicht nur in einer Materialfrage…). Wäre letztes Jahr also der Materialfetischisten-Award eine klare Dreier-Vergabe an AMER, OUTRAGE und vor allem an den, wenn man mit seinen sentimentalen Anflügen und dem nicht sonderlich originellen Plot kein Problem hat (was von seiner Scope-Kinetik und dem ungemein würdevollen Blick auf die gealterten Heroen spielend wett gemacht wird), zumindest im Kino zum Heulen schönen GALLANTS gewesen (mit KILLER INSIDE ME als Runner-Up), kämen dieses Jahr eigentlich nur DON’T BE AFRAID OF THE DARK und ATTACK THE BLOCK wirklich als Kandidaten in Frage, womit sich Eröffnungs- und Abschlussfilm als durchaus lohnende Kinoerlebnisse bewährt hätten, wenn auch beide nicht ganz auf Augenhöhe mit den drei Vorjahres-Siegern.
Und wo letztes Jahr beim Pixelforscher-Award mit MONSTERS, RUBBER und THE LOVED ONES drei jeweils auf recht unterschiedliche Weise tolle digitale Filme sich die Auszeichnung geteilt hätten (seinerzeit sogar auch noch alle drei von 35mm projiziert, was jeweils prima funktionierte – ganz im Gegensatz zum grässlich aussehenden „Fake-Film“-Film LOVE CRIME –, wie mir überhaupt der umgekehrte und leider zukünftig dominierende Weg von 16mm/35mm-Dreh zu Digitalprojektion mittlerweile deutlich problematischer erscheint, mit THE DEAD und THE INNKEEPERS gab es dieses Jahr auch zwei Beispiele, bei denen man sich wirklich eine 35mm-Projektion gewünscht hätte, was letzteren dann vermutlich auch zum Materialfetischismus-Award-Kandidaten gemacht hätte, was so leider ausgeschlossen ist), gibt es 2011 mit F zumindest einen absolut bemerkenswerten Pixelforscher-Award-Preisträger (der zugleich auch insgesamt wohl die unverhoffteste positive Überraschung aller von mir gesehenen FFF-Filme war), wobei zudem auch COLD FISH und A HORRIBLE WAY TO DIE eine lobende Erwähnung gebührt. Eine Einschätzung, die freilich von vielen nicht geteilt wird, aber während eine glatte, sterile, hochauflösende HD-Oberfläche sicherlich bei entsprechendem Einsatz auch ihre Reize haben kann, ebenso wie der bewusst tiefenunscharfe Fotokamera-Look eines RUBBER mir sehr gefällt (was einige auch ganz anders sahen), finde ich gerade die Grenzbereiche eines niedriger auflösenden, verrauschten, pixelnden, mit Schärfeebenen und Fokus experimentierenden Digitaleinsatzes dann doch oft spannender als die manchmal eher klinische HD-Glätte.
Bliebe abschließend noch der Fantasy-Sleaze-Award, der letztes Jahr an REYKJAVIK WHALE WATCHING MASSACRE (oder zumindest an dessen saftige erste Hälfte) ging, während es dieses Jahr mit Sion Sonos blutroter und bitterböser Killer-, Kapitalismus-, Gesellschafts- und Familien-Satire COLD FISH einen wahrhaftig haushohen Sieger gibt, dessen brachiale schlüpfrig-schmierige Entgleisungen selbst das Hofbauer-Kommando sprachlos, beinahe überrumpelt, erschlagen, aber zutiefst beglückt zurück ließen. Unbedingt zu erwähnen auch die denkwürdige Performance von Sean Bridgers in THE WOMAN – eine vergleichbar widerwärtige Figur konnte dann noch nicht einmal COLD FISH aufbieten. Schon jetzt kann jedenfalls als gesichert gelten, dass sich die prächtig gedeihende Jahresliste des Hofbauer-Kommandos mit beiden Leistungen noch eingehender befassen wird.
Die beißende Gesellschaftskritik eines COLD FISH steht dabei nicht alleine da, denn wie jüngst auch im (vierten Teil vom) TIFF-Roundtable des Filmmagazins Cinema Scope hinsichtlich KILL LIST vermerkt wurde, scheint das Potenzial des Genre- und insbesondere Horrorkinos als politische Allegorie, wie es gerade in den 70ern einige Filmemachern in mitunter subversiver Weise zu nutzen und gestalten wussten, nun mit Filmen wie KILL LIST und THE WOMAN, aber auch F, THE DEAD oder THE YELLOW SEA langsam wieder verstärkt entdeckt zu werden. Und das erfreulicherweise zumeist nicht als aufdringliches Themen- und Thesenkino, das mit Aussagen und Botschaften um sich schmeißt, sondern (wenn auch jeweils sehr unterschiedlich) in einer komplexeren, subtileren, impliziteren, abstrakteren Weise, die sich auch vor roher Energie nicht scheut, ohne dabei in plattes Phrasendreschen abzugleiten.

Was gibt es sonst zu sagen? Im Fazit bin ich leider kaum näher auf einzelne Filme eingegangen, habe aber zumindest zu Beginn des Festivals versucht (was leider wie letztes Jahr nach wenigen Filmen wieder versandet ist, eventuell werde in den nächsten Tagen noch was nachtragen), wenigstens zu ein paar Filmen einige Zeilen als Kurzkommentar im STB zu hinterlassen, weil sich in schnöden Wertungszahlen ambivalentere Haltungen bekanntlich kaum abbilden lassen.
Und nachdem kürzlich auch das Gerücht verbreitet wurde, dass es eventuell noch vor dem Jahreswechsel einen zusätzlichen FFF-Abend geben könnte (mit einer HALLOWEEN-2-Preview und einem einmaligen Asien-Special in einigen Städten gab es in der Vergangenheit bereits Versuche in dieser Richtung), kann man eigentlich nur hoffen, dass es tatsächlich dazu kommt, weil gerade die große Lücke zwischen dem Sommer-Festival im August, das etwas unglücklich mit dem britischen FrightFest kollidiert und kurz vor den Festivals in Toronto und Sitges angesiedelt ist, so dass dem FFF auch aus diesem Grund der Zugang zu manch ganz aktuellem Film verwehrt bleibt, und den erst im März stattfindenden FFF-Nights damit ein wenig überbrückt würde – und sich dafür einige größere Filme, mit denen es im Sommer noch nicht geklappt hat (von THE THEATRE BIZARRE über THE RAID bis zu LIVID oder LIFE WITHOUT PRINCIPLE), sehr naheliegend anbieten würden. Wäre jedenfalls eine begrüßenswerte Ergänzung zu den beiden etablierten jährlichen FFF-Veranstaltungen im Frühjahr und Sommer.

Außerdem wie gehabt die Tops & Flops in Listenform, wobei ich AMERICAN TRANSLATION und THE VALDEMAR LEGACY ausgeklammert habe, da bereits auf anderen Festivals gesehen.

Top 5:

1. THE INNKEEPERS (Ti West)
2. COLD FISH (Sion Sono)
3. THE WOMAN (Lucky McKee)
4. KILL LIST (Ben Wheatley)
5. F (Johannes Roberts)

Runners-Up: YELLOW SEA, ATTACK THE BLOCK, SUPER, A HORRIBLE WAY TO DIE.

Flop 3:

1. THE DIVIDE (Xavier Gens)
2. HESHER (Spencer Susser)
3. REPEATERS (Carl Bessai)

***

Sano

Dieses Jahr war für mich wohl eines der besten Fantasy Filmfeste. Ich habe zwar mit 11 Filmen mal wieder nur die Hälfte von dem was ich eigentlich sehen wollte geschafft, werde jedoch vieles sicher noch auf DVD und Blu-Ray nachholen können (dabei freue ich mich besonders auf THE INNKEEPERS und THE WOMAN). Der Nachteil, dass das FFF-Programm die letzten Jahre über einfallsloser und kommerzieller zu werden scheint, wird dann zu einem Vorteil, da man fast bei keinem der Filme mehr befürchten muss, dass sie in der langen medialen Auswertungskette nirgendwo einen Platz finden werden. Vieles hat dann sogar noch einen regulären deutschen Kinostart vor sich. Da das Fantasy Filmfest seine Rolle als Entdecker von internationaler Filmkost somit endgültig aufgegeben zu haben scheint, ist es auch einfacher geworden, sich über die Filme bereits im Vorfeld ausgiebiger zu informieren oder sie bereits gesehen zu haben (bei mir geschehen mit COLD FISH, den ich bereits auf der Nippon Connection auf der Leinwand bewundern durfte, und somit auf dem FFF einfach noch ein weiteres mal genießen konnte).
Daher höre ich auch endgültig mit meinen Lamenti zur abgesetzten Retro auf – obwohl es diesmal wieder einmal bezeichnend und ein wirkliches Armutszeugnis war, dass nicht einmal zum 25. Jubiläum irgendeine Klassiker-Veranstaltung durchgeführt worden ist – und wundere mich ebenfalls auch nicht mehr darüber, dass das Fantasy Filmfest wohl immer weniger Zugang zu sperrigeren Werken der Filmkunst bekommt. Man ist dann vermutlich einfach nur glücklich, dass es eine solche Veranstaltung (noch) gibt.
Dieses Jahr war für mich wie das letzte deshalb vor allem dadurch gekennzeichnet, dass ich keine miesen Filme über mich ergehen lassen musste. Dem einzigen potentiellen Kandidaten (das existentialistische Drama 22ND OF MAY von Koen Mortier, der davor den feinen EX-DRUMMER gedreht hat), habe ich mich zunächst nach ca. 20 Minuten bewusst durch ein kleines Nickerchen entzogen, um dann nach Erwachen nach weiteren 10 Minuten einfach den Saal zu verlassen. Was soll ich sagen: es hat sich gelohnt, die Folter blieb aus, und über den Film kann ich jetzt auch nicht wirklich was sagen (und somit auch nichts schlechtes). Ärgerlich waren aber diesmal zwei technische Reinfälle der besonderen Art. Nachdem mir (und Andreas) die hundsmiserable digitale Projektion von HOUSE OF THE DEVIL bei der vorletzten Ausgabe 2009 den Filmgenuss deutlich verbrämt hat, ist an den digitalen Vorführungen des Fantasy Filmfests inzwischen (zumindest in Nürnberg, wo ich die letzten Festivaljahre verbracht habe) nichts mehr auszusetzten. Fast nichts mehr… Denn man glaubt es kaum: einige der Filme wurden in Nürnberg in den Sälen, in denen sie laufen sollten, vorher nicht getestet. Das heißt, man übernahm einfach die Einstellungen aus den vorherigen Spielstätten der Städte, in denen sie bereits gezeigt worden waren, und hoffte darauf, dass bei der Vorführung im auserkorenen Saal in Nürnberg schon alles laufen würde. Fehlanzeige. Die Generalprobe einfach auszulassen, kann sich nämlich als unlösbares Problem herausstellen. Eine Tatsache, der sich jeder Kinovorführer (auch heute noch) bewusst ist. Von daher ist es schon als sehr fahrlässig zu bezeichnen, dass das Team vom Fantasy Filmfest sich (wohl aus Zeitgründen und Transportengpässen) den Test am zahlenden Zuschauer geleistet hat. Wenige schien das wirklich zu stören – vielleicht ist das FFF-Publikum aber auch einfach ein sehr geduldiges – und kaum einer hat sich beschwert. Jedenfalls bei den zwei Vorstellungen, bei denen ich dabei war. Nichtsdestotrotz ist so etwas nicht nur ärgerlich, sondern im Prinzip völlig unnötig. Diesen Aufwand (zu testen, ob man Filme im vorgesehenen Saal überhaupt adäquat präsentieren kann) MUSS sich ein Festival einfach leisten können, denn dass die Vorführbedingungen stimmen ist der Grund- und Minimalanspruch, den ein jedes Festival zu erfüllen hat (neben der Voraussetzung, dass die Filme selbst da sind). Man stelle sich vor ein Musikfestival würde einen Liveauftritt komplett aus der Konserve begleiten, oder bei einer CD-Release-Party wäre der Klang nur in MP3-Qualität zu genießen.
In der Hoffnung, dass so etwas in Zukunft nicht mehr passieren wird, widme ich mich daher endlich den positiven Dingen: Den Filmen. Und den guten bis sehr guten digitalen wie auch analogen Projektionen, die man dieses Jahr durchweg loben muss. Weiter so. Ich bin euch wirklich dankbar. Wirklich! Kein Gemeckere: Alles war prima. Aber zurück zu den Filmen. Wie gesagt, habe ich mal wieder viel zu wenig gesehen. Dass aber gleich zwei neue Lieblingsfilme unter meinen Kandidaten sein sollten, hätte ich nicht gedacht. Zu COLD FISH habe ich nicht viel zu sagen. Wurde schon genug drüber geschrieben, und Sion Sono scheint sich nach LOVE EXPOSURE endgültig befreit zu haben, sowie eben im Kreis der Meisterregisseure der Gegenwart angelangt zu sein. AMERICAN TRANSLATION war für mich hingegen eine Entdeckung aus dem Nichts. Im Voraus bereits von ET-Kollege Andreas mit Lob bedacht, musste ich mich dennoch persönlich überzeugen lassen, ob der Film was für mich sein könnte. Und ob er das konnte! [Man mache sich jetzt auf allerlei Klischee-Sätze gefasst.] AMERICAN TRANSLATION behandelt das Serienkiller-Motiv auf eine so frische, unverbrauchte und beiläufige Weise, wie ich das im Kino bisher noch nicht erlebt habe. Man ist es ja schon gewöhnt, dass inzwischen meist auf den moralischen Zeigefinger verzichtet wird, und auch der Horror und Schrecken dieser Taten weichen teilweise bereits anderen Interessen (siehe auch COLD FISH). Aber das ein Film, bei dem es im Grunde um nichts anderes geht, der seine ganze Berechtigung und Energie aus diesen Morden zu ziehen versucht, eben (auch) eine ganz andere Geschichte erzählt, etwas anderes als das “eigentliche” Thema in den Vordergrund stellt: das ist dann doch schon äußerst bemerkenswert. Wenn die Morde nicht wären, es könnte um alles mögliche gehen. Liebe, Freiheit, Macht, Wahnsinn, Jugend, Politik, und was in AMERICAN TRANSLATION sonst noch angerissen oder ausgiebig bebildert wird. Nach anfänglichem Glückstaumel musste ich nach 30 Minuten (nachdem die Serienmordthematik sich dennoch auf ihre Weise in den Vordergrund drängt) zwar zumindest ein wenig auf den Boden der Tatsachen (und Filmkonventionen) zurückkommen, aber der Film macht im Grunde nichts falsch und ist auch von seinem Ende betrachtet konsequent großartig. Dass er zudem am Ende mit erklärenden Schrifttafeln aufwartet (etwas, das in 99% der Fälle scheitert und einem Film meiner Meinung nach nur schaden kann), diese jedoch für die Klasse des Films sprechen, und ihm sogar noch zuarbeiten, macht den Film für mich schlussendlich zu einem Phänomen. Mehr davon würde man sich wünschen, aber woher? Schule wird Arnolds und Barrs Konzept und Stil wohl nicht machen (und ist auf den ersten Blick betrachtet beileibe auch nichts Neues – man möchte manchmal fast Epigonentum entdecken, wäre es in Wahrheit nicht die reinste Cinephilie), daher bleibt nur die Hoffnung auf weitere Filme der beiden, und die Tatsache, dass sie ja schon einige gemeinsame (und auch individuelle) Projekte in ihrer Filmographie vorzuweisen haben, die ich jetzt mit besonderer Vorfreude aufsuchen werde. Eines sollte aber noch auf jeden Fall erwähnt werden, und sollte (und könnte eventuell) auch Schule machen. Dass ein Regisseur auch sein eigener Kameramann sein kann (siehe z.B. James Benning, Heinz Emigholz, Peter Hyams, oder Tarantino bei DEATH PROOF).
Bevor ich jetzt zu meinem letzten FFF-Highlight komme, aber noch ein paar allgemeine Anmerkungen zu manch anderem Film. Toll fand ich zum Beispiel noch Fred Cavayés POINT BLANK. Ein Actionfilm, der fast ausschließlich auf Action setzt und diese nur rudimentär mit Dingen wie Figurenzeichnung, Plot und sonstigem Firlefanz ausgestaltet. Dass ich den Protagonisten und seine Frau unsympathisch und uninteressant fand, die Handlung völlig konventionell und vorhersehbar daherkam, etc. etc. – das alles verlor für mich an Bedeutung, da der Regisseur formal wie inhaltlich vor allem auf die Inszenierung der Bewegungssequenzen aus war. Die Figuren entwickelten sich somit eben auch (und eigentlich primär) aus den Actionszenen selbst, wurden durch sie charakterisiert und vertieft, und die Handlung war die Action. Ohne sie, wäre der ganze Film nur ein aufgeblasener Furz. Sie sind das Herzstück. Aber ein Herzstück das tatsächlich auch den größten Raum einnimt und auch von der reinen Laufzeit des Films betrachtet klar die qunatitative Oberhand behält. Eigentlich für einen Actionfilm nichts besonderes, scheint dieses Tugend heutzutage bereits antiquiert zu sein. Wie ein Bekannter neben mir nach der Sichtung in etwa verlautbaren ließ: Wenn Blockbusterkino immer so aussähe, wäre ich Stammgast im Multiplex.
Des weiteren war über weite Strecken die formale Gestaltung des Paranoia-Films F ein absolutes Highight. Zwar im Endeffekt für meinen Geschmack doch wieder zu viel Handlung (ich bin, wie man inzwischen gemerkt haben könnte, Anhänger dieser Sichtweise), was aber nur dem Film “als ganzes” schadet. Sehenswert ist er daher durchaus. Und manch einer wird ihn sicher auch anders betrachten als ich (meiner Meinung nach ein im Ansatz interessanter Aliens als Bodysnatcher Endzeitplot auf ein Schulgelände verdichtet).
Ansonsten gab es solide bis zufriedenstellende Genre- und Arthousekost mit teilweise großartigen Ansätzen und Ideen, die sich aber formal (z.B. In YOUR HANDS, HAIR OF THE BEAST) oder inhaltlich (z.B. PERFECT SENSE, THE DEAD) nicht wirklich über Allgemeinplätze und Klischeebilder hinwegzusetzen vermochte. Lediglich die Kameraführung von THE DEAD möchte ich an dieser Stelle noch hervorheben, die vor allem in der ersten Hälfte durch das inzwischen leider allgegenwärtige und überstrapazierte, “Nähe”-evozierende und an den Gesichtern und Körpern klebende Konzept der klaustrophobischen Gestaltung seiner Endzeitstimmung adäquaten Ausdruck verleihen konnte. Ob das alles so gewollt war mal dahingestellt, habe ich mich selten bei einem modernen Horrorfilm so unwohl und beklommen gefühlt. Danke dafür.
Schlussendlich möchte ich aber auch noch ein paar Worte über meinen dritten FFF-Favoriten THE YELLOW SEA verlieren. Ein in Konzept und Ausführung bewunderswertes Wagnis eines Überblicks über das (kommerzielle) südkoreanische Filmschaffen der letzten 15 Jahre, als hintergründiger und selbstironischer Blockbuster voller Verweise, Zitate, Hommagen aber auch Parodien an seine Vorgänger gestaltet, setzt er nicht nur ein Fazit sondern gibt auch einen Ausblick über die unerschöpflich scheinenden Potentiale des südkoreanischen Mainstreamkinos. Wenn man THE YELLOW SEA glauben schenkt, sieht die Zukunft der heimischen Filmproduktion rosig aus. Das südkoreanische Filmwunder hätte somit erst begonnen. Für jemanden wie mich, der zwar vergleichsweise wenig gesehen hat, aber bisher von der Annahme ausging, dass sich der Boom und die innovativen Kräfte nach 2004, 2005 wieder zurückentwickelt hätten, und wir einer Stagnation und einem möglichen Ausklang der eigenständig-nationalen Potentiale der südkoreanischen Filmindustrie engegenblicken, birgt THE YELLOW SEA den Beweis und die Hoffnung, dass dem nicht so ist, und es auch noch für die kommenden Jahrzehnte nicht der Fall werden muss. So macht Industriekino wirklich Spaß (und zeigt dem in dieser Hinsicht längst dahingesiechten Hollywoodfilm zum wiederholten Mal auf, wie man es wirklich machen sollte). Ich muss jetzt unbedingt Hong-jin Nas Vorgängerfilm THE CHASER sehen, und bekomme noch einmal Lust mich durch meine 30, 40 ungesehenen alten Koreaner zu wühlen, die zu Hause noch ihrer Sichtung harren.
Wie auch immer. Ich freue mich schon jetzt auf das nächste Jahr, wenn es wieder heißt: Fantasy Filmfest Nights und Fantasy Filmfest 2012.

Meine Top 3 des FFF 2011:

1. COLD FISH (Sion Sono)
2. AMERICAN TRANSLATION (Pascal Arnold, Jean-Marc Barr)
3. THE YELLOW SEA (Hong-jin Na)

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Bevor im März 2012 das dritte Hamburger “Monster Machen Mobil“-Festival steigt, findet am Samstag, den 3. September 2011, ab 19 Uhr die zweite Ausgabe des kleinen Ablegers “Monster, Gewalt und gute Laune” statt – dank des zunächst weiterhin vom Metropolis (Kinemathek Hamburg) betriebenen und damit zumindest vorerst geretteten existenzbedrohten Savoy-Filmtheaters nun noch einmal auf der dortigen Riesenleinwand. Auf dem Programm stehen FLASH GORDON, GIGANTEN DER VORZEIT und DIE MUMIE DES PHARAO.

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Am Samstag, den 17. September 2011, ab 20 Uhr ist Exploitation-Legende Fred Williamson persönlich im Geheimnisvollen Filmclub Buio Omega in der Schauburg Gelsenkirchen zu Gast. Neben einem Gespräch mit mutmaßlich dem Filmgelehrten Christian Keßler und weiterem Rahmenprogramm werden wohl auch traditionell ein bis zwei Überraschungsfilme aus der Filmografie von Fred Williamson gezeigt.


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Von 29. September bis 5. Oktober 2011 findet in München im Filmmuseum und im Werkstattkino die sechste Ausgabe des ambitionierten, entdeckungsfreudigen und unbedingt lohnenswerten Underdox-Festivals statt, das sich filmkünstlerischen Grenzgängern zwischen Dokumentar- und Experimentalfilm bis hin zur Videokunst verschrieben hat. Konkrete Titel wurden bislang noch nicht bekannt gegeben, man darf aber auf manche Entdeckung von den Festivals aus Rotterdam, Berlin, Marseille, Wien, Pesaro und Brüssel gespannt sein.

Update: Mittlerweile ist das vollständige Programm des diesjährigen Underdox-Festivals veröffentlicht worden.


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Von 7. bis 9. Oktober 2011 findet das 7. Todd-AO 70mm-Festival in der traditionsreichen Schauburg Karlsruhe statt, die sich vor allem mit ihren Widescreen- und 70mm-Festivals in den letzten Jahren regelmäßig um die Wiederbelebung von nahezu verschwundenen kinohistorischen Aufführungspraxen verdient gemacht hat. Besonders erfreulich, dass der Termin sich diesmal im Gegensatz zu den letzten Jahren nicht mit dem Münchner Underdox-Festival überschneidet. Bislang ist nur etwa die Hälfte des Programms bekannt gegeben worden, zu den Highlights darunter zählen eine Zusammenstellung seltener kanadischer 70mm-Kurzfilme, der von einigen Eskalierenden Träumern schon seit Jahren in Karlsruhe erwartete HAMLET (eine der wenigen auf 70mm gedrehten Kinoproduktionen der letzten Jahrzehnte seit dem Niedergang des Formats Anfang der 70er Jahre) sowie ein Vortrag des Kinohistorikers Kevin Brownlow. Auch ein gegenüber der vielfach kritisierten, offenbar grünstichigen und mangelhaft scharfen Berlinale-Kopie noch einmal neu restaurierter Print von WEST SIDE STORY wurde schon vor längerem angekündigt, auch wenn er noch nicht offiziell bei in70mm.com gelistet ist. Insgesamt ist mit rund 10 Langfilmen/Programmblöcken sowie zusätzlichem Rahmenprogramm (Vorträge, Trailer, sowie im Festivalpass enthaltene gastronomische Verpflegung und Get-Together-Bierausschank) zu rechnen. Nicht nur für Materialfetischisten und Technikfreaks, sondern auch ganz allgemein für filmhistorisch interessierte Kinofreunde ein Pflichttermin, um eine der seltenen adäquaten Gelegenheiten, das Königsformat des Kinos auf der großen gekrümmten Cinerama-Leinwand zu erleben, wahrzunehmen.

Update: Mittlerweile ist das vollständige Programm des diesjährigen 70mm-Festivals veröffentlicht worden.


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Und dann steht von 20. Oktober bis 2. November 2011 natürlich noch die Viennale an, fraglos eines der fachkundigsten, vielseitigsten und experimentierfreudigsten Filmfestivals im deutschsprachigen Raum. Während auf der offiziellen Homepage vorerst nur eine vergleichsweise spärliche Anzahl an bereits bekannten Filmen präsentiert wird, findet sich an dieser Stelle eine schön übersichtlich aufbereitete Auflistung sämtlicher bislang bekannt gegebener Programmbestandteile.
Einige Filme habe ich bereits gesehen und kann – wie sich größtenteils auch den Listen zur Berlinale und zum Filmfest München entnehmen lässt – bislang AITA, LE GAMIN AU VÉLO, LE HAVRE, KOI NO TSUMI (GUILTY OF ROMANCE), MUSAN IL-GY (JOURNALS OF MUSAN), OS RESIDENTES, SCHLAFKRANKHEIT, CAVE OF FORGOTTEN DREAMS, UNTER KONTROLLE und ESEL MIT SCHNEE sehr empfehlen – vor allem für OS RESIDENTES freut es mich, der für mich auf der Berlinale eine völlig überraschende und leider weitreichend ignorierte Entdeckung aus dem Nichts war, die nun auch von Wien gewürdigt wird. Abraten würde ich hingegen von HESHER, der mich ebenso wie Miranda July und Nanni Moretti doch etwas im Programm überrascht, aber fraglos sein Publikum finden wird. Ansonsten bin ich auf ohnehin noch dieses Jahr regulär startende Titel wie MELANCHOLIA (der in Deutschland sogar noch vor der Viennale anläuft) und DRIVE weniger scharf, freue mich aber umso mehr vor allem über einige andere Cannes-Titel wie L’APOLLONIDE und TAKE SHELTER (fehlen beinahe nur noch MISS BALA, HORS SATAN, THE ARTIST und THIS IS NOT A FILM), und außerdem besonders über LA VIDA ÚTIL, bei dem ich – nachdem er letztes Jahr wider Erwarten nicht in Wien lief – schon nicht mehr zu hoffen gewagt hatte, ihn noch im Kino zu sehen (sofern der Timetable keinen Strich durch die Rechnung macht), was in diesem Fall wohl besonders schade gewesen wäre. Ein Fall wie dieser unterstreicht einmal mehr die besondere Qualität der Viennale, bestimmte Filme einfach auch mal mit über einem Jahr Verspätung nachzuspielen (sofern sie nicht zwischenzeitlich von der Konkurrenz aus Linz weggeschnappt wurden, wie etwa Vlado Škafars Meisterwerk OCA), wenn sie im Vorjahr versäumt oder übersehen wurden, nicht zu bekommen oder nicht mehr recht unterzukriegen waren.
Die Tributes an Harry Belafonte und Jeremy Thomas finde ich weniger reizvoll als zuletzt Lino Brocka oder Larry Cohen, dafür versprechen die in oben verlinkter Übersicht nicht erwähnten Special Programs mit den Themen “BETWEEN INNER AND OUTER SPACE: Kunst:Räume – Eine Filmschau in sechs Programmen” und “AWAKE AND SING – Die amerikanische Filmemacherin Lee Anne Schmitt” einiges. Ebenso trotz eher enttäuschender Carte Blanche (über die Hälfte der Filme habe ich tatsächlich sogar schon jenseits von Festivals in regulären Kinoaufführungen gesehen) die Retrospektive zu Chantal Akerman, die mich in Erinnerung der wunderschönen 16mm-Kopie von D’EST bei der letztjährigen Berlinale schon in Aussicht auf die Kinoerlebnisse reizt. Auch ihr neuester Film LA FOLIE ALMAYER läuft in Wien und führt natürlich zu der spannenden Frage, welche Filme insbesondere des Venedig-Programms die Viennale bis zur finalen Programmbekanntgabe noch in die Auswahl aufnehmen wird. Mit Lav Diaz darf man, wie aus gut informierten Kreisen zu vernehmen ist, erfreulicherweise wohl durchaus rechnen (hoffentlich auch mit Raya Martins Locarno-Film). Michael Glawogger und David Cronenberg starten ohnehin bereits vor oder kurz nach dem Festival zumindest hierzulande, interessanter wären da natürlich die sicherlich nicht vergleichbar schnell und schon gar nicht regulär im Kino zu sehenden neuen Langfilme von Abel Ferrara, Tomas Alfredson, William Friedkin, Philippe Garrel, Ann Hui, Yorgos Lanthimos, Aleksander Sokurov, Sion Sono, Johnnie To, Amit Dutta, Romuald Karmakar, Amir Naderi, Shinya Tsukamoto, José Luis Torres Leiva oder Ben Rivers. Auch da darf man auf den ein oder anderen, ebenso wie vielleicht ein paar unverhoffte schöne Orrizonti-Entdeckungen, wohl durchaus hoffen. Das vollständige Viennale-Programm wird allerdings erst am 11. Oktober bekannt gegeben.

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Und dann gäbe es da natürlich noch diverse andere Veranstaltungen, die sich vor allem im Oktober dicht gedrängt ballen, seien es die Hofer Filmtage, das Filmfest Hamburg, das Filmfestival der Menschenrechte Nürnberg, das Pornfilmfestival Berlin oder im November das Exground Wiesbaden, um nur ein paar zu nennen (das Münchner Asiafilmfest wiederum wird leider auch in diesem Jahr gänzlich ausfallen), aber ich wollte mich in dieser Übersicht auf einige wenige beschränken, die mir persönlich wichtig sind und die ich guten Gewissens empfehlen kann – und die zudem zum Teil reine Liebhaberangelegenheiten sind, die nur durch entsprechende Unterstützung von Veranstalter- und von Besucherseite überhaupt existieren können.

Nach einem dekadenten „All you can eat“-Mahl in einem chinesischen Restaurant an der Isarbrücke (eine Protestaktion meines Gaumens und Magens gegen die monotone Discountbäcker- und Döner-Tristesse der auslaufenden Festival-Woche) und dem vergeblichen Versuch, unter einigermaßen vor Regentropfen schützenden Lindenblättern auf einer Parkbank ein kurzes Not-Nickerchen zu halten (eine Protestaktion meines Körpers gegen die Festivalmüdigkeit. Der Cinemensch lebt demzufolge immer sehr nah an der Obdachlosigkeit, zwischen der Heimatlichkeit des Kinos.) begab ich mich im immer noch sturzbachartigen Regen und unter anregend aufwallenden Donnerstößen ins Rio zur von mir sehnlich erwarteten Premiere von Dominik Grafs „Polizeiruf 110“-Folge CASSANDRAS WARNUNG. Denn: Spätestens seit der Retrospektive in Nürnberg vor zwei Monaten – sowie der dritten Sichtung seines selbst von seinem Schöpfer tragisch übergangenen und verschütteten Erstlings DAS ZWEITE GESICHT – bin ich Graf endgültig verfallen.





Das Drehbuch von CASSANDRAS WARNUNG geht auf das pralle Konto von Grafs schrillstem Stammautor Günter Schütter und ist die „Bewährungsprobe“ für Matthias Brandt, der beim Münchner Polizeiruf (für den Graf zuvor bereits die beiden absolut anbetungswürdigen DER SCHARLACHROTE ENGEL und ER SOLLTE TOT drehte) die Nachfolge des Ermittlerduos Michaela May / Edgar Selge antritt. Dementsprechend war das Foyer des Rio völlig überlaufen mit TV-Sternchen, Crew, Münchner Schickeria und geiernden Fotografen. Nachdem ich mich endlich unter großem Abscheu in den Kinosaal und zu einem passablen Sitzplatz vorgekämpft hatte, stellte ich zu meinem großen Unbehagen fest, auch dort reihum von Fernsehprominenz umgeben zu sein. Wie sollte ich unter derartigen Umständen unbeschwert die mutmaßlichen Unfassbarkeiten angemessen expressiv genießen? Festivals sind in dieser Hinsicht immer etwas unbefriedigend: So heftig sich die Gefühle auf der Leinwand auch ihren Weg freibrechen, im meist gut gefüllten Kinosaal darf man es ihnen nicht gleich tun, besonders in München, wo sich das Bildungsbürgertum meinem Empfinden nach noch dichter und bedrohlicher zusammenrottet als in Berlin. Trotzdem: Die Güte des Programms, gerade auch und insbesondere im Vergleich zu Berlin, lässt solchen Ungemach vergessen.

Nur wenige Sitze von mir entfernt lassen sich die Hauptdarsteller mit ihrem Regisseur nieder. Ich hätte Graf gerne angesprochen, aber nachdem wir ihn erst im Mai in Nürnberg exzessiv mit unseren Fragen gelöchert hatten – und er natürlich auch von diversen vorbeigehenden Menschen gegrüßt und besmalltalkt wird – schien mir die Gelegenheit unpassend. Direkt hinter mir nimmt Dieter Landuris Platz, der mir sehr alt vorkam, nachdem ich ihn erst vor zwei Wochen wieder in Hans-Christian Schmids 23 – NICHTS IST WIE ES SCHEINT (1998) gesehen hatte.





Die erstaunlich adäquate Digibeta-Projektion lässt schon in den ersten Minuten Grafs charakteristischen, grobkörnig-satten 16mm-Schangel blendend zur Geltung kommen. Der Leichtigkeit dieses Materials, seiner ästhetischen Dichte ebenso wie seine physischen Transparenz, dieser Leichtigkeit (oder „Luftigkeit“, wie er es selbst beschreibt) hält Graf immer noch, inmitten der digitalen Materialvernichtungswelle besonders des Fernsehens, die Treue. Keine HD-Schwere.
Diese ersten Minuten. Sie geben ein unglaubliches Versprechen, dass die folgenden 90 Minuten tatsächlich halten: Graf und Schütter, letzterer offensichtlich einschlägig bewandert, haben endlich ihren „Giallo“ geschaffen.
Der einleitenden Mord: Die subjektive Kamera, andeutungsvolle Zooms auf die gerade noch sichtbaren Beine des Killers im Gebüsch und dissonant-bedrohlich seufzendem Gähnen auf der Tonspur könnten stilechter kaum sein. Zum ersten Mal bleibt es allerdings nicht nur bei vereinzelten Bezügen. Zum ersten Mal hat Graf tatsächlich einen Film gedreht, der in seinem Aufbau, der Streuung und Konstruktion seiner „Setpieces“, seinen Handlung und Figuren treibenden Motiven und atmosphärischen Konstanten mustergültig prägendste Charakterismen der italienischen Psychothriller der 70iger versammelt, bündelt und zu ihresgleichen modelliert.





Nicht nur das. Er hat als deutscher Regisseur mit einer Fernsehproduktion den bislang vielleicht überzeugendsten und immanentesten Neo-Giallo geschaffen, der nahezu alle bisherigen dergestaltigen italienischen (Wiederbelebungs-)Versuche seit 2000 dem Fremdschämen preisgibt.
Kameramann Hanno Lentz, der auch schon Grafs modernes Anti-Sittenmelodram KALTER FRÜHLING (2004) mit voyeuristischem Glanz versah, explodiert. Das erste Drittel des Films: Totale Kinetik. Ruhe- und nahezu pausenlos zoomend, schwenkend, fahrend, rigide schneidend üben er und Graf ihren eigenen Entwurf eines neuzeitlichen, impulsiven Formalismus, der Bewegungsabläufe und die Reaktionen der Figuren aus räumlicher Perspektive Schwindel erregend zusammenrafft, in die Luft wirft, verteilt, arrangiert. Man wünscht sich das inniglich in einen Kinofilm, wie überhaupt gerade Grafs letzte Kriminalfilme wieder mehr und mehr die Frage aufwerfen, wie so etwas sein darf – dass sich genau das nicht auf der Leinwand, sondern nur auf dem Fernsehschirm abspielen kann und darf, hierzulande.
Gut, auf der Tonspur – eine kleine Torheit, tatsächlich Ennio Morricones unheimlichen Kinderchor aus Aldo Lados wunderbarem, melancholischen Giallo und DON’T LOOK NOW-Schwesternfilm CHI H’LA VISTA MORIRE (1972) zu sampeln – natürlich in den Szenen, die um einen rätselhaften Kindermord in den 90igern kreisen. Der wird ganz plötzlich in den Film hineingefegt, bauscht sich für lange Momente zum gespenstischen Gegenstand der Ermittlungen auf, zum Schlüssel in der Vergangenheit, und verschwindet dann einfach wieder, stilecht, wie ein perverser Moderhauch aus einer Bodenritze.





Was Schütter weiterhin an mediterran geprägten Genre-Ingredienzen und exploitativen Wagnissen in sein Drehbuch „geschmiert“ hat, das wäre einige Seiten wert.
Beunruhigend anmutende Fährten, die im mysteriösen Halbschatten bleiben, solange, bis sie unaufgelöst im Nichts verlaufen. Schrille Ausflüge an eigentümliche, von Zeit und Welt überwachsene, überwucherte und isolierte Orte zu eigentümlichen, unerklärlichen Figuren. Archaische Horrormomente, in denen der technisch elaborate Polizeiapparat versagt und sich eine Urangst offenbart, die nur ein Mensch im Dunkel einem anderen Menschen im Licht einjagen kann. Der einzelgängerische Inspektor, dem keiner vertraut. Beziehungsstreitigkeiten, die im überstürzten Versöhnungssex enden. Frauen, die bei Nacht durch nur vom Schein der Straßenlampen spärlich erleuchtete Treppenhäuser gejagt werden. Polizisten, die sich nur in Kaschemmen zuhause fühlen, nach ihrem Feierabend. Abgerissene Wohnblöcke, unter deren Mauern Kinderleichen gefunden werden. Ein Waldhaus, in das ein lautloser Killer durch die Kohlenluke einsteigt. Der Versuch, diesen Killer zu ködern, der in flammenumzüngeltem Chaos endet, einer kreischenden Terrorsequenz. Die dämonische, gesichtslose Unbekannte, die Baudelaire-Zitate als Warnung verschickt. Kriechende Kamerafahrten aus der Froschperspektive, auf futuristisch und plötzlich sehr schuldbewusst anmutende Wohnkomplexe zu…





Ich könnte ewig so weitermachen. Nur der souveräne Kommissar und die von Alma Leiberg zwischen Angriffslustigkeit und geistesungegenwärtiger Unsicherheit gespielte Femme fatale in disguise passen nicht – aber gerade deshalb passen sie besonders großartig. CASSANDRAS WARNUNG ist so absorbiert von seinen Einflüssen und deren Bezügen über mehrere Kinogenerationen hinweg, so reich, dass man die vielen atemberaubenden, filmisch puren Momente unmöglich mit nur zwei Armen halten könnte. Und seinen Reichtum stellt er dabei noch nicht einmal aus. Ich glaube, Graf würde das nie tun. Er lässt den Reichtum beständig durch die Texturen seiner Bilder schimmern und glühen, ein Schimmern und Glühen, dass filmkulturübergreifende Mauern nimmt, wie sie im deutschen Kino von niemandem sonst bestiegen werden. Alle ducken sich davor. Graf und Schütter aber spucken sich in die Hände und springen.
Ekkehard Knörer hat in seinem Text zu KALTER FRÜHLING geschrieben, dass Graf erst in den 2000ern seine eigentliche Meisterschaft entwickelt habe. Ich muss dem aufgrund meiner akuten Verehrung für die Grafschen Kinofilme und meiner Aversion gegen die herkömmliche Definition des Wortes „Meisterschaft“ widersprechen, allerdings für mich persönlich doch auch konstatieren, dass so etwas wie „Meisterschaft“ bei Graf, der diesen Begriff sicherlich immer trotzig-bescheiden von sich weisen wird, erst in seinen Filmen nach DIE SIEGER zu finden ist. Meisterschaft im Sinne von: Furchtlosigkeit, absolutem Selbstbewusstsein, zeitloser Sicherheit, unerschütterlichem Auflaufen gegen die Mühlen, die dem Genrekino von heute nach seinem Aufbegehren trachten, schlafwandlerisches Gespür für den großen Effekt des kurzen Moments. Nach all dem suchen Graf und Schütter nach wie vor. CASSANDRAS WARNUNG hat etwas Jugendliches an sich, etwas Verlangendes. Der Heißhunger ist noch längst nicht gestillt.





CASSANDRAS WARNUNG ist jedenfalls nicht mehr „nur“ ein großartiger Thriller, ein großartiges Stück Genrekino wie etwa Grafs vorherige Polizeiruf-Folgen, CASSANDRAS WARNUNG ist tatsächlich: Die Arbeit eines Meisters. Graf selbst erwähnte, dass man Schütter in seinen „abgedrehten Momenten“ mitunter beinahe etwas zügeln müsse. Davon ist hier, in meinen gierig leckenden Augen, nichts mehr festzustellen. Schütter sind endlich alle Gäule durchgegangen und Graf lässt ihn entspannt gewähren, spielt ihm sogar mit Schalk in die Tasche. Vereint in der Liebe zur Überhöhung des fiktiv Gewöhnlichen, vertrauensvoll auf der Suche nach Gratwanderungen und Überschneidungen filmischer Realitäten und gesellschaftlicher Surrealismen.
Vielleicht sind die individuellen Obsessionswelten der beiden tatsächlich seit dem fiebrigen Noir-Alptraum ihrer „Der Fahnder“-Folge NACHTWACHE nicht mehr so vollkommen und eruptiv miteinander verschmolzen. Der eine scheint die Gedanken des anderen zu lesen und ihnen nachzuhängen, egal ob sie gerade vor der Aufgabe stehen, die Protagonistin ihres Films ihre Weiblichkeit vor versammeltem Ermittlerteam demonstrieren zu lassen, ob sie dieses Ermittlerteam bei einem Besäufnis „off duty“ zeigen müssen, ob sie in einem Suspense-Moment die Entfernung der beteiligten Figuren zwischeneinander auskundschaften oder ob sie Doris Kunstmann als verbitterte, gealterte Polizistin über die „Babykacke“ schwadronieren lassen, in der „München erstickt“. Und von Zeiten, in denen junge Männer ihre Mädchen ausführten und ihnen undergroundige Platten vorspielten.
Das sentimental Nostalgische und das furchtlos Moderne, das offen Absurde und das heimlich Lauernde harmonieren in dem bisher vielleicht aufregendsten deutschen Film des Jahres 2011, LE TRE FACCE DELLA SIGNORA IN VIOLA, bzw. CASSANDRAS WARNUNG, miteinander auf einer kleinen, von der fantasielosen Zitierwütigkeit der Postmoderne unberührten, paradiesischen Insel, weit draußen zwischen den sich inspirativ hebenden und senkenden Wogen des Cine-Ozeans.

Lieblingszitat:
“Angefangen hat es mit Holzschuhen und irgendwann waren wir dann bei Tittenspecht und Ständereule.”





POLIZEIRUF 110 – CASSANDRAS WARNUNG – Deutschland 2011
90 Minuten (TV), 97 Minuten (Filmfest München) – 16mm
Regie: Dominik Graf – Produktion: Cornelia Ackers, Hamid Baroua – Drehbuch: Günter Schütter – Kamera: Hanno Lentz – Schnitt: Ulla Möllinger – Musik: Sven Rossenbach, Florian van Volxem, Ennio Morricone – Darsteller: Matthias Brandt, Alma Leiberg, Ronald Zehrfeld, Anna Maria Sturm, Samir Fuchs, Philipp Moog, Tobias van Dieken, Lena Baader, Gerhard Wittmann, Doris Kunstmann

Ursprünglich hatte ich im Februar nach dem Festival überlegt, in Erwiderung auf Sanos „Warum ich dieses Jahr nicht mehr zur Berlinale gegangen bin“-Beitrag einen „Warum ich dieses Jahr trotzdem wieder zur Berlinale gegangen bin“-Beitrag zu verfassen, der aber gerade keine Verteidigung der Berlinale geworden wäre, sondern nur die persönliche Motivation, trotz allen unbefriedigenden Aspekten weiterhin im Februar zum Filmesehen nach Berlin zu fahren, zu erklären versucht hätte. Allzu ergiebig wäre das aber wohl nicht geworden, denn dass man auf einem großen Festival trotz unerfreulichen Tendenzen schon aufgrund des Umfangs auch immer trotzdem noch das ein oder andere entdecken kann, ist schließlich nicht gerade eine neue Erkenntnis, auch wenn sie vielleicht manchmal etwas untergeht und sich natürlich nicht immer umstandslos anwenden lässt. Denn was ansonsten die Berlinale angeht, hatte ich mich zwar kürzlich auch an dieser Stelle im Vergleich zum Filmfest München bereits geäußert, möchte aber jetzt bei der Gelegenheit noch schnell einen dort nicht explizit ausformulierten wichtigen Aspekt der „Gemischtwarenladen“-Thematik nennen, der eigentlich gerade als Zuschauer und hinsichtlich der eigenen Programmauswahl ganz wesentlich ist: bei einem Nachspielfestival wie München hatten die meisten Filme bereits woanders Premiere, und dementsprechend hat man bei entsprechendem Interesse und der nötigen Zeit & Muße zumindest die Chance, sich genauer darüber informieren und selektieren zu können. Bei einem weitgehenden Premierenfestival wie der Berlinale wiederum ist man viel stärker und wehrloser dem kuratorischen Angebot ausgeliefert, weil die meisten Filme eben vorher nicht woanders schon Premiere hatten und man dementsprechend jenseits bekannter Namen weitaus weniger Möglichkeiten zur eigenen Orientierung hat. Und genau das macht das mangelnde Profil selbst innerhalb vieler Nebenreihen der Berlinale dort in viel stärkerer Weise problematisch. Umso wertvoller sind dann natürlich Vorab- und Live-Berichterstattungen von verlässlichen Stimmen, weshalb man den Perlentauchern & anderen für ihre Arbeit, ihre kurzfristigen Hinweise und vor allem Warnungen gar nicht dankbar genug sein kann. Was dann mit etwas Glück dafür sorgen kann, dass die zumindest teilweise daran orientierte eigene Auswahl zwar im Schnitt vielleicht weniger repräsentativ für das Festival als Gesamtes, aber dafür immerhin zufriedenstellender ausfällt.

Größere allgemeine Anmerkungen spare ich mir ansonsten an dieser Stelle, denn was es zur letzten Berlinale im Großen und Ganzen zu sagen gibt, wurde vorab hier und hinterher hier schon sehr treffend und auch in der nötigen Deutlichkeit von Ekkehard Knörer auf den Punkt gebracht, und dabei auch gleichzeitig recht anschaulich das Feld des im günstigsten Fall zu Erhoffenden und im schlimmsten Fall zu Befürchtenden vermessen. Meine tatsächliche diesjährige Festivalerfahrung finde ich aber dann letztlich doch sehr gut in den Anmerkungen der erst kürzlich veröffentlichen Golden-Donkey-Vergabe der Ferroni Brigade wieder (deren relaxter Umgang mit der vermeintlichen Aktualität des Anlasses natürlich auch motiviert, sich selbst mit so viel Verspätung überhaupt noch aufzuraffen), wenn auch interessanterweise mindestens zur Hälfte anhand unterschiedlicher Filme. Aber ich teile die grundsätzliche Feststellung, dass bei allem zu Recht Kritisierten, und bei aller nervenzerrenden Vorsicht, mit der man sich bisweilen durch das wie ein Minenfeld anmutende Programm manövrieren muss, dann insgesamt diesmal doch merklich ein paar lohnenswerte Entdeckungen mehr als zuletzt dabei waren. Was neben zunehmender Erfahrung im Umgang mit den Eigenheiten des Festivals freilich auch damit zu tun hatte, dass ich mich in den letzten beiden Jahren zur Hälfte in alte Filme geflüchtet habe (obwohl die damaligen Retrospektiven, erst 70mm und dann 60-Jahre-Jubiläum, beide hinsichtlich Rahmen und Konzeption fragwürdig und in manchen Details ärgerlich waren, war es andererseits im Einzelnen dann immerhin doch eine gute Gelegenheit für ein paar tolle Kinoerlebnisse mit teils schon lange aufgeschobenen Filmen), während ich dieses Jahr dann doch vorwiegend neue Filme gesehen habe, und mir vor allem zwei starke letzte Tage dann ein recht erfreuliches Fazit bescherten. Und klar, trotzdem manches verpasst, und anderes mittlerweile beim regulären Kinostart nachgeholt (und hier nicht berücksichtigt). Und den Wettbewerb natürlich abgesehen von gezielten Ausnahmen mal wieder größtenteils gemieden und überhaupt so manche mutmaßliche Qual dank warnender Stimmen zum Glück erspart. Soviel vorab, jetzt zu den Awards und der Liste…


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Der Materialfetischisten-Award für besondere Verdienste hinsichtlich Erhalt, Umgang und Einsatz von klassischem Filmmaterial geht an:

REBOUNCE
BROWNIAN MOVEMENT
THE TURIN HORSE

Das schwarz-weiße 35mm-Material von THE TURIN HORSE lieferte in seiner schroffen Kargheit und spröden Poesie die perfekte visuelle Entsprechung des unentwegten unwirtlichen Windrauschens auf der Tonspur, während die Super16-Scope-Bilder von BROWNIAN MOVEMENT in ihrer körnigen und farblichen Vitalität die ausladende Enge der präzisen räumlich-bildlichen Kompositionen bereicherten. Ganz besonders hervor zu heben ist aber REBOUNCE (FRIT FALD), vielleicht weil er im Gesamten weit weniger beeindruckend als die anderen beiden ausfiel (wenngleich als recht ungezwungenes und flüssig inszeniertes Teenager-Selbstfindungs-Stück gar nicht übel ist), aber in der visuellen Gestaltung schlichtweg eine Wucht war. Ganz von ungefähr kam das nicht, bereits der Vorgängerfilm THE BLESSING der Regisseurin blieb mir vor zwei Jahren beim Filmfest München als zwar dramaturgisch und psychologisch nicht sonderlich überzeugend in Erinnerung, faszinierte aber zugleich ungemein durch seine artifiziellen Super16-Scope-Bilder, die mir wie eine bizarre Mischung aus Dogma 95 und Mario Bava erschienen. REBOUNCE ist insgesamt und dahingehend noch spannender, seine Normal-Super16-Bilder haben in ihrer Farb- und Lichtgestaltung eine atmende, vibrierende Qualität. Es ist nicht zuletzt ein Eldorado für lens-flare-Fetischisten, die hier fast ständig mit bemerkenswerten kristallinen Prismen verschiedener Gestalt beschenkt werden. Neben dem beinahe experimentellen Umgang mit Licht und Beleuchtung ist auch die Palette der Farbgestaltung reichhaltig, die von kräftigen, natürlichen Farben bis hin zu verschiedenen Akzentuierungen mit Sättigung, Beleuchtung und Graduierung eine breite Palette umfasst.
Der Materialfetischiten-Award, das sei allgemein angemerkt, versteht sich als dringende Empfehlung für den geneigten Connaisseur, bei sich bietender Gelegenheit die prämierten Filme unbedingt im Kino und von Film projiziert zu sehen, da sich die der Auszeichnung zugrunde liegenden Qualitäten erst auf diese Weise adäquat bzw. überhaupt nachvollziehen lassen (es werden daher in dieser Kategorie zudem auch nur Filme prämiert, die nicht nur auf Film gedreht, sondern auch werktreu von Film projeziert wurden, sonst wären LOST LAND und JESS + MOSS hier sichere Preisträger). Der “Nichteingeweihte” mag augenrollend schmunzeln, zumal dieser Award, das ist nicht zu bestreiten und berechtigt ihn gleichzeitig eher noch stärker, natürlich angesichts der allgemeinen Entwicklungen immer mehr ein buchstäblicher Kampf gegen Windmühlen ist.


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Der Pixelforscher-Award für bemerkenswerte Verdienste im Umgang mit den Möglichkeiten des digitalen Filmemachens geht an:

CET HOMME
SCHLAFKRANKHEIT

Wobei sich hier eine Auswahl unter einigen diesbezüglich durchaus erfreulichen, aber keinem klar herausragenden Werk nicht ganz einfach gestaltete. Neben den beiden Genannten fand ich auch die eigentümlich verwaschene digitale Textur von THE RESIDENTS bemerkenswert (die hier, wie häufiger bei einem bestimmten Typus von meist eher low-grade-Digitalfilmen, durch den Transfer auf 35mm durchaus einen ganz eigenen Reiz gewinnt), und CAVE OF FORGOTTEN DREAMS ist mir von den gesehenen neuen Digital-3D-Filmen neben THE HOLE und CORALINE bislang der liebste, auch wegen seines unbekümmerten und eigensinnigen Umgangs mit 3D (und nicht nur damit).
Leider eher als digital fail zu erwähnen wäre TWENTY CIGARETTES. Dahingehend möchte ich eigentlich weder dogmatisch klingen noch anhand nur zweier Beispiele mir pauschale Rückschlüsse anmaßen, aber nach SHIRIN ist das nun für meinen Geschmack der zweite auffällige Fall eines „Portraitfilms“, bei dem eine jeweils auch technisch nur bedingt überzeugende, tendenziell kalte, leblose, sterile digitale Optik dann doch in recht herbem und unergiebigen Kontrast zur in den Gesichtern gesuchten Lebendigkeit steht. Es wäre vermutlich Blödsinn (und bestimmt auch schon von anderen Filmen widerlegt) zu sagen, dass Gesichterstudien nur auf Film funktionieren, aber das waren in den letzten Jahren zwei der zum Glück recht wenigen Fälle, wo ich mir statt Video echte Filmbilder – körnig, pulsierend, lebendig, rau – wirklich herbei gesehnt habe wie selten; es wäre m.E. beiden Filmen extrem zugute gekommen. Viel spannender wäre es wohl geworden, wenn Benning diese Idee noch vor seiner Abkehr von 16mm realisiert hätte, auch wenn das natürlich nun auch durchaus nicht der einzige Punkt ist, mit dem ich bei diesem Werk Probleme habe. Daher bin ich vermutlich auch abgesehen davon immer noch viel zu wohlwollend mit beiden Filmen, weil ich jeweils ihre Prämisse und auch einige ihrer konkreten Ansätze so unfassbar großartig finde, dass mich das doch so halbwegs über die Zwiespältigkeit (und im Grunde Enttäuschung) in der Umsetzung als Ganzes und eben auch in der Wahl der Mittel hinweg tröstet, und eben womöglich unverhältnismäßig stark hinweg tröstet. Aber das wird langsam eine recht absonderliche Abschweifung…


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Auch der Jury-Preis des Hofbauer-Kommandos für besondere Verdienste um den Erhalt von (durchaus sehr unterschiedlichen Formen im breitgefächerten Verständnis von) Sleaze wird erneut vergeben:

Der Goldene Sleaze-Bär im Wettstreit der Dokumentarfilme geht an:

THE BIG EDEN

Für u.a. einen duften Typ in Berlin, der nun auch im Alter noch immer als unbeirrbarer Playboy durch nicht nur den Boulevard-Blätterwald rauscht. Und natürlich für einen Dokumentarfilm, der das Faszinosum seines Lebenswandels durchaus zu fassen kriegt.

Der Goldene Sleaze-Bär im Wettstreit der Spielfilme geht an:

VIVA RIVA!

Für u.a. dufte Gangster-Typen im Kongo, die einen auf dicke Hose, in der es ständig juckt, machen – und dabei von immer wieder belobigend hervor zu hebenden, saftig-derben deutschen Untertiteln spritzig unterstützt werden. Gleichzeitig natürlich auch für einen Film, der auch als süffiger und teils ruppiger Genrefilm prächtig unterhält.

Vereinzelt fand das Hofbauer-Kommando auch in weiteren Filmen – wenn auch nicht in vergleichbarer Verdichtung – ungeheure Gefühle, muss jedoch gleichzeitig Versäumnisse hinsichtlich der eigentlich verpflichtenden Begutachtung weiterer Sleaze-relevanter Erzeugnisse wie DEVIL’S DOUBLE oder GANDU einräumen. Zum Ausgleich werden besondere Verdienste bei ersprießlichen älteren Filmen gewürdigt:

Der Ehren-Sleaze-Bär für diverse spritzige Anzüglichkeiten im Gesamtwerk geht an:

Minoru Shibuya

Die Sleaze-Veteranen-Belobigung für zwei nicht direkt zum offiziellen Programm zählende, zur Berlinalezeit in Berlin gesehene Filme geht an:

COMIN’ AT YA! 3D
DAS GEHEIMNIS DER TODESINSEL

Weil Ferdinando Baldi selbst noch bei vergleichsweise harmloser 3D-Unterhaltung in manchen Details immer wieder den perversen Lüstling kaum unterdrücken kann, und weil die TODESINSEL eine herrliche Entdeckung mit der Handschrift Ernst Ritter von Theumers war, der möglicherweise auch hinter der offenbar unaufgelösten Regisseurs-Identität/Pseudonym „Mel Welles“ steckt.


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Sichtungsliste (diesmal, da einfach vom Katalog übernommen, ausnahmsweise mit internationalem & originalem Titel sowie Land und Produktionsjahr)

Neue Filme:

Anmerkung: Eigentlich wäre ein Sonderpreis für THE TERRORISTS und THE RESIDENTS quasi als “true spirit of the has-been-Forum” angebracht, denn solche politisch relevanten und/oder ästhetisch aufregenden Filme sind es eigentlich, die man im Forum zumindest einst hätte erwarten dürfen (während es nunmehr von Festival-Konfektionsware und Halbgarem durchsetzt ist). Heute sind sie dagegen die Ausnahme, wurden beide nur mit drei statt den sonst üblichen vier bis fünf Aufführungen angesetzt, und von den Zuschauern reihenweise vorzeitig verlassen – das sagt schon sehr viel darüber aus, was man mittlerweile im Forum erwarten darf und mit welcher Haltung die Leute offenbar in solche Filme gehen.

10 Favoriten, die für manches entschädigten:

Poo kor karn rai / The Terrorists (Thunska Pansittivorakul – Thailand, D 2011)
Os residentes / The Residents (Tiago Mata Machado – Brasilien 2010)
Vampire (Shunji Iwai – USA, Kanada 2011)
Brownian Movement (Nanouk Leopold – Niederlande, Deutschland, Belgien 2010)
The Host and the Cloud (Pierre Huyghe – Frankreich 2010)
Cave of Forgotten Dreams 3D (Werner Herzog – USA, Frankreich 2010)
A torinói ló / The Turin Horse (Béla Tarr – Ungarn, F, D, Schweiz, USA 2010)
Sleepless Nights Stories (Jonas Mekas – USA 2011)
Viva Riva! (Djo Tunda Wa Munga – D.R. Kongo, Frankreich, Belgien 2010)
Schlafkrankheit (Ulrich Köhler – Deutschland, Frankreich, Niederlande 2011)

Bemerkenswert:

Territoire perdu / Lost Land (Pierre-Yves Vandeweerd – F, Belgien 2011)
Cet Homme (Markus Ruff – Deutschland 2010)
Heaven’s Story (Zeze Takahisa – Japan 2010)
Eine Serie von Gedanken (Heinz Emigholz – Deutschland 2011)
The Big Eden (Peter Dörfler – Deutschland 2011)
Twenty Cigarettes (James Benning – USA 2011)

Gelungen:

Frit fald / Rebounce (Heidi Maria Faisst – Dänemark 2011)
Day Is Done (Thomas Imbach – Schweiz 2011)
Hi-So (Aditya Assarat – Thailand 2010)
Amnistia / Amnesty (Bujar Alimani – Albanien, Griechenland, Frankreich 2011)

Okay:

Swans (Hugo Vieira da Silva – Deutschland, Portugal 2011)
Jess + Moss (Clay Jeter – USA 2011)
Dirty Eyes (Lawrence Weiner – USA 2010)

Mäßig:

Der Preis (Elke Hauck – Deutschland 2011)
De Engel van Doel / An Angel in Doel (Tom Fassaert – Niederlande, Belgien 2011)

Schwach:

Man chu / Late Autumn (Kim Tae-Yong – Republik Korea, HK, China, USA 2010)
Majki / Mothers (Milcho Manchevski – Mazedonien, Frankreich, Bulgarien 2010)
Kampf der Königinnen (Nicolas Steiner – Deutschland, Schweiz 2011)
Halaw / Ways of the Sea (Sheron Dayoc – Philippinen 2010)
Medianeras (Gustavo Taretto – Argentinien, Deutschland, Spanien 2011)

Mies:

The Forgiveness of Blood (Joshua Marston – USA, Albanien, Dänemark, I 2010)
Fjellet / The Mountain (Ole Giæver – Norwegen 2011)


Ältere Filme:

Shibuya-Special (sehr vage nach Wertschätzung geordnet):

Gendaijin / Modern People (Shibuya Minoru – Japan 1952)
Seigiha / Righteousness (Shibuya Minoru – Japan 1957)
Daikon to ninjin / The Radish and the Carrot (Shibuya Minoru – Japan 1964)
Yopparai tengoku / Drunkard’s Paradise (Shibuya Minoru – Japan 1962)
Akujo no kisetsu / The Days of Evil Women (Shibuya Minoru – Japan 1958)
Mozu / The Shrikes (Shibuya Minoru – Japan 1961)
Kojin kojitsu / A Good Man, a Good Day (Shibuya Minoru – Japan 1961)
Honjitsu kyushin / Doctor’s Day Off (Shibuya Minoru – Japan 1952)

Sonstige ältere Entdeckungen:

Himmel und Erde (Michael Pilz – Österreich 1979-1982)
Talaye sorkh / Crimson Gold (Jafar Panahi – Iran 2003)

Auch gesehen:

Die Flucht (Roland Gräf – DDR 1976/77)

Ernüchterung:

Hets / Frenzy / Die Hörige (Alf Sjöberg – Schweden 1944)

Der 3D-Spaßfilm schlechthin, weil er sich endlich mal zum auskostenden Gimmickexzess bekennt (während bei nicht wenigen anderen 3D-Filmen eine Tendenz zum Gimmick leider nur als Alibi fungiert und damit letztlich weder Fisch noch Fleisch ist, nämlich weder wirklich architektonisches 3D, noch völlig reueloses Spektakel):

Comin’ at Ya! / Alles fliegt dir um die Ohren! (Ferdinando Baldi – I/E/USA 1981/2010)

Entdeckungen in Berliner Kinos abseits des Festivals (den Freunden des Schrägen Films sei Dank):

La isla de la muerte / Das Geheimnis der Todesinsel (Mel Welles, Ernst Ritter von Theumer – Spanien/BRD 1967)
Vampyres – Daughters of Darkness (José Ramón Larraz – GB 1975)

Obwohl der eher knapp kalkulierte Schlaf auch noch durch zu frühes Aufwachen an einigen Tagen reduziert wurde, hielten sich die Folgen weitgehend in Grenzen und nur bei drei Filmen fühlte ich mich durch akute Müdigkeit beeinträchtigt: bei GUILTY OF ROMANCE und MERCADO DE FUTUROS war es noch verkraftbar und schadete den Filmen lediglich gegen Ende etwas, bei TRUCE allerdings verhinderte die abgeschlaffte Verfassung dann wohl doch den Zugang zum Film, den schaue ich mir bei nächster Gelegenheit lieber nochmal komplett an.





Anknüpfend an die allgemeine Tendenz zu immer mehr Preisverleihungen (und weil man manche Dinge am besten mit ihren eigenen Mitteln schlägt bzw. sich ihrer bedient), werden zunächst noch drei Awards an jeweils drei Filme vergeben. Neben dem bereits etablierten Preis des Hofbauer-Kommandos wird mit den anderen beiden Preisen den technischen und photographischen Umwälzungen im gegenwärtigen Kino Rechnung getragen und besondere Leistungen sowohl an den Fronten des analogen als auch des digitalen Kinos gewürdigt.
Waren meine letztjährigen Filmfest- (und ebenso meine Jahreslisten-)Favoriten noch wie in den Vorjahren mit deutlicher Mehrheit analog, kommt es dieses Jahr zumindest bei mir offenkundig zum großen Digital-Take-Over: bereits bei der Berlinale war die Mehrheit meiner Favoriten digital, in München sind es nun ebenso satte 11 meiner 16 Favoriten des Festivals. Vor einem Jahr hätte ich das erschreckend genannt, mittlerweile sehe ich es entspannter, bin mir aber noch nicht ganz sicher, ob das meinerseits eher eine zuversichtliche oder resignative Haltung ist.
Auch wenn das Kino dabei viel zu verlieren hat und mir tendenziell das bewegte Filmkorn lieber als das statische Pixel, die natürlichen Filmfarben lieber als die künstlichen Digitalfarben sind, kommt es natürlich immer auf die konkrete Anwendung an, sagen technische Voraussetzungen schlichtweg erst einmal gar nichts darüber aus, ob sie mit einer spezifischen künstlerischen Vision im Einklang stehen – letztlich können aus dem theoretisch „schlechtesten“ Material die schönsten Filme entstehen und unter den besten Voraussetzungen die fadeste Totgeburt. Und letztlich sind mir ausdrückliche Digitalfarben, wie man sie gerade bei den kleineren und weitgehend unabhängig entstandenen Produktionen beim Filmfest größtenteils beobachten konnte, wiederum bei weitem lieber als das monotone Colorgrading und sonstige exzessive Nachbearbeitungen, mit denen man (nicht nur) in Hollywood, einer der letzten Hochburgen des 35mm-Filmens, dann die Vorzüge des Aufnahmeverfahrens zum Teil wieder ramponiert (der digitale IMPARDONNABLES markierte allerdings mit seinem extremen Orange-Grading dann gleich die Ausnahme von der Filmfest-Regel).
Erschreckend wiederum sind aber durchaus einzelne Tendenzen, es scheint z.B. ganz so, als ob nahezu alle Filmemacher aus dem Umfeld der „Berliner Schule“ sowie diverse andere jenseits des Kommerz- und Prestige-Kinos arbeitende deutsche Filmemacher innerhalb der letzten zwei Jahre allesamt auf einen Schlag von analog auf digital umgestiegen sind, wie sich auch daran ablesen lässt, dass bei der diesjährigen Auswahl in der Sektion Neue Deutsche Kinofilme nahezu überhaupt kein Film mehr analog gedreht war (laut Katalog bestenfalls zwei oder drei von 18 Filmen, das ist schon ziemlich extrem – bei den deutschen Fernsehfilmen waren es aufgrund des dort wiederum bislang noch recht weit verbreiteten Super16-Aufnahmeverfahrens paradoxerweise zwar einige mehr, dort jedoch durchweg digital gescreent).
Im Einzelnen ist das oft erst mal spannend, betrüblich an so einer umfassenden Wechselbewegung ist aber der Umstand, dass es sich in den meisten Fällen um einen Weg ohne Wiederkehr handelt, manchmal willentlich, manchmal aus äußeren Zwängen heraus. Das ist dann halt die traurige Seite der Medaille: anstatt die Ausdrucksmöglichkeiten des Kinos einfach zu erweitern, was uneingeschränkt zu begrüßen wäre, droht die „digitale Revolution“ durch die damit verbundenen massiven Verdrängungs- und Marktbereinigungs-Effekte (die sich natürlich extrem selbst verstärken, je mehr Filmemacher wechseln und damit die Herstellung und das Angebot von analogem Material verteuern und einschränken – eine Einbahnstraßen-Spirale, die bereits Super8 und klassisches 16mm in der Praxis gekillt hat und auch Super16 wohl mittelfristig den Garaus macht) gleichzeitig paradoxerweise leider auch zu einer nicht zu unterschätzenden Verarmung der Ausdrucksmöglichkeiten des Kinos zu führen. Dem unbestrittenen Gewinn auf der einen Seite steht ein zunehmend unwiederbringlich werdender, herber Verlust auf der anderen Seite gegenüber.
Eine kulturpessimistische grundsätzliche Ablehnung möchte ich daraus natürlich trotzdem nicht ableiten, sondern nur auf die Ambivalenz der Entwicklung hinweisen, der ich – etwas entspannter durch die nach einigen negativen Beobachtungen und Vorbehalten der letzten Jahre wiederum zuletzt eher positiven Erfahrungen – letztlich eben zugleich mit einen neugierigen und mit einem weinenden Auge gegenüber stehe. Konkret sehe ich derzeit trotzdem wenig Anlass zur Klage, und sollte es irgendwann doch ganz schlimm kommen, bleibt immer noch der Notausgang Richtung Vergangenheit, zu Kinematheken und Retrospektiven (jedenfalls, solange dort noch mit einem Mindestanspruch an Werktreue gearbeitet wird, was mittlerweile ja nun leider auch schon keine Selbstverständlichkeit mehr ist). Vorerst bin ich aber eher für die Flucht nach vorne, nicht zuletzt deshalb habe ich diesmal tatsächlich erstmals überhaupt bei einem Festival keinen Film in den Retrospektiven gesehen – eigentlich eine Sünde, die ich wohl tatsächlich nur durch ein nahezu jede Woche mehrfach besuchtes Retrospektiven-Programm im regulären Kinoangebot rechtfertigen kann. Aber das alles nur als abschweifend erläuternde und allgemeinere Ausführungen am Rande, und nun lieber zu den Preisverleihungen…





Verliehen werden folgende drei Awards an jeweils drei Preisträger…

Der Materialfetischisten-Award für besondere Verdienste hinsichtlich Erhalt, Umgang und Einsatz von klassischem Filmmaterial geht an:

LE HAVRE
PORFIRIO
CHANTRAPAS

Der Pixelforscher-Award für bemerkenswerte Verdienste im Umgang mit den Möglichkeiten des digitalen Filmemachens geht an:

PLAY
OCASO
HEADSHOTS

Der Weißblaue Isar-Sleazar, der Jury-Preis des Hofbauer-Kommandos für besondere Verdienste um den Erhalt von (durchaus sehr unterschiedlichen Formen des) Sleaze im zeitgenössischen Kino auf der “Isarmeile” des Filmfestes geht an:

GUILTY OF ROMANCE
LAS MARIMBAS DEL INFIERNO
POLIZEIRUF 110: CASSANDRAS WARNUNG

Das Hofbauer-Kommando wohnte zwei der drei prämierten Filme in vollzähliger Formation bei und konnte dabei einen einstimmigen Beschluss fassen. Außerdem zeigt sich das Kommando sehr erfreut über auffallend viele weitere Filme, die in einzelnen Momenten überraschende Sleaze-Affinität bewiesen, und belobigt diese Tendenz ausdrücklich. TRUCE, BLACK BREAD, HEADSHOTS, BLACK FIELD und noch einige mehr wären hier zu erwähnen, und der unfassbar schmierige, sich auf den Saufgelagen des Gesinnungs-Nachwuchses herum treibende Neonazi-Funktionär aus KRIEGERIN ist eigentlich fast eine seperate Nennung wert.





Ansonsten zur Liste, wobei es sich von selbst verstehen sollte, dass die Auflistung keinerlei absoluten und apodiktischen Anspruch erhebt, sondern einzig meine subjektiven Einschätzungen widerspiegelt (man muss das gelegentlich erwähnen, weil Listen manchmal auf den ersten Blick so in Stein gemeißelt wirken und seltsamerweise gerade von Nicht-Listenfetischisten offenbar auch manchmal so aufgefasst werden, sehe das aber eher spielerisch und dynamisch, und bis zur Jahresliste mag es da auch nochmal Verschiebungen geben, die einen Filme eher mit der Zeit noch gewinnen, die anderen vielleicht etwas verlieren, wie es jetzt auch bereits in den Wochen seit dem unmittelbaren Sichtungseindruck gelegentlich der Fall war). Und obwohl ich aufgrund eines mittlerweile recht geübten Gespürs für versteckte Perlen gerade im Münchner Filmfest-Programm sowie dank der umfangreichen Vorab-Recherche, wie sie der Vorschau-Beitrag dokumentierte, tatsächlich vermute, zumindest relativ große Teile der bemerkenswerten und herausragenden Festivalfilme gesehen und viele mutmaßliche oder absehbare Gurken recht erfolgreich umschifft zu haben (entsprechend entdeckungsreich und positiv fällt die Liste aus), schiebt man natürlich trotzdem manches bewusst auf oder hat keine rechte Lust drauf, oder hat manches nicht auf der Rechnung oder vorab schlichtweg falsch eingeschätzt, wie sich früher oder später dann zeigt oder auch nicht…
Auch dank vereinzelten zusätzlichen Vorab- und Kabinen-Sichtungen habe ich aber doch einiges abgegrast und bin mit der Ausbeute im Ganzen auch ausgesprochen zufrieden (gerade wenn man sich anhand der Liste nochmal vor Augen führt, wieviele tolle Filme letztlich dabei waren, ist das schon ziemlich beeindruckend). Ein paar verpasste Filme folgen dann noch nach der eigentlichen Liste. Ansonsten ist die Liste jenseits der nummerierten Plätze auf den einzelnen Wertungsstufen jeweils sichtungschronologisch sortiert und orientiert sich nicht zwingend an den Originaltiteln, sondern der Einfachheit und des Wiedererkennungswertes halber an den offiziellen Filmfest-Titeln.


Favoriten:

1. Dad / Oča (Vlado Škafar)

2. Aita (José Maria de Orbe)
2. The Day He Arrives (Hong Sang-soo)
2. Polizeiruf 110: Cassandras Warnung (Dominik Graf)

5. American Translation (Pascal Arnold, Jean-Marc Barr)
6. Guilty of Romance (Sion Sono)
7. Black Field (Vardis Marinakis)
8. Headshots (Lawrence Tooley)
9. Michael (Markus Schleinzer)

10. Le Havre (Aki Kaurismäki)
11. Mercado de Futuros (Mercedes Álvarez)
12. Porfirio (Alejandro Landes)
13. Der Junge mit dem Fahrrad (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
14. Play (Ruben Östlund)
15. Bonsái (Cristián Jiménez)
16. Die Räuberin (Markus Busch)

Muss ich nochmal sehen, auf jeden Fall sehr interessant:

Truce (Svetlana Proskurina)

Bemerkenswert / ziemlich stark:

Atmen (Karl Markovics)
Year Without a Summer (Chui Mui Tan)
Wasted Youth (Argyris Papadimitropoulos, Jan Vogel)
Arirang (Kim Ki-duk)
Ocaso (Théo Court)
The Journals of Musan (Park Jung-bum)
Lo que más quiero (Delfina Castagnino)
Unten Mitte Kinn (Nicolas Wackerbarth)
El Velador (Natalia Almada)
Jean Gentil (Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán)
Chantrapas (Otar Iosseliani)
Las Marimbas del Infierno (Julio Hernandez Cordon)

Gelungen:

Caracremada (Lluís Galter)
Aardvark (Kitao Sakurai)
Black Bread (Agustí Villaronga)
Cold Weather (Aaron Katz)
Todo, en fin, el silencio lo ocupaba (Nicolás Pereda)
A Tiro de Piedra (Sebastián Hiriart)

Okay:

Blue Bird (Gust van den Berghe)
The Castle (Martina Parenti, Massimo D’Anolfi)
Post Mortem (Pablo Larraín)
Corman’s World (Alex Stapleton)
Corpo Celeste (Alice Rohrwacher)
Entrevista con la Tierra (Nicolás Pereda)

Mäßig:

Balada Triste de Trompeta (Álex de la Iglesia)
Pietro (Daniele Gaglianone)
Tyrannosaur (Paddy Considine)
Impardonnables (André Téchiné)

Schwach:

A Little Closer (Matthew Petock)
Sennentuntschi (Michael Steiner)
Kriegerin (David Falko Wnendt)

Bodenlos:

Confessions (Tetsuya Nakashima)
Frankfurt Coincidences (Enkelejd Lluca)


Schon letztes Jahr (v.a. Wien) gesehen, abwärts nach Wertschätzung sortiert:
Film Socialisme (Jean-Luc Godard), Meek’s Cutoff (Kelly Reichardt), El Sicario Room 164 (Gianfranco Rosi), The Sword and the Rose (João Nicolau), Civil War (Pedro Caldas), Verano de Goliat (Nicolás Pereda), The Forgotten Space (Allan Sekula, Noël Burch)

Einige Filme habe ich wegen baldigem Kinostart oder anderweitiger Verfügbarkeit ausgelassen (Mysteries of Lisbon, Blue Valentine, Angèle et Tony, Naokos Lächeln, Machete Maidens Unleashed!, Die Einsamkeit der Primzahlen, The Yellow Sea etc.)… oder wegen deutscher Einsprache (Mit erhobenen Händen)…

Leider verpasst (bewusst/wissentlich, unbekannterweise wohl noch ein paar mehr):
Bleak Night (Sung-Hyun Yoon)
Sodankylä Forever – The Century of the Cinema (Peter von Bagh)
Eternity (Sivaroj Kongsakul)
Gravity was everywhere back then (Brent Green)
Martha (Marcelino Islas Hernández)
Pequeñas Voces (Jairo Eduardo Carrillo, Oscar Andrade)
Un étrange équipage (Boris Nicot)
Cairo Exit (Hesham Issawi)
The Sky Above (Sérgio Borges)
Sentinels (Marcelo Lordello)
…und ein paar aus der deutschen Sektion (Jasmin; Fluss; Anna Pavlova)

Das war’s dann soweit von meiner Seite, und ich sehe erstmal Christophs Rückblick gespannt entgegen, wann auch immer er kommen wird. Vielleicht (und das ist nicht zuletzt an mich selbst gerichtet) spornen die diesjährigen recht ausführlichen Filmfest-München-Betrachtungen als kleiner Durchbruch des diesbezüglichen Fluches dann ja tatsächlich dazu an, es hier auch zukünftig häufiger mal mit Festivalberichten in der einen oder anderen Form zu probieren.

Zunächst noch zu einigen Filmen, wobei ich mich schon von dem Gedanken verabschiedet habe, jeden gesehenen Film irgendwie miteinzubeziehen. Nicht näher angesprochene Titel werden dann zumindest beim abschließenden Listen-Beitrag berücksichtigt.
Unbedingt einige Worte möchte ich zu AITA von José Maria de Orbe verlieren, der zu meinen absoluten Favoriten des Festivals gehörte. Ein Film über ein altes, leerstehendes Haus und seinen alten Wächter. Über dessen Gespräche mit einem örtlichen Priester, die viel über die Vergangenheit des Hauses und die Wahrnehmungen der beiden verraten. Vor allem ein Film über Licht, Schatten, Dunkelheit, und das Dazwischen, die Übergänge, die Zwischenzustände. Auch ein Geisterfilm, ein Film über die Geister der Vergangenheit. Jene Vergangenheit, die den Räumen eingeschrieben ist, und das Licht, dass sie erhellt: die Räume, die Vergangenheit und vor allem die Filmbilder. In den konzentrierten, präzisen Kompositionen ist es ein ungemein evokativer und architektonisch montierter Film, der gewissermaßen die Wände zum Sprechen bringt. Wundervoll auch seine Reflexion über den Wandel der Kinotechnik: selbst aus Kostengründen, aber in einer zuversichtlich stimmenden Weise auf HD gedreht (was mich hier sogar als „film stand-in“ überzeugt hat), dringen am Ende die von alten Nitrat-Filmkopien tatsächlich an die Wände projizierten Bilder auch in die Filmbilder ein. Wie ein unterdrücktes, verdrängtes Echo der Vergangenheit, das plötzlich sichtbar wird und sich in Form zerkratzter, nichtsdestoweniger wunderschöner alter Filmbilder in sie einschreibt, prallen hier zwei Bilderwelten aufeinander, werden die analogen und die digitalen Bilder in einen hochspannenden, komplexen Bezug zueinander gesetzt und dabei, sozusagen, für einmal miteinander versöhnt.
Es ist damit implizit nicht nur ein Film über ein sterbendes Haus und einen sterbenden Menschen, sondern auch über eine sterbende Kinotechnik (und natürlich auch über sterbende Vergangenheit, sterbende Erinnerungen, die „Geburt“ und Sichtbarmachung von materiellen und immateriellen Dingen durch verschiedene Arten von Licht, und noch vieles mehr; da kratze ich mit diesen paar Zeilen freilich nur an der Oberfläche). Für alle drei hat noch nicht die letzte Stunde geschlagen, das unausdrückliche „Sterben“ ist hier nicht als schlagartiges Ereignis zu begreifen, sondern als ein langsamer, schleichender Prozess, der aber mit der Anhäufung von Vergangenheit, mit dem Voranschreiten der Zeit und auch mit den umgebenden Entwicklungen zunehmend unausweichlich wird. Das alte Haus, der alte Mann, das alte Filmmaterial – ihr schleichender Untergang ist besiegelt, und AITA wird unter dem Licht, das er auf mich und ich auf ihn werfe, unter anderem zu einem wunderschönen, keineswegs wehklagenden, sondern sehr vielschichtig reflektierten Requiem darauf.

Ein allgemeines Festival-Phänomen, das häufig zur Sprache kommt, sind die Brücken und Verbindungen zwischen Filmen, die sich scheinbar eher willkürlich durch aufeinanderfolgende Sichtungen auftun. Manchmal sind es nur sich unvermutet ähnelnde Themen, Figuren oder Handlungsorte, manchmal ergeben sich aber auch frappierende Zufälle, etwa dann, wenn man unmittelbar nach AITA mit dem chilenischen OCASO gleich noch einen weiteren Geister-/Haus-/Film sieht. Der Geist scheint hier weniger die Vergangenheit zu sein, sondern eher der alternde Butler, der zunehmend unsichtbarer, geisterhafter in den dunklen Winkeln des Hauses und den nebligen Schleiern, die sich in der Umgebung des Hauses eingenistet haben, zu verschwinden und vom Lauf der Zeit als Relikt der Vergangenheit geschluckt zu werden droht. Ähnlich wie etwa der spanische CARACREMADA vor allem ein Film über das Warten, die voran kriechende Zeit und unterschwellige existenzielle Bedrohungen, dabei insgesamt nicht von vergleichbarem filmischen Reichtum wie AITA, aber phasenweise doch von einer beachtlichen, absorbierenden Dichte.

Eine eher unverhoffte Überraschung war MICHAEL von Markus Schleinzer, der gerade von der englischsprachigen Kritik in Cannes offenbar ziemlich unterschätzt wurde. Fast scheint es, als hätte sich Schleinzer mit klarem, nüchternem Stil die Vorzüge der Haneke-Schule zu Eigen gemacht, und sie gleichzeitig weitgehend von ihren Schattenseiten, von totalitärem Kontrollzwang, didaktischen Zurichtungen und einseitig verengten Aussagen, entschlackt. Denn so sehr der Film den Zuschauer gnadenlos in die unbequeme Täterperspektive eines Missbrauchsfalls drängt, so ist gleichzeitig für Widersprüche, befremdende Töne, irritierende Sprünge und Fragmentierungen hier durchaus viel Platz. Und allein die Entscheidung, mit welchem Song er dann diesen Film noch einmal wunderbar irritierend ausklingen lässt, ist nichts weniger als ein kleiner, provokanter, wirkungsvoller Geniestreich, der Respekt abnötigt.





Nachdem ich bereits in der Vorschau und im zweiten Kurzkommentare-Beitrag das Ganze recht Sektionen-orientiert anging, und dabei die Deutschen Kinofilme, der Fokus Fernost und einige Teile des Internationalen Programms bereits abgedeckt wurden, vielleicht auf die Schnelle noch zu drei der wichtigsten Sektionen.
Bei den American Independents erwiesen sich die wohltuend eigenwillige Blinden-Portrait-goes-Noir-Seltsamkeit AARDVARK und die drollige Meine-Freunde-und-ich-erleben-ein-aufregendes-Kriminal-Abenteuer-Skizze COLD WEATHER als durchaus gelungene Grenzgänger in Richtung Genre. Der belanglose und in seinem formalen Zugang mitunter geradezu automatisiert wirkende A LITTLE CLOSER wiederum war leider nicht gerade dazu angetan, bestehende Vorbehalte gegen Mumblecore und Indiewood zu revidieren, und hat damit auch gleich vor weiteren unbedachten US-Ausflügen abgehalten. Zugegeben: den tollen MEEK’S CUTOFF kannte ich bereits, und den sicherlich interessanten BLUE VALENTINE habe ich auf den baldigen regulären Start verschoben. Ein Versäumnis war wohl außerdem GRAVITY WAS EVERYWHERE BACK THEN, den ich irgendwie nicht auf der Rechnung hatte. Insofern verbietet sich ein pauschales Abwatschen der problemgeplagten Reihe natürlich von selbst.
Die Visiones Latinas waren auch diesmal meine am häufigsten besuchte Reihe, und auch wenn keine absolute Offenbarung dabei war, überzeugten reihenweise ausgesprochen sehenswerte Filme, ohne dass ein Ausfall dabei gewesen wäre. Im ersten Kurzkommentare-Beitrag wurden schon einige angesprochen, oben außerdem OCASO. Sehr schön war LO QUE MÁS QUIERO, beinahe so etwas Ähnliches wie die weibliche Variante von OLD JOY, nur eben über eine Frauenfreundschaft, aber wiederum ebenfalls von einer Frau inszeniert. Formal dann aber doch andere Wege einschlagend, mit insgesamt nur einer Handvoll Einstellungen, die durch das gänzlich improvisierte Spiel der Darsteller eine konzentriert beobachtete, auch atmosphärisch einnehmende, lebendige Dynamik entfalten. Stark auch die gespenstische, still trauernde dokumentarische Friedhof-des-Drogenkrieges-Annäherung EL VELADOR und die tragische Aussteiger-Geschichte JEAN GENTIL, interessant außerdem die angenehm seltsame Glückssucher-und-Einwanderer-Miniatur A TIRO DE PIEDRA. Peredas TODO, EN FIN, EL SILENCIO LO OCUPABA hat mich im angestrengten Kunstwillen und den theatralischen Posen seiner ersten Hälfte schwer genervt, um dann mit den völlig zurück genommenen, ruhigen Drehpausen- und Seteinrichtungs-Beobachtungen der zweiten Hälfte dann doch zu entschädigen. Eine sehr feine Überraschung war ganz zum Schluss die bizarre Musik-Mockumentary LAS MARIMBAS DEL INFIERNO, die ihre verschrobenen Figuren auf adäquat sonderbare Weise durch erfrischend seltsame Kompositionen wandeln lässt.
Beim Nouveau Cinéma Français kannte ich Godards exzellenten FILM SOCIALISME bereits, mit dem schon angesprochenen AMERICAN TRANSLATION war noch ein zweiter Hochkaräter im Rennen. ANGELE ET TONY habe ich auf den baldigen Kinostart verschoben, POLISSE lieber vorerst ganz gespart, und IMPARDONNABLES hatte immerhin ein paar schön schmierige kleine Altherren-Momente mit André Dussollier zu Beginn, danach allerdings nicht mehr viel zu bieten. Die ansatzweise durchaus reizvolle, vergleichsweise radikale digitale Fotografie ging durch die 35mm-Umkopierung auch ein wenig verloren.

Immerhin diesmal der einzige Fall, wo mir das etwas aufstieß, nachdem mich letztes Jahr eine auch noch unglücklich hintereinander erwischte Häufung von Weder-Fisch-noch-Fleisch-Umkopierungen doch erheblich verärgerte („Fake-Film“-Film, that often is). Diesmal dagegen auch sonst ungewohnte Zufriedenheit mit den Vorführungen im Allgemeinen, wo gerade das CinemaxX häufiger positiv überraschte und im Wesentlichen nur das Filmtheater Sendlinger Tor leider enttäuschte (durch meist ungleiche Schärfeverteilung im Bild, vor allem aber einen wirklich haarsträubenden Patzer bei CHANTRAPAS, wo es der Vorführer nach einem Bildstrichsprung allen Ernstes schaffte, nur den ganz oberen Bildteil der Open-Matte-Kopie sichtbar zu machen und damit die Untertitel unbemerkt minutenlang komplett aus dem sichtbaren Bildausschnitt zu verbannen – bei manchen Dingen weiß man wirklich nicht mehr, ob man lachen oder weinen soll; dagegen erscheint die übliche Unachtsamkeit, dass hier trotz geeigneten anderen Sälen mal wieder ein 1,66:1-Film in ein Kino, das offenbar nur 1,85:1 spielen kann, gelegt wurde, fast wie eine vernachlässigbare Kleinigkeit; man muss wohl schon dankbar sein, wenn zukünftig wenigstens die ohnehin längst rar gewordenen 1,37:1-Filme in den wenigen dafür geeigneten Sälen laufen), und mit den digitalen Filmen im Speziellen, ob umkopiert oder nicht. Bedenklicher als der HD-to-35mm-Look war diesmal in Sachen (manchmal fragwürdiger, manchmal reizvoller) visueller Transformationen eher der 35mm-to-DCP-Look bei SENNENTUNTSCHI und vor allem MICHAEL, der in diesem Gewand sogar an seiner mutmaßlichen Filmmaterial-Herkunft zweifeln ließ, was wahrlich kaum im Sinne des Erfinders sein kann, auch wenn sich letztlich vielleicht nur der Purist daran stößt oder sich überhaupt damit auseinander setzt.





Alles in allem war es auf jeden Fall ein ausgesprochen gelungenes Filmfest, und ich wäre im Nachhinein tatsächlich geneigt, der Ankündigung des scheidenden Leiters Andreas Ströhl, dass diesmal „das beste Programm seit langem“ geboten sei, zuzustimmen. Gerade was die Bandbreite an sehenswerten Filmen anging, war es mit Sicherheit einer der stärksten Jahrgänge der letzten Jahre, auch wenn wie immer einiges an Geschick, Recherche, Gespür und Glück gefragt war, die Perlen auch tatsächlich aufzuspüren. Im Fazit muss ich daher aber dem grundsätzlich wegen seiner leidenschaftlichen und engagierten Texte sehr geschätzten Rüdiger Suchsland und seinen bei Artechock und Negativ geäußerten Kritikpunkten und Forderungen dann doch vehement widersprechen (und zur Vermeidung von Unklarheiten und Missverständnissen: auf jene beiden verlinkten, soweit ich das sehe weitgehend identischen Texte, bezieht sich ab hier mein gesamter nachfolgender Beitrag): gerade der bemängelte „Overkill“ und der „Gemischtwarenladen“-Charakter sind vermutlich genau die entscheidenden Dinge, die das Filmfest München als (jenseits der deutschen Filme zwangsläufiges) Nachspielfestival überhaupt erst so lohnenswert machen, und mit denen ganz gravierend auch eine Angebotsvielfalt abhanden käme, wenn tatsächlich die Forderung nach einer Halbierung der Filmanzahl umgesetzt würde. Denn man kann wohl mit gutem Grund annehmen, dass eine solche Umfangskürzung größtenteils genau die falsche Hälfte der Filme treffen würde. Übrig bleiben würde wohl genau jene völlig zu Recht kritisierte „Klüngelware“, unvermeidliche Produktionen von einflussreichen Sponsoren, und Previews von Verleih-Filmen, die ohnehin kurze Zeit später regulär im Kino zu sehen sind (in diesem Sinne ist der recht weitläufige „Overkill“ eben auch eine nicht zu unterschätzende Prävention gegen ein als Alternative lauerndes fades, fehlgeleitetes Profil).
Viele ästhetisch aufregende und seltener zu sehende Filme, wegen denen ich zum Filmfest gehe, laufen dort wiederum momentan mutmaßlich in erster Linie durch eine „Querfinanzierung“ und weil sie in der Masse des Programms quasi hinein geschmuggelt werden können, und genau diese Titel dürften dann nicht mehr zu halten sein. Großartige Filme wie DAD (OCA), AITA oder MERCADO DE FUTUROS liefen teilweise vor bestenfalls halbleeren Sälen, aber zumindest hatte ein kleines interessiertes Nischenpublikum die Chance, sie zu sehen, was womöglich nicht noch ein weiteres Mal auf einer deutschen Leinwand möglich sein wird. Und das sind nun mal leider auch Filme, für die man auch bei einer insgesamt stärker selektierten Programmauswahl keine größeren Zuschauerschichten begeistern wird können. Oder höchstens unter Vorspiegelung falscher Tatsachen, mit der Folge, dass die meisten der auf solche Weise hinein gelockten Zuschauer die Vorstellung vorzeitig verlassen und damit letztlich nur den interessierten Teil der Zuschauer belästigen würden.
Es gibt schlichtweg Filme, die nur einem kleinen Kreis eingefleischter Cineasten vermittelbar sind. In dieser Nische bewegt sich in München sonst eigentlich beinahe nur Underdox, ein zweifellos großartig kuratiertes Festival mit starkem eigenem Profil, das aber aus diversen Gründen niemals in einer Filmfest-München-Größenordnung durchführbar wäre – so wünschenswert ich persönlich das auch sofort fände, aber das ist eben leider nur meine nicht mehrheitsfähige und gegenüber Finanzgebern und größerem Publikum nicht vermittelbare Privatmeinung – sondern schon als kleine Nischenveranstaltung bisweilen stark zu kämpfen hat (die Zahl der anwesenden Zuschauer bei Ben Russells großartigem LET EACH ONE GO WHERE HE MAY beim letztjährigen Underdox-Festival etwa möchte ich hier lieber gar nicht hinschreiben).

Mir leuchten jedoch auch sonst zwar einige Kritikpunkte an sich schon, aber die daraus abgeleitete Argumentation nicht ein. Ich war nie bei den Festivals von Hof und Saarbrücken, mag mir daher natürlich auch kein Urteil anmaßen, hatte aber zumindest aus der Ferne beim Durchstöbern der Programme nie den Eindruck, dort einen auch nur annähernd mit München vergleichbaren Einblick ins gegenwärtige Weltkino erhalten zu können. Beschränkt man den Vergleich auf die deutschen Filme, mögen die beiden besser kuratiert sein, die deutschen Reihen beim Filmfest waren aber jenseits ihres Prestigestatus in ihrer Gesamtheit nie künstlerische Aushängeschilder, nicht erst seit dem 2009er Eklat. Einige starke Filme kann man dort aber natürlich allein aufgrund des Umfangs meistens trotzdem entdecken. Auch hier sehe ich in der Überfülle wiederum eher Vorteile.
Die Kritik daran, dass bestimmte Publikums- und Gäste-Schichten die Filmvorführungen nur noch als Startrampe für anschließende Partys und Empfänge betrachten, kann ich schon sehr gut nachvollziehen und ist für sich genommen fraglos berechtigt. Nur hat das mit der Programmauswahl an sich erst einmal eher wenig zu tun. Wenn man den auch gelegentlich zu beobachtenden, peinlichen TV-Promi-Trubel und ähnliches einfach ignoriert, kann man alles in allem in München jedenfalls sehr entspannt einfach eine Woche lang intensiv Filme sehen (überhaupt empfinde ich München als ausgesprochen entspanntes Festival – wenn es das zu einem “Provinzfestival” macht, ist das offenbar etwas begrüßenswertes). Und zwar in erster Linie abseits der Events und lokalen Premieren. Gerade der Umfang des Programms ermöglicht es eben erst, dass Gelegenheitsbesucher, Eventpublikum, Freunde von Themenkino, Starfans, Fremdspracheninteressierte und Cineasten gleichermaßen auf ihre Kosten kommen können, und sich die Wege dabei bestenfalls zufällig kreuzen, aber nicht zwanghaft zusammen geführt werden.
Insbesondere bei Filmen und Reihen, in die man sich normalerweise nicht bewusst verirrt, aus Einzelfallgründen aber doch mal begibt (bei mir z.B. die Fernsehfilmreihe, wenn ein Graf-Film läuft), bekommt man oft genug Gespräche anderer Filmfest-Besucher mit, von denen manche sich beispielsweise ausschließlich deutsche (Fernseh-)Filme anschauen, oder bildungsbürgerliches Publikum, das sich auf die französische Sektion fokussiert, oder ehemalige Austauschstudenten, die sich zur Auffrischung ihrer Sprachkenntnisse lateinamerikanische Filme ansehen, oder Fantasy-Filmfest-Stammpublikum, das sich asiatische Genrefilme ansieht, und dergleichen mehr. Auf einen Nenner und in die gleichen Vorstellungen bringt man solch unterschiedlich motivierte Publikumssegmente ohnehin nicht, aber eine breite Ausdifferenzierung des Programms ermöglicht eben, dass man viele von ihnen überhaupt erreicht. Und der cinephile und/oder fachliche Vielseher hat dabei ebenso den Vorteil, sich auch bei Marathonsichtungen mit einer abwechslungsreichen, großen Bandbreite von Filmen bei Laune halten zu können – auch das ein bestechender Vorteil des „Gemischtwarenladen“.

Das Filmfest dabei ausgerechnet gegen die Berlinale und deren ausufernde Nebenreihen ausspielen zu wollen, erscheint mir dann doch sehr absurd, zumal mit fragwürdigen, ungenauen Zahlen. Zum Einen ist die Berlinale nicht drei, sondern zwei Tage länger (einer davon zudem ermäßigter Kinotag mit reinen Wiederholungen). Zum Anderen zähle ich dort mit Blick auf das diesjährige Berlinale-Programm nicht „vier Reihen“, sondern – Retrospektive und Hommage ausgenommen – satte 13 Sektionen (!), wobei die Unter-Sektionen „Forum Special“, „Panorama Dokumente“, „Panorama Special“ und die Aufteilung von „Generation“ in „K+“ und „14+“ in jener Auflistung gar nicht berücksichtigt sind, sonst wären es sogar 17 Sektionen. Dazu kommen noch die Retrospektiven, wo sich beide Festivals längerfristig nicht viel nehmen: in München liefen diesmal vier – und nicht fünf – zudem jeweils recht kleine Retrospektiven (das Schweden-Special bezog sich rein aufs aktuelle Kino), und das ist auch eindeutig eine Ausnahme, normalerweise ist es eine Retrospektive sowie eine oder zwei kleine CineMerit-Award-Preisträger-Hommagen. Diese ungenauen Zahlen wären im Einzelnen freilich Petitessen, aber in der Summe ist es ein reichlich schiefer, zurechtgebogen wirkender Vergleich.

Auch den Vorwurf des mangelnden Profils kann ich eher nicht nachvollziehen. Auf das Festival als Gesamtkonstrukt mag das durchaus zutreffen, im Detail und in den einzelnen Sektionen sind wiederum aber durchaus sehr klare Profile zu erkennen, ebenso die gewünschte „kontinuierliche Pflege von Regisseuren und Länderkinematographien“, wie sie sich bei den Visiones Latinas oder dem Fokus Fernost schon seit längerem sehr positiv bemerkbar macht. Und das durchaus stärker als etwa bei der Berlinale, wo selbst noch innerhalb von Sektionen kaum ein Profil erkennbar ist, am eklatantesten im Panorama, das jedes Jahr aufs Neue einen recht willkürlich zusammen geworfenen Eindruck macht.

Sorge macht mir insgesamt eher die zunehmende Einführung von diversen Preisverleihungen (was irgendwann den entspannten Aspekt eines Nicht-Wettbewerbs-Festivals untergraben könnte) und der Umstand, dass offenbar einer der besten Programmer das Filmfest verlassen wird, was zeitlich mit dem Führungswechsel besonders ungünstig zusammen trifft. Man kann nur hoffen, dass hier keine falschen Weichenstellungen die Folge sind, „mehr Glamour“ als proklamierte Losung der neuen Leiterin verspricht jedenfalls nicht gerade besonderes Augenmerk auf filmkünstlerische Vielfalt und inhaltliches Profil, sondern im Gegenteil eher eine Verstärkung der von Rüdiger Suchsland zu Recht kritisierten Eventkultur, in der Filme die Zugabe und nicht der Mittelpunkt sind. Gerade deshalb kann aber ein Überangebot tendenziell nur begrüßt werden, weil dann zumindest *auch* genug Interessantes läuft, was sonst vielleicht keinen Platz finden würde. Einseitigkeit gibt es im normalen Multiplex- und Programmkino-Einerlei bereits mehr als genug. Und das ist wahrlich nicht das, was man sich von einem Festival erhofft.
Meinetwegen soll ruhig noch ein Osteuropa-, Nahost- oder Afrika-Schwerpunkt hinzukommen, oder eine erweiterte Midnight-Movies-Schiene, oder was auch immer. Hauptsache Overkill, Hauptsache Gemischtwarenladen! Das mag das eigene Wühlen durchs Programm nicht einfacher und übersichtlicher machen, aber wenigstens wird man dann auch dafür belohnt, weil es in der Masse eben auch viel Gutes zu entdecken gibt. Das ist mir jedenfalls allemal lieber, als eine größere Aufmerksamkeit für den einzelnen Film, die dann aber im Zweifelsfall schlichtweg den falschen Filmen zugutekommt, und dabei das ohnehin kaum Sichtbare gleich ganz in die Unsichtbarkeit, nämlich gänzlich aus dem Programm, verbannt. Und das wäre wahrhaftig keine in irgendeiner Weise zu wünschende Filmfestreform. Weil aber genau solche Dinge realistisch zu befürchten sind, halte ich – wohlgemerkt eben unter Berücksichtigung der Verhältnisse – die pauschale Forderung nach einer Verschlankung des Programms für die falsche Schlussfolgerung aus den im Einzelnen zumindest teilweise durchaus nachvollziehbaren Kritikpunkten.

Zunächst einige Worte zur Sektion Neue Deutsche Kinofilme, die diesmal in der Breite doch einen ungewohnt interessanten Eindruck machte. Verpasst habe ich leider DER FLUSS WAR EINST EIN MENSCH, ANNA PAVLOVA LEBT IN BERLIN und JASMIN, von denen durchaus Gutes zu vernehmen war. Fünf andere habe ich dafür gesehen, von denen drei ausgesprochen sehenswert waren.
HEADSHOTS von Lawrence Tooley ist tatsächlich ein Film, der etwas wagt, und dabei einiges gewinnt – sowohl als bissige Farce über das Selbstverständnis des zeitgenössischen Szene-Künstlermilieus, als experimentelle Erforschung einer psychologischen Krisensituation und als Berlin-Film, der die Stadt auf eine Weise filmt, wie selten in einem deutschen Film eine deutsche Stadt gezeigt wurde.
DIE RÄUBERIN von Markus Busch wagt sich dagegen aufs Land mit der Geschichte einer Mittvierzigerin, die einem Jugendlichen auf verschiedene Weise näher kommt. Neben der Auslotung der Verhaltensmuster aller Beteiligten, wobei die Figurendynamik der Dorfgemeinschaft in einer völlig unglaublichen bäuerlichen Home-Invasion-Szene gipfelt (die man gesehen haben muss, um sie zu glauben), gelingt es ihm dabei in seinen besten Momenten mit einem fast Tagebuch-artigen, skizzenhaften Stil die Flüchtigkeit eines ungelebt zu verstreichen drohenden Lebens und die Gegenwärtigkeit letzter Chancen in prägnante Bilder gerinnen zu lassen.
UNTEN MITTE KINN von Nicolas Wackerbarth stellt den raren Fall einer gelungenen deutschen Komödie dar, was aus dem Umfeld der Berliner Schule umso mehr überrascht. Obwohl ernste Töne und das Austragen von Konflikten nicht gescheut werden, ist es vor allem ein wahnsinnig unterhaltsamer Film, dessen fabelhafte Darsteller so überzeugend agieren, dass der im Publikum vorgebrachte Vorwurf von Klischeefiguren hinter der Spielfreude der Darsteller verschwindet und es nicht zuletzt erhebliches Vergnügen bereitet, den Schauspielern als Schauspieler einer Schauspielschule beim spielen zuzusehen.
Enttäuschend dagegen der beim Förderpreis gleich doppelt prämierte KRIEGERIN, der zwar in der Tat ebenfalls überzeugend gespielt ist, ansonsten aber nur in der Inszenierung der Neonazi-Gemeinschaft und den Gewaltausbrüchen eine Intensität entwickelt (was als verstörendes Potenzial durch ein aus der Innenperspektive plausibel gemachtes Milieu aber leider ungenutzt bleibt), während die durch die Begegnung der Protagonistin mit einem afghanischen Flüchtlingsjungen einsetzende Läuterung wie aus dem Drehbuch-Baukasten wirkt, ebenso eine Rückblende auf den der kleinen Kriegerin im Strandkorb seine Version der deutschen Vergangenheit eintrichternden Großvater.
Für den absoluten Tiefpunkt war dann allerdings FRANKFURT COINCIDENCES zuständig, nicht unbedingt überraschend, aber manchmal siegt dann doch die Neugier, wenn ein Trailer dermaßen haarsträubend und in seiner Ungeheuerlichkeit geradezu unfreiwillig selbstparodistisch daher kommt. Leider entspricht der Film quasi einer gestreckten Version des Trailers, und was dort in hochkonzentrierter Form noch unfreiwillig für ungläubiges Staunen sorgt, wird auf (zum Glück gnädig knapp gehaltener) Spielfilmlänge dann zu einem fürchterlich banalen Klischeefiguren-Geflecht, wobei sich, selbstverständlich, die Wege der Figuren darin kreuzen, auseinander gehen und wieder zusammen geführt werden. Schlimmster kunstgewerblicher Ethnokitsch-Arthaus-Schlock aus dem Bilderbuch. HELL, bei dem Christoph Höllenqualen gelitten hat, habe ich nicht gesehen, kann mich aber grundsätzlich nur darüber wundern, wie man den Regie-Förderpreis auch ungeachtet der offenbar eher zweifelhaften künstlerischen Leistung ausgerechnet an einen solchen Film vergeben kann, der mit Roland Emmerich als ausführendem Produzenten und Paramount als Kinoverleih bereits ein Maß an Unterstützung im Rücken hat, von denen die allermeisten Preiskonkurrenten nur träumen können, während ihnen mit einer Auszeichnung dementsprechend weit mehr geholfen wäre.

Mit Dominik Grafs POLIZEIRUF 110: CASSANDRAS WARNUNG lief der bislang beste deutsche Film des Jahres (und die Wahrscheinlichkeit ist nicht gering, dass er das auch bleiben wird) dann jedoch ausgerechnet in der Reihe der Deutschen Fernsehfilme, um deren sonstige weitgehend ziemlich schreckliches versprechende Vertreter (lediglich der Steinbichler-POLIZEIRUF hätte mich noch interessiert) ich ansonsten einen weiten Bogen gemacht habe. Eine paradoxe Ironie außerdem, dass alle fünf von mir gesehenen deutschen Kinofilme digital gedreht und projiziert wurden, während Grafs die üblichen Grenzen dieses Begriffs freilich weit hinter sich lassender Fernsehfilm als einziger wirklich auf Film gedreht war, wobei im Gegensatz zur KOMMISSAR SÜDEN UND DER LUFTGITARRIST-Vorführung vor einigen Jahren diesmal trotz DigiBeta auch die Projektion sehr positiv überraschte und die körnigen Super16-Bilder gut zur Geltung brachte.
Alles andere wäre der fraglos Kinoformat besitzenden Bildsprache des Films auch unwürdig gewesen, denn mit CASSANDRAS WARNUNG hat Graf (und sein Autor Schütter) den entschiedensten Schritt in seiner kontinuierlichen Aneignung des exploitativen italienischen Genrekinos vollzogen: zeugten viele seiner letzten Arbeiten bereits von Bewunderung und enthielten inhaltliche und formale Reminiszenzen, so liegt hier im Gewand des Fernsehkrimis tatsächlich eine mit haufenweise münchnerischem und oberbayerischem Lokalkolorit mühelos in Einklang gebrachte Mischung aus Poliziesco und vor allem Giallo in italienischer 70er-Jahre-Tradition vor, die mit einem herrlich entfesselten Sleaze-Drehbuch von Günter Schütter, mit rasender Kamera, einem mehrmals die Kinderchöre aus Ennio Morricones Soundtrack zu Aldo Lados WHO SAW HER DIE? samplender Musikuntermalung, andeutungsweisen Fulciesken Goreszenen und einem schwarz maskierten Killer in Zeitlupen-Aktion den Genrefreund aufs Schönste verwöhnt. Ein Film, so dicht und so randvoll mit kleinen Details, dass man auf nichts verzichten möchte und sich mit dem Gedanken an die Fernsehfassung, die um sieben Minuten gekürzt sein wird, nicht recht anfreunden mag. Bei all den wunderbar schmissigen Szenen, blendend harmonierenden Schauspielern und hinreißenden inszenatorischen Vignetten könnte man ausführlich ins Schwärmen kommen. Nachdem Christoph sich dem Film allerdings demnächst noch eingehender widmen wird, belasse ich es vorerst bei diesen Zeilen.





Grafs Film steht dabei stellvertretend für die erfreuliche Tendenz, dass in diesem Filmfest-Jahrgang sowohl an den Fronten Autorenfilm, Genrefilm als auch im zum Glück auch heutzutage noch nicht gänzlich ausgetrockneten Sleaze-Bereich gleichermaßen tolle Filme aufzuspüren waren.
Zu den Entdeckungen der zweiten Kategorie gehörte neben CASSANDRAS WARNUNG auch der französische AMERICAN TRANSLATION, eine mit entwaffnender Selbstverständlichkeit inszenierte Kreuzung aus Amour fou und Serienkiller-Roadmovie, wie es so nonchalant, erotisch aufgeladen und auf jede Moralisierung verzichtend schon lange nicht mehr zu sehen war. Ebenso beeindruckend der Genre-sprengende griechische BLACK FIELD, dessen aufgestaute Sehnsüchte der Protagonistin sich im Nunploitation-Part der ersten Hälfte in einer phantasierten Orgienszene, in der sich die versammelten Nonnen über den von ihnen gepflegten verletzten Soldaten hermachen, als feuchter Traum entladen. Was im Grunde ein Spoiler ist, aus dem aber auch der Film nicht lange ein Geheimnis macht und in der zweiten Hälfte dann ganz offen zur naturmystischen queeren Liebesgeschichte wird, in der Tat irgendwo zwischen Malick, Tarkowski und Jarman.
Die andere Seite der Madaille dann allerdings Álex de la Iglesias wüstes Bildragout BALADA TRISTE DE TROMPETA, das immer dann anfängt Spaß zu machen, wenn sich Momente reinen Unsinns und selbstzweckhafter Gewalt, kurzum ein Hauch unverdünnter Exploitation und Trash, hinein mischen, das aber im Wesentlichen leider in seinem Bemühen, wild, schrill und grell zu sein, letztlich in abgestandenen Inszenierungskonventionen gewollt wilder, schriller und greller Filme stecken bleibt und auch aus seinen allegorischen Bezügen zum Franco-Regime wenig macht. Sein ödes Finale wird aber noch von SENNENTUNTSCHI unterboten, der sich in der letzten halben Stunde derart in die Länge zieht, dass dabei auch eine milde gestimmte Haltung gegenüber dem überkandidelt aufgebauschten, aber zumindest stellenweise recht launigen vorangegangen Geschehen einzubrechen droht. Wen der Stoff interessiert, ist mit Georg Tresslers tollem Spätwerk SUKKUBUS – DEN TEUFEL IM LEIB von 1989 jedenfalls nach wie vor erheblich besser beraten.

Was wiederum letztere Kategorie angeht, kam – auch wenn einige Filme mit unverhofft saftigen Akzenten und Momenten überraschten – im Gesamten nichts an Sion Sonos prall gefülltes Sleaze-Feuerwerk GUILTY OF ROMANCE heran, das vom vollzählig versammelten Hofbauer-Kommando reuelos genossen wurde. Weitere Ausführungen zum Film überlasse ich aber anderen und streife im Vorbeigehen lieber noch einige andere Höhepunkte der asiatischen Sektion, allen voran Hong Sang-Soos meisterhaften THE DAY HE ARRIVES, bei dem die strukturelle Anordnung zugunsten einer sublimen Entfaltung der Interaktion der Figuren verhältnismäßig stark zurück tritt. Darin auch ein melancholischer, großartig beobachteter Film, der gerade in der Neuordnung, Verschiebung, Wiederholung und Variation von Konstellationen und Situationen immer wieder neue Aspekte offenlegt.
Mit dem meditativen, seine langen Einstellungen meist doch sehr atmosphärisch und lebendig ausfüllenden YEAR WITHOUT A SUMMER, und dem die richtige Balance zwischen Stilisierung und Dokumentarischem findenden koreanischen Einwanderer-Ausgrenzungs-Porträt THE JOURNALS OF MUSAN hatte die Fernost-Sektion einige weitere feine Filme zu bieten. Nicht zu vergessen Kim Ki-Duk, der sich nach einer Phase des künstlerischen Stillstands und anschließender Depression mit dem zwar zwiespältigen, letztlich aber doch sehr faszinierenden ARIRANG zurück meldet. Nicht wenige werden das Werk als egozentrisches Suhlen im Selbstmitleid in den Wind schießen, aber überwindet man den ersten Abwehrreflex, nimmt die Radikalität des Films (und damit genau das, was Kim in den vorherigen Werken schon völlig abhanden gekommen schien) dann doch stark für ihn ein. Wie Thomas Willmann es auf Artechock so prägnant ausdrückte: „Es gibt die Momente ungefilterter Verzweiflung – aber der fertige Film ist schonungslos nicht nur in diesen Momenten, sondern auch diesen Momenten gegenüber.“ Tatsächlich überrascht, wie sehr der Film immer wieder die Perspektive verschiebt, und wie sehr er auf den Punkt montiert ist und dadurch kaum Gefahr läuft, sich repetitiv in ausgewalztem Gejammere zu verlieren, sondern beinahe kurzweilig wirkt und in einem herrlich ironisch-bizarr inszenierten finalen kleinen Rachefeldzug gipfelt. Oder anders gesagt: im Zweifel für den (von sich selbst) Angeklagten.

Hiermit also doch nochmal ein Versuch, zwischendurch zumindest ein paar kurze Kommentare und Notizen zu ein paar Filmen festzuhalten. Vielleicht bleibt es diesmal ja nicht nur bei der ersten Ausgabe, aber versprechen lässt sich unter den gegebenen Bedingungen beim besten Willen nichts.

LE HAVRE (Aki Kaurismäki)
Dieser etwas unorthodoxe Einstieg war dann doch ein schöner Vorab-Start ins Festival. Kaurismäki zieht unbeeindruckt sein ganz eigenes Ding durch, immer nur leicht, aber signifikant genug neben den Erwartungen, die mit seinem Thema verbunden sind, um nicht in die nächstgelegenen Fallen zu treten. Die „traurigen braunen Knopfaugen“ (©) sind hier daher auch kaum als direkte Realismusbehauptung zu verstehen, sondern ein lakonisch moduliertes Versatzstück. Wie auch der Film selbst einer ausgenüchterten Version eines Melodramas klassischer hollywoodscher Prägung näher steht als einem Arthouse-Sozialdrama im gängigen zeitgenössischen Gewand. Das signalisiert schon die artifizielle Gestaltung, dessen Farben manchmal einen Hauch der Erinnerung an Technicolor verbreiten. Es ist vielleicht kein ganz großer Wurf, und gelegentlich gibt es auch ein paar etwas unnötige skurrile Anflüge, aber insgesamt ist es doch ein sehr überzeugender und ein sehr sympathischer, wunderbar altmodischer Film, den man sich am besten in einem sympathischen, altmodischen Kino ansehen sollte. Da ist es nur konsequent und macht sich denkbar positiv bemerkbar, dass der Film sogar noch analog geschnitten wurde (und im Abspann sogar Filmmaterial und Schneidetisch ausweist, was zweifellos zu begrüßen ist, hat es doch allein mehr Einfluss auf das Erscheinungsbild eines Films, als die allermeisten Positionen, die sonst im Abspann ausgewiesen werden). Schon das nimmt für ihn ein.

CONFESSIONS (Tetsuya Nakashima)
Tetsuya Nakashimas KAMIKAZE GIRLS mochte ich zumindest bei seinem damaligen Start ziemlich gerne, umso größer meine Ernüchterung über seinen Versuch einer verschachtelten Rachegeschichte. Die erste halbe Stunde rollt in Form eines bebilderten Hörspiels die Prämissen aus, was danach folgt, ist eine auf die eigene konstruierte Komplexität abhebende Entblätterung weiterer Verästelungen aus unterschiedlichen Blickwinkeln, in nicht enden wollenden Off-Kommentaren immer wieder bis ins Kleinste ausbuchstabiert und von überstilisiertem Zeitlupen-Hochglanz, zukleisterndem Soundtrack und bedeutungsschwangeren Kitsch-Bildern überlagert. Obendrein werden immer wieder pathetisch überhöhte Allgemeinplatz-Botschaften mit dem Vorschlaghammer eingedroschen. Man möchte es irgendwann kaum noch für möglich halten. Ein irrwitzig aufgebauschtes Machwerk von schier unglaublicher Redundanz und Penetranz. Damit wäre zumindest für mich persönlich der mutmaßliche Tiefpunkt immerhin gleich am Anfang überstanden. Die Auszeichnungen in Japan und die Einreichung als Oscar-Kandidat signalisieren hingegen, dass das viele offenbar anders sehen.

POST MORTEM (Pablo Larraín)
BONSÁI (Cristián Jiménez)
PORFIRIO (Alejandro Landes)
Drei latainamerikanische Filme, die eigentlich ein paar ausführlichere Worte verdient hätten, zu denen es meinerseits aber wohl nicht reichen wird. POST MORTEM hat ein paar bestechende Momente, sperrt mir seine Figuren aber insgesamt zu sehr in seine oft recht starren Kompositionen und gedehnten Einstellungslängen ein, um nachhaltiger zu beeindrucken. Das gelingt PORFIRIO deutlich besser, der aus seinen Körper-, Blick- und Raum-Studien über weite Strecken trotz aller Direktheit eine sehr würdevolle, intensive physische Präsenz gewinnt, die in der Materialität seiner allen Widrigkeiten zum Trotz kompromisslos auf Film gedrehten Scope-Bildern einen Resonanzboden findet, der dank exzellenter Kopie in sehr guter Projektion besonders eindrucksvoll zur Geltung kam. Vielleicht noch erfreulicher BONSÁI, vor allem weil es ihm gelingt, aus hinlänglich bekannten Versatzstücken der tragischen Romantikkomödie und einem auf dem Papier eher schrecklich klingenden Plot ganz trocken eine Frische abzuringen, die tatsächlich überrascht. Ein kurzweiliger, lässiger, bittersüßer Film, der sich unangestrengt und mit präzisem Timing zwischen und mit seinen Zeitebenen und Figuren bewegt.

BLUE BIRD (Gust van den Berghe)
Gust van den Berghe greift auch im zweiten Film auf sein offenbar mit Willen zum Markenzeichen selbst kreiertes extrem breites Format zurück, das vermutlich das 2,76:1-Seitenverhältnis von Ultra Panavision in der Breite noch etwas übertreffen dürfte (oder daran orientiert ist?). Wie schon beim Vorgänger LITTLE BABY JESUS OF FLANDR ist der Gesamteindruck nicht restlos überzeugend, wenngleich vielleicht einen Tick positiver. Nach starkem Auftakt verläuft sich der Film jedoch zusammen mit den beiden zentralen Kinderfiguren ein wenig in seinem konsequent blau gefilterten Kosmos, dem neben einer mitunter hypnotischen Wirkung und einzigen reizvollen Einzelepisoden dann immerhin auch ein sehr eigener, distinktiver Stilwillen kaum abzusprechen ist.

THE CASTLE (Martina Parenti , Massimo D’Anolfi)
PLAY (Ruben Östlund)
Ersterer las sich auf dem Papier dann doch interessanter, als in der Umsetzung. Es gelingen immer wieder einzelne pointierte Momente, aber insgesamt wäre ein stärkerer Fokus auf die strukturalistische, technizistische und architektonische Seite seines Portraits des Raumes (Flughafen) und seiner Wechselwirkung zu sich darin abspielenden Macht- und Kontrollverhältnissen spannender gewesen. Der Gedanke an diesen Stoff unter der Regie von Frederick Wiseman oder Eva Hiller ist doch einigermaßen reizvoll. Faszinierend dann, wie PLAY wiederum gerade in seiner teilweise brillanten ersten Hälfte genau das gelingt. Die Fokusverschiebungen, das Nebeneinander verschiedener Kommunikations- und Handlungsebenen, auch die räumliche Strukturierung von Bewegungsradien verdichtet zu einem komplexen soziologischen Diskursentwurf, der gerade in seinen Widerborstigkeiten inspiriert. Überzeugend zudem als Studie von gruppendynamischen Prozessen und als packender subtiler Terrorfilm, wobei die Fokusverengung auf diese Aspekte in der zweiten Hälfte den Gesamteindruck etwas schwächen. Auch einige etwas platte Metaphern (die Wiege im Zug) sind eher unnötig, während ich das zweifellos etwas zerfahrene und angehängt wirkende Ende dann in seiner Rückkehr zur Fokusöffnung der ersten Hälfte nicht uninteressant fand, auch wenn es dem Film leider etwas von seiner Präzision raubt.

DAD – OCA (Vlado Škafar)
Bislang der überragende Film des Festivals. Mit der Beobachtungsgabe des Dokumentarfilmers entfaltet sich (nicht nur und auch gar nicht so direkt) eine Studie einer Vater-Sohn-Beziehung, deren sanfte Überblendungen und Abblenden, deren kunstvoll ungekünsteltes Gleiten und Fließen die Überlagerung und das Hineinwirken von Vergangenheit und Gegenwart, von Ich und Du, Hier und Jetzt, von Annäherung und Entgleiten, Erinnerung und Zukunft verstärken und verdoppeln. Ein assoziatives Schweben in Zeit und Raum, Dokumentation und Fiktion, ein sanftes und demütiges Echo von Gewesenem, Gegenwärtigem und Möglichem. Aber es hilft alles nichts: zumindest im Moment bekomme ich den Film und seine lyrische Dimension, die sich so wunderbar unabhängig vom gängigen „poetischen Reservoir“ des Kinos entfaltet, ohnehin nicht zu fassen. Es wäre nebenbei ein perfekter Abschlussfilm gewesen, freilich kein offizieller (selbst einer der kleinsten Säle des Filmfestes war schließlich bei der ersten Vorstellung zur besten Zeit bedauerlicherweise nur halb gefüllt), aber als einer der Filme im letzten Programmslot des letzten Tages würde er einen perfekten Festivalausklang bieten. Ich fühlte mich danach jedenfalls beglückt und bereichert von einem Film, der auf seine ganz eigene Art und in einem nicht ausschließlichen und ausschließenden Sinne verdammt viel von dem zu bieten hat, was zumindest ich mir im Optimalfall vom Kino erhoffe.